New york

Nuevo récord para Olga Albizu en Subasta Internacional

El pasado 30 de septiembre la obra “UNTITLED” de la reconocida artista puertorriqueña Olga Albizu alcanzó un nuevo récord de ventas en la Subasta de Arte Latinoamericano de la prestigiosa casa de subastas Christie’s en la ciudad de Nueva York.

El lote #73 de esta subasta fue este espectacular óleo sobre canvas de Albizu del año 1972 de 45½“(alto) x 35” (ancho) con precio estimado de $40,000 a $60,000.00. Esta obra logró alcanzar un precio de venta final de $151,200.00 triplicando así el valor estimado y estableciendo un nuevo récord de venta para esta artista.

Olga Albizu es reconocida como una de las mujeres artistas más importantes del Expresionismo Abstracto Americano y como una de las artistas puertorriqueñas de este movimiento artístico más sobresalientes a nivel internacional. Sus obras forman parte de importantes colecciones de arte locales e internacionales.

Conoc más sobre Olga Albizu en: biaggifaure.com/artists/olga-albizu/

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Artistas latinoamericanos llegan al MoMa

Tulúm, after Catherwood [The Castle];Leandro Katz;1985;16 × 20" (40.6 × 50.8 cm);Gelatin silver print;© 2018 Leandro Katz

El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMa) anuncia una importante exposición que reunirá aproximadamente 65 obras de artistas latinoamericanos que, durante las últimas cuatro décadas, han recurrido a la historia como fuente material para crear nuevas obras. En exhibición del 30 de abril al 9 de septiembre de 2023 en el tercer piso de las Galerías Robert B. Menschel, esta exposición explorará un transformador grupo de obras, principalmente del siglo XXI, que fueron donadas por la Colección Patricia Phelps de Cisneros en 2018. Videos, fotografías, pinturas y esculturas se presentarán en diálogo con la extensa colección latinoamericana del MoMA, así como adquisiciones recientes, una nueva comisión y préstamos seleccionados. La presentación contará con obras de aproximadamente 40 artistas de diferentes generaciones que han trabajado en América Latina durante las últimas cuatro décadas, incluidos Alejandro Cesarco (Uruguay), Regina José Galindo (Guatemala), Mario García Torres (México), Leandro Katz (Argentina), Suwon Lee (Venezuela), Gilda Mantilla (Perú) and Raimond Chaves (Colombia), Cildo Meireles (Brasil), Rosângela Rennó (Brasil), Mauro Restiffe (Brasil), and José Alejandro Restrepo (Colombia), entre otros. Esta exposición está organizada por Inés Katzenstein, Curadora de Arte Latinoamericano y directora del Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el estudio del arte de América Latina, junto con Julia Detchon, asistente curatorial del Departamento de Dibujo y Grabado.

Fading Field No. 1;Elena Damiani;2012;69 3/4 × 52 7/8″ (177.2 × 134.3 cm) ;Inkjet print on silk chiffon with wooden frame and black wall ;© 2021 Elena Damiani

“Las obras en esta exposición demuestran que parte del arte más relevante del presente se concibe a través de la investigación y el recuento de la historia de nuevas maneras”, dice la curadora Inés Katzenstein. “Esta exposición presentará a los visitantes importantes artistas latinoamericanos que han trabajado durante las últimas décadas y que han establecido un diálogo con el pasado como un medio para reparar historias de violencia, reconectar con legados culturales poco valorados y fortalecer relaciones de parentesco y pertenencia”.

Organizada en tres secciones principales, esta exposición examinará cómo los artistas han investigado y reinventado las historias y los legados culturales de la región. La primera parte de la exposición replanteará la larga historia de colonialismo a través de obras como la videoinstalación Paso del Quindío I (1992) de José Alejandro Restrepo y la escultura performativa Looting [Saqueo] (2010) de Regina José Galindo. La siguiente sección de la exposición explorará las diferentes formas en que los artistas reconsideran patrimonios culturales que han sido poco valorados y presentará obras de Cildo Meireles, así como un nuevo video de Las Nietas de Nonó. La sección final de la exposición analizará parentescos heredados y elegidos, así como los procesos en torno al duelo y la remembranza a través de obras como el videoretrato de Alejandro Cesarco Present Memory [Memoria presente] (2009) y un mural recién comisionado a Iran do Espírito Santo.

Installation view of the exhibition “Contemporary Art from the Collection”;Thomas Griesel;June 30, 2010–September 19, 2011; Atrium: June 30, 2010–November 29, 2010;Digital photograph

Desde su fundación en 1929, el Museo de Arte Moderno ha coleccionado, exhibido y estudiado el arte de América Latina. Hoy, la colección del MoMA incluye más de 5 mil obrasde arte moderno y contemporáneo de artistas de América Latina, así como artistas de ascendencia latinoamericana, distribuidas en sus seis departamentos curatoriales, que representan figuras importantes del modernismo temprano, el expresionismo, el surrealismo, la abstracción, la arquitectura y el arte conceptual y contemporáneo. Durante los últimos 25 años, la Colección Patricia Phelps de Cisneros ha donado más de 200 obras de artistas latinoamericanos al Museo. Además de esas generosas donaciones, en 2016 la Colección Patricia Phelps de Cisneros estableció el Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el estudio del arte de América Latina en MoMA.

Mario García Torres. Je ne sais si c’en est la cause (I Don’t Know if it is the Cause), 2009. Fifty-eight 35mm color slides, two vinyl LPs. © 2023 Mario Garcia-Torres

La programación del Instituto incluye becas para académicos, curadores y artistas, y una importante iniciativa de investigación que contribuye a una serie de programas públicos organizados por el Museo, así como simposios en América Latina y publicaciones en formato digital e impreso.

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MoMa expone en honor a Pinocchio

Guillermo del Toro on the set of Guillermo del Toro’s Pinocchio, 2022

El Museo de Arte Moderno (MoMa) anuncia a Guillermo del Toro: Crafting Pinocchio, una exposición dedicada a la artesanía y el proceso detrás de la primera película de animación stop-motion del cineasta.

A la vista en el segundo piso Paul J. Sachs Galleries y en el Debra and Leon Black Family Film Center desde el 11 de diciembre de 2022, hasta el 15 de abril de 2023, la exhibición brindará a los visitantes una mirada entre bastidores al proceso creativo detrás de la última película de Del Toro, Pinocho de Guillermo del Toro (2022). Además de las presentaciones en la galería, el MoMA proyectará Pinocho de Guillermo del Toro del 22 al 29 de diciembre; presentará una retrospectiva completa de las películas de Del Toro en diciembre 2022 y enero de 2023; y presentará una serie Carte Blanche comisariada por el director en 2023, todo en los Teatros Roy y Niuta Titus. Guillermo del Toro: Crafting Pinocchio está organizado por Ron Magliozzi, curador, y Brittany Shaw, asistente curatorial, con Kyla Gordon, investigadora Asistente, Departamento de Cine.

“Con Pinocho de Guillermo del Toro, tuvimos la oportunidad única de organizar una exposición durante la producción activa de un largometraje de uno de los más destacados cineastas importantes de esta generación”, dice el curador Ron Magliozzi. “La oportunidad de observar de primera mano cómo Guillermo y su compañero director Mark Gustafson se comprometieron con los artesanos y artistas, bajo su dirección, inspiró nuestra selección e instalación de las obras en exhibición”.

La presentación en el segundo piso incluirá cinco conjuntos de trabajo completos y cuatro conjuntos de piezas grandes, junto a títeres y marionetas, maquetas, moldes escultóricos, dibujos, materiales de desarrollo, videos de prueba de movimiento y lapso de tiempo, y accesorios de la película. En el espacio de la galería del Black Family Film Center, los visitantes experimentarán una recién comisionada, serie de videos inmersivos que explora temas que se ven con frecuencia en las películas de Del Toro; amplia selección de carteles de arte alternativo y emitidos por estudios; y un paisaje sonoro  especialmente creado del sitio. La exposición demostrará cómo los equipos de profesionales en una notable variedad de medios trabajaron en colaboración en Portland, Oregón, y Guadalajara, México, para crear la película.

La exposición se abrirá con ediciones clásicas y contemporáneas de El libro de Carlo Collodi. Aventuras de Pinocho (1883) de todo el mundo, incluida la edición de 2002 ilustrado por Gris Grimly, que inspiró a los cineastas, para orientar a los visitantes al original historia y mostrar la diversidad de enfoques que los ilustradores han adoptado para visualizar la historia.

A lo largo de la exposición, los visitantes aprenderán más sobre las distintas fases del stop-motion, la cración de películas de animación desde el desarrollo de la apariencia hasta el proceso de producción de varios años. Crafting Pinocchio presentará piezas físicas de la producción junto con las digitales pruebas de color, estudios topográficos, tecnología de video de última generación y archivo fotografía que dio vida al clásico reinventado de Del Toro.

Guillermo del Toro: Crafting Pinocchio es la cuarta gran exposición de la galería del Museo para centrarse en el arte de la animación cinematográfica desde 2005, siguiendo a Pixar: 20 años de Animation (2005–06), Tim Burton (2009) y Quay Brothers: On Deciphering the
Receta del farmacéutico para marionetas de lectura de labios (2012). El trabajo de Del Toro ha aparecido en varias de las exposiciones del Museo, a partir de 1994, cuando su primera película, Cronos (1993), fue seleccionado para el festival anual New Directors/New Films. Desde entonces, el Museo ha proyectó The Shape of Water (2017) como parte de The Contenders 2017 y Nightmare Alley (2021) como parte de The Contenders 2021.

Un completo calendario de proyección de los programas cinematográficos que acompañarán a Guillermo del Toro: Crafting Pinocho se anunciará en otoño de 2022.

 

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MoMa resalta el dibujo de Georgia O’ Keeffe

Georgia O'Keeffe. Evening Star No.III, 1917. Acuarela sobre papel montado sobre tabla. 8 7/8 x 11 7/8″ (22,7 x 30,4 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York.

El Museo de Arte Moderno (MoMa), en Nueva York, anunció Georgia O’Keeffe:To see Takes Time, la primera exposición que investiga las obras del artista sobre papel realizadas en serie.

Utilizando carboncillo, acuarela, pastel y grafito, exploró formas y fenómenos, desde ritmos abstractos a los ciclos de la naturaleza, a través de múltiples ejemplos. Algunas de estas secuencias también dieron lugar a pinturas relacionadas, que se instalarán junto a estas obras sobre papel. A la vista en las galerías sur del tercer piso del MoMA del 9 de abril al 12 de agosto de 2023, la exposición revela un lado menos conocido de este artista, poniendo en primer plano la persistentemente proceso moderno en papel. Más de 120 obras creadas a lo largo de más de cuatro décadas, incluidas ejemplos clave de la colección del MoMA: demuestran las formas en que O’Keeffe desarrolló, motivos repetidos y cambiados que desdibujan el límite entre la observación y la abstracción. Vistas juntas, estas obras demuestran cómo el dibujo en serie le permitió a O’Keeffe volver a visitar
y reelaborar temas a lo largo de su carrera, y revelar las elecciones de materiales bien pensados detrás de sus resplandecientes composiciones. La exposición está organizada por Samantha Friedman, curadora asociado, del Departamento de Dibujos y Grabados, con Laura Neufeld, conservadora de papel asociado, del Departamento de Conservación de David Booth, y Emily Olek, asistente curatorial, del Departamento de Dibujos y Grabados.

Georgia O’Keeffe. Tren de noche en el desierto, 1916. Acuarela y lápiz sobre papel. 11 7/8 x 8 7/8″ (30,3 x 22,5 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Aunque la exposición Georgia O’Keeffe de 1946 del MoMA fue la primera retrospectiva de una mujer artista, el Museo no ha tenido una exposición dedicada al artista desde entonces. Esta exposición es la primera en reunir los dibujos que más se suelen ver individualmente, con el fin de iluminar la innovadora práctica en serie de O’Keeffe. En los años formativos de 1915 a 1918, O’Keeffe hizo más trabajos en papel que en cualquier otro momento, produciendo su gran  serie avanzada de carboncillos y secuencias en acuarela de líneas abstractas, paisajes orgánicos y desnudos. Si bien su práctica se volvió cada vez más hacia el lienzo después de este período, reaparecieron importantes series sobre papel que incluyen flores de la década de 1930, retratos de la década de 1940 y vistas aéreas de la década de 1950, todas las cuales están incluidas en esta exposición.

“Las obras en papel de O’Keeffe son la expresión perfecta de su creencia de que ‘ver lleva tiempo'”. dice la curadora asociada Samantha Friedman. “Ella reconoció la necesidad de reducir la velocidad por su propia visión, y, a su vez, sus secuencias de dibujos nos invitan a tomarnos un tiempo en la mirada.”

Entre las obras clave de la exposición se encuentra el carboncillo temprano No. 8 – Especial (Dibujo No. 8) (1916). O’Keeffe llamó a algunas de sus obras “especiales”, lo que indica su creencia en su éxito; este dibujo presenta una composición en espiral que se repetiría a lo largo de la carrera de décadas. Una vez señaló sobre este trabajo: “He hecho este dibujo varias veces— nunca recordando que lo había hecho antes, y sin saber de dónde vino la idea”, enfatizando la serialidad de su práctica.

Otro punto destacado de la exposición será el reencuentro de acuarelas en la serie Evening Star  (1917), cuya paleta luminosa refleja la respuesta de O’Keeffe a un cielo de Texas. Juntas, estas obras expresan cómo el desarrollo de una idea por parte del artista a través de múltiples las hojas reflejan las formas cambiantes y el movimiento de la naturaleza misma. Siguiendo el curso de una espectacular puesta de sol, O’Keeffe pasa de bandas discretas de color separadas por áreas de papel en blanco a áreas completamente sangradas de pigmento líquido.

Georgia O’Keeffe. Dibujo X, 1959. Carboncillo sobre papel. 24 7/8 x 18 5/8″ (63,2 x 47,3 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York.

Drawing X (1959), realizado el año en que O’Keeffe realizó un viaje de tres meses alrededor del mundo, fue inspirada en las vistas del paisaje que presenció desde un avión. Uno en una serie de tales carboncillos que también condujeron a pinturas subjetivamente coloreadas, este trabajo ofrece un ejemplo clave de la compleja y sutil relación entre representación y abstracción dentro de la proyecto del artista.

 

 

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Transforman terraza de museo en un espacio comunitario programable

Con el propósito de servir como un espacio programable abierto para la comunidad de Chapel Hill y el Museo de Arte Ackland, The Urban Conga creó pARC ubicado en la Universidad de Carolina del Norte. El estudio diseñó la intervención espacial a través de una serie de talleres de diseño participativos con partes interesadas de la comunidad y representantes del museo.

El color magenta actúa como un trozo de cinta que crece desde el suelo y guía a las personas hacia la terraza y el museo. – Foto por Tom Waldenberg

The Urban Conga es un estudio de diseño multidisciplinario galardonado internacionalmente con sede en Brooklyn, Nueva York, que comprende un grupo diverso de creativos enfocados en estimular la actividad social y la interacción comunitaria a través del juego abierto.

Conoce sobre otros proyectos por de Urban Conga en: Arte interactivo inicia conversación sobre el aumento del nivel del mar

Un grupo de estudiantes utiliza el espacio como un lugar para pasar el rato y almorzar. – Foto por Tom Waldenberg

Los comentarios, las aportaciones de la comunidad y los representantes del museo condujeron al diseño final del espacio, así como a las aportaciones sobre la futura programación pública. El Museo de Arte Ackland es un museo gratuito en Chapel Hill que alberga un excedente de programación diversa dentro de sus puertas, pero parecía que muchos miembros de la comunidad desconocían el museo y lo que tenía para ofrecer.

Una actuación espontánea de sombras se lleva a cabo en la terraza por miembros de la conferencia de Jane Austen. – Foto por Tom Waldenberg

pARC fue diseñado para sentarse en la terraza abierta del museo, sirviendo como un puente para conectarlo a la calle como una extensión programable de las conversaciones, eventos, enseñanzas y otra programación que existe actualmente dentro de las puertas de Ackland. El diseño muestra cómo el juego puede utilizarse como una herramienta en la democratización de las instituciones artísticas, eliminando efectivamente el arte del pedestal para permitir que las personas se apropien del trabajo y el espacio. Invita a la gente de la calle al museo, atrayendo a personas que antes se sentían incómodas al ingresar al espacio. La instalación se convierte en una plataforma comunal transformadora, que permite a todos los usuarios interactuar con el museo, la universidad y entre ellos de nuevas maneras.

El Museo de Arte de Ackland alberga una serie de lecturas de libros en el espacio como un componente de la programación inicial dentro del espacio. – Foto por Tom Waldenberg

pARC se convierte en un hito transformador para todo tipo de juegos, desde los físicos hasta los de fantasía, y destaca cómo se puede utilizar el juego como una herramienta fundamental para evocar espacios comunitarios más inclusivos y equitativos.

Conoce más sobre la instalación en ackland.org 

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Moma presenta nuevo proyecto arquitectónico

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El Museo de Arte Moderno anuncia el Proyecto de Independencia: Arquitecturas de descolonización en el sur de Asia, 1947-1985, una exposición que explorará las formas en que la arquitectura moderna en la región dio forma y expresión a visiones sociales idealistas y políticas emancipadoras del período posterior a la independencia.

Rewal Raj (né en 1934). Paris, Centre Pompidou – Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle. Suministrada


Se expondrá desde el 20 de febrero de 2022 hasta el 2 de julio de 2022. Esta exposición comprenderá más de 200 obras, incluidos bocetos originales, dibujos, fotografías, películas, componentes audiovisuales, y modelos arquitectónicos, obtenidos principalmente de prestamistas e instituciones prominentes en Bangladesh, India, Pakistán y Sri Lanka.

Los proyectos destacados, de figuras clave como Balkrishna V. Doshi (India), el único ganador asiático sureño del Premio Pritzker de Arquitectura; Minnette de Silva, la primera mujer en convertirse en arquitecta con licencia en Sri Lanka; y Yasmeen Lari, la primera mujer en calificar como arquitecta en Pakistán, por nombrar algunos, abordarán sobre cómo la arquitectura midió el proceso de descolonización y modernización de estos estados-nación emergentes.

Imagen Suministrada


El Proyecto de La independencia está organizado por Martino Stierli, el curador en jefe de Philip Johnson Arquitectura y Diseño, Anoma Pieris, curadora invitada y profesora, Universidad de Melbourne, y Sean Anderson, ex curador asociado, con Evangelos Kotsioris, conservador adjunto, Departamento de Arquitectura y Diseño.

Esta exposición arrojará una nueva luz sobre la cultura de la arquitectura moderna en el sur de Asia: centrándose en India, Pakistán, Bangladesh y Sri Lanka, en las primeras décadas después de la independencia del dominio colonial en 1947/48, en la que la arquitectura moderna fue un agente significativo de la transformación social progresiva. Centrándose en lo prolífico y trabajo diverso concebido y realizado por arquitectos locales, más que internacionales, diseñadores y planificadores, el Proyecto de Independencia considerará la producción arquitectónica como fuerza activa en el impulso de la independencia y la autodeterminación.

 

Imagen Suministrada


El Proyecto de Independencia se organizará en torno a secciones temáticas que tanto ejemplifican las condiciones transnacionales y compartidas de descolonización y llaman la atención sobre la expresión de un lenguaje arquitectónico modernista en respuesta a condiciones específicas, tales como materiales disponibles, tradiciones artesanales o la organización del trabajo:

  • Edificio institucional
  • Educación
  • Espacios políticos
  • Industria e infraestructura

El Proyecto de Independencia irá acompañado de un catálogo académico, uno de los pocos publicaciones para ofrecer un debate transnacional sobre la arquitectura moderna en el sur de Asia. El catálogo incluirá ensayos de un grupo de destacados académicos en el campo, incluido Kazi. Khaleed Ashraf, Nonica Datta, Prajna Desai, Da Hyung Jeong, Farhan Karim, Evangelos Kotsioris, Saloni Mathur, Rahul Mehrotra, Mrinalini Rajagopalan, Peter Scriver y Amit
Srivastava y Devika Singh: fotografía y archivo encargado de Singh reproducciones.

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