Las renombradas marcas británicas Clarks y Land Rover lanzaron la línea Life.Limitless con tres diseños. Las zapatillas se basan en la reputación compartida de las marcas en cuanto a diseño e innovación, inspiradas en la capacidad y la versatilidad de Land Rover. Continuar Leyendo
El Victoria & Albert Museum de Londres (V&A Museum) abre la exposición más grande y completa que se haya realizado en el Reino Unido sobre la Casa de Dior. Es la exposición de moda más grande del museo desde Alexander McQueen: Savage Beauty. Desde 1947 hasta nuestros días, Christian Dior: Designer of Dreams (Christian Dior: Diseñador de Sueños) sigue la historia y el impacto de uno de los modistos más influyentes del siglo XX, y de los seis directores artísticos que lo han sucedido, para explorar la influencia perdurable de la casa de modas.
Basada en la gran exposición Christian Dior: Couturier du Rêve, organizada por el Musée des Arts Décoratifs de París, la exposición se reinventa para el V&A. Una sección completamente nueva explora, por primera vez, la fascinación del diseñador por la cultura británica.
Dior admiró la grandeza de las grandes casas y jardines de Gran Bretaña, así como los transatlánticos de diseño británico, incluido el Queen Mary. También tenía una preferencia por los trajes de Savile Row.
Su primer desfile de modas en el Reino Unido tuvo lugar en el Savoy Hotel de Londres, y en 1952 fundó Christian Dior London.
Desde la horticultura hasta los viajes globales y el historicismo, el espectáculo revela las fuentes de inspiración que definieron la estética de la Casa de Dior.
Desde los atrevidos diseños de Yves Saint Laurent hasta el estilo racional de Marc Bohan, la extravagancia de Gianfranco Ferré, la exuberancia de John Galliano, el minimalismo de Raf Simons y la visión feminista de la moda de Maria Grazia Chiuri, la exposición muestra cómo cada director artístico exitoso se ha mantenido fiel a la visión de Dior sobre la Alta Costura, al tiempo que aporta su propia sensibilidad creativa a la Casa.
Oriole Cullen, curador de moda y textiles en V&A, dijo: «En 1947, Christian Dior cambió el rostro de la moda con su New Look, que redefinió la silueta femenina y revitalizó la industria de la moda parisina de posguerra. V&A reconoció la importante contribución de Dior a la historia del diseño desde el principio de su carrera, adquiriendo sus bocetos y prendas a partir de la década de 1950 en adelante. La influencia del diseño de Christian Dior fue omnipresente y ayudó a definir una era. En sus formas individuales, cada uno de los sucesivos directores artísticos de la Casa se ha referido y reinterpretado los propios diseños de Dior y ha continuado con el legado del fundador, asegurando que la Casa de Christian Dior se encuentra hoy en la vanguardia de la moda. Más de setenta años después de su fundación, la exposición de V&A celebra la influencia perdurable de la Casa de Dior y revela una nueva investigación sobre la relación de Dior con Gran Bretaña».
Nadja Swarovski, miembro de la Junta Ejecutiva de Swarovski, dijo: «Estamos encantados de apoyar la puesta en escena de V&A de esta espectacular exposición de Dior, luego de nuestro apoyo a los espectáculos en París y Denver, Colorado. Las historias de Swarovski y Dior se han entrelazado desde la década de 1950, cuando mi abuelo trabajó junto al propio Monsieur Dior para desarrollar el cristal de Aurora Boreal. Es maravilloso honrar la increíble herencia de la Casa de Dior y celebrar su influencia perdurable, que está bellamente captada en este espectáculo impresionante».
Christian Dior: Designer of Dreams trae a V&A un estudio profundo y amplio de las prendas únicas de Alta Costura desde 1947. En 11 secciones, la exposición muestra la exquisita habilidad y la artesanía de los talleres y los sucesivos diseñadores de House of Dior:
Christian Dior ofrece una biografía ampliada sobre Christian Dior (1905–57), desde la vida familiar hasta su carrera temprana como propietario de una galería y la fundación de la Casa de Dior en 1946. Abarca los extensos viajes de Dior, el éxito global de Casa de alta costura y el desarrollo de los perfumes Dior.
Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección The Dior Line. Foto: Adrien Dirand.
The Dior Line muestra diez looks definidos hechos entre 1947 y 1957, durante la tenencia de Christian Dior en la Casa.
Dior in Britain descubre el amor personal de Christian Dior por Inglaterra y el amor recíproco de su cliente británico por su moda. Centrándose principalmente en la vida de Dior, destaca los primeros desfiles de moda de Dior que se realizan en casas de campo y grandes hoteles de Gran Bretaña, la compañía Dior London y clientes británicos.
Historicism examina la influencia de la vestimenta histórica y las artes decorativas en los diseños de la Casa de Dior desde 1947 hasta la actualidad, que abarcan el amor de Dior por el siglo XVIII y las modas Belle Époque de su madre, Madeleine Dior.
Travels explora cómo los viajes y los diferentes países y culturas han inspirado constantemente a los distintos diseñadores de la Casa Dior.
The Garden destaca la importancia de las flores y los jardines como fuente de inspiración para la Casa, desde prendas hasta perfumes.
Designers for Dior destaca el trabajo de los siguientes seis directores artísticos clave desde la muerte de Christian Dior en 1957.
The Ateliers muestran toiles de los Dior Ateliers en una impresionante instalación de estilo “gabinete de curiosidad”.
Diorama examina la amplitud de la Casa de Dior, desde accesorios como bisutería, sombreros, zapatos y bolsos, hasta ilustraciones, vestidos en miniatura y un archivo de lápiz labial, perfume, botellas, recolectadas en una exhibición caleidoscópica. Esta sección destaca a los socios creativos clave de la Casa de los últimos 70 años, incluidos Roger Vivier Stephen Jones, René Gruau, Serge Lutens y Swarovski, la primera opción de los cristales de Christian Dior para embellecer sus creaciones.
The Ballroom celebra la fantasía del baile, evocando los lujosos interiores de las grandes casas de Gran Bretaña. Presentando 70 años de asombrosos trajes de noche formales, esta sección revela la increíble habilidad de los ateliers de Alta Costura.
vam.ac.uk
Los labios rojos, la uniceja inolvidable, la corona de flores y los vestidos largos son algunos de los elementos que destacaron a Frida Kahlo en su época como artista, pero mucho más significativos de lo que imaginamos.
Tras un éxito sin precedentes en España, la exposición “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva”, recorrerá los Estados Unidos, Canadá y América Latina. Siendo Puerto Rico, el primer lugar donde comenzó la exhibición, el pasado 5 de agosto en el Coliseo Pedrín Zorrilla.
Una de las salas de la exhibición destaca a Frida Kahlo como un ícono de la moda, por su seguridad y estilo particular.
Debilitada por el polio y un accidente en autobús que cambió su vida, esta valiente artista siempre fue independiente y atrevida rompiendo los esquemas. Kahlo fue su propia musa, pues un 80% de sus obras son autorretratos, y la ropa se convirtió en parte de su narrativa de amor, dolor, transformación y fantasía.
La moda “era una forma de terapia para ella”,expresó Beatriz Alvarado, representante de la fundación Frida Kahlo, pues mientras más enferma estaba era cuando más se adornaba.
“Frida representa uno de los símbolos más importantes de ser feliz contigo misma, de ser única, de llevar tu cultura por todo el mundo y sentirte bien en tu propia piel”, añadió. Para Alvarado, el mensaje de Frida era “Te amo México” ya que siempre llevó su cultura en alto por las calles de Detroit, París y Nueva York.
“Pinto flores para que no mueran”, decía la artista, y no solo las pintaba sino que siempre las llevaba con ella.
Kahlo tenía un aspecto andrógino para esos años, tabú que apenas se acepta en la actualidad, que desconcertaba con sus coloridos vestidos y estampados floreados. Solía usar orquídeas, símbolos de elegancia y feminidad, o rosas en tonos cálidos, con los que pretendía plasmar la esencia y cultura de México. La artista logró darle un toque único, introduciéndolas en sus peinados, algo que la destacó y se ha convertido en un símbolo de su esencia.
Frida vestía faldas largas para ocultar su pierna debilitada por la polio. La vestimenta típica era el traje de Tehuana, que a menudo era formado por tres partes: una blusa geométrica, una falda larga con enaguas, y un tocado floral, muchas veces complementado con pendientes y collares.
La colección de ropa exhibida en la biografía inmersiva de Frida Kahlo, fue confeccionada en la ciudad de Oaxaca por mujeres que continúan creando las piezas tradicionales, y que es la ciudad reconocida por crear esos trajes en la época de Frida.
Seguramente, una de las cosas que recordamos de Frida es su distinguible uniceja y su aceptación del vello facial.
No, no se trata de un descuido ni de falta de importancia, sencillamente era algo que usaba para rebelarse contra la sociedad que le tocó vivir. Inclusive, utilizaba mucho el maquillaje para destacar su particular apariencia, incluyendo sus cejas, siendo el lápiz de cejas de la marca Revlon uno de sus favoritos.
“Muchos dicen que nació antes de su época, pero para mí nació en el momento perfecto para dejarnos su legado y que dejó huellas en todos los lugares que pisó”, comentó Ricardo Arjona Torres de Sophisticated Minds.
Su apariencia resultó tan sensacional que en 1937, la revista Vogue publicó una fotografía por Toni Frissell de la artista de pie frente a una planta de yuca gigante con una blusa azul cielo una falda blanca rematada con un característico volante en el suelo y sosteniendo en alto sobre su cabeza su preciado chal color ciruela.
En general, Frida siempre fue una mujer bien arreglada, pero que retrataba su imagen de una manera tan particular que desafiaba las expectativas sociales. Siempre usaba lápiz labial y se pintaba sus uñas con colores vivos, pero sin el miedo de mostrarse con elementos a menudo asociados con la masculinidad.
“Hoy vemos que todas las mujeres llevamos un poquito de Frida, a lo mejor no usamos el mismo vestido largo con las polleras y el bordado pero si llevamos esa rebeldía y esas ganas de ser únicas”, concluyó Alvarado.
El horario de la exhibición “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva” será de miércoles a domingo, de 11:00 a.m. hasta las 8:30 p.m en el Coliseo Pedrín Zorrilla. Los boletos están disponibles a través de Ticketera.com y está disponible la opción para grupos.
Para más información de “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva” visite fridakahlopuertorico
Obras de arte de pintores puertorriqueños como José Campeche, Francisco Oller, Lorenzo Homar, Arnaldo Roche, Antonio Martorell y Ramón Frade, estarán plasmadas en piezas de vestir confeccionadas en Puerto Rico por el diseñador de moda Joseph Da’Ponte, en su próximo desfile.
“Lo que queremos con este evento es exaltar la industria textil local y mostrar telas de calidad que se elaboran con material reciclado de botellas de plástico y que son desarrolladas en Puerto Rico por la microempresa EmProm Sublimación de Textiles“, precisó el también productor de eventos con preparación en arte teatral, lingüística y comunicaciones.
Joseph Da’Ponte resaltó lo significativo que ha sido para él tener una empresa local de sublimación de textiles “porque me ofrece una versatilidad increíble y la oportunidad de producir en yardas la cantidad de tela que necesito y mejor aún con diseños personalizados sin tener que viajar fuera para conseguirlas”.
Será el próximo 2 de julio a las 6:30pm uno de los salones del Capitolio de Puerto Rico para presenciar la nueva colección de moda otoño/invierno 2022 de Joseph Da’Ponte, In honor of Art, inspirada en piezas icónicas de la historia del arte.
Da’Ponte prometió llevar su experiencia y espíritu innovador a prendas de vestir hilvanadas en textiles ecoamigables que muestran piezas clásicas de pintores internacionales como La Piedad y la Capilla Sixtina, de Miguel Angel; La Última Cena y La Mona Lisa de Leonardo da Vinci; Noche Estrellada de Vincent van Gogh, El grito de Edvard Munch; el Sueño de Cristobal Colón de Salvador Dalí y Las Meninas de Diego Velázquez, entre muchas obras de reconocidos artistas plásticos.
“Quiero demostrar cuánto talento tenemos en la Isla en el quehacer de la moda, con esta empresa podemos regresar a la época de oro. Si hacemos una retrospectiva, la industria textil local se ha destacado siempre. En 1870 se fabricaban telas en la Isla y según documentos históricos, eran una de las mejores y se exportaban a Inglaterra, Francia, España e incluso Alemania”, sostuvo.
Por su parte, Mariana Vázquez, gerente de la empresa netamente puertorriqueña líder en sublimación de textiles, precisó que EmProm, inaugurada hace más de un año a pesar de los obstáculos que ha enfrentado para levantarse en medio de la pandemia, hace la diferencia por su compromiso con el medioambiente, ya que es casi que incalculable la cantidad de botellas de plástico que contaminan los cuerpos de agua y nuestras telas se realizan con el reuso y el reciclaje de esas botellas plásticas.
“Puedo decir con orgullo que el equipo humano de EmProm ya tiene las herramientas para ofrecer un paquete completo que incluye arte, diseño, costura, y además, pensando en la protección del ambiente, porque ayudamos a reducir las botellas plásticas, las reciclamos y las convertirlas en telas”, recalcó.
“Es una oportunidad increíble poder ver el nombre de EmProm en una de las colecciones de Joseph y, estamos seguros que será una alianza que perdurará”, dijo Vázquez, al mencionar que en el desfile, EmProm no sólo trabajó en la sublimación de telas sino también de alfombras, cojines y otros accesorios que se usarán en el evento.
Además, indicó que aún cuando existen compañías en Puerto Rico que trabajan la técnica de la sublimación, EmProm es única, porque ofrece estampados personalizados por yardas, a gran escala. “La misión de la compañía es atraer a nuevos consumidores y que estén conscientes de que pueden producir en Puerto Rico cualquier longitud de tela sin tener que viajar fuera de la Isla”, aseguró.
Como para Joseph Da’Ponte la moda siempre debe ir acompañada del elemento filantrópico, se informó que la entrada a ‘In honor of Art’ será libre de costo y sólo se está solicitando a los asistentes que lleven juguetes y artículos escolares para niños de 0 a 12 años que serán donados a entidades sin fines de lucro dedicadas al cuidado de menores.
Como parte de su misión de ser el líder de belleza más inclusivo y contribuir a crear una sociedad en la que cualquier persona pueda vivir de forma segura, L’Oréal Caribe a través de su División de Productos Profesionales (PPD) presentó su programa Transformation, una iniciativa educativa que tiene el objetivo de crear una comunidad de salones donde una persona trans se sienta cómoda para cuidar su cabello.
El lanzamiento del innovador programa, que se desarrolló en alianza con True Self Foundation – la entidad líder en la Isla en la promoción del bienestar integral de las comunidades de diversidad en orientación sexual e identidad de género– se llevó a cabo el jueves pasado en el Día Internacional de la Visibilidad Transgénero, un evento anual que se celebra el 31 de marzo para reconocer a las personas trans y sus contribuciones a la sociedad, y crear conciencia sobre la discriminación que enfrentan.
Kristopher Fonseca, gerente de Educación de la División de Productos Profesionales de L’Oréal Caribe indicó que, “el currículo educativo de 30 horas consta de cinco talleres presenciales en el Centro Técnico de L’Oréal Caribe, los que se les ofrecerán a les participantes con diversos tópicos”. Entre los temas se incluye: introducción a la comunidad LGBT+ y mejores prácticas en la comunidad trans; temas de salud, enfocados en cómo el cambio hormonal impacta el cabello; tratamientos de cuidado y color del cabello; corte y estilo; y cuidado de la piel y maquillaje en alianza con marcas de L’Oréal tales como, NYX Professional Makeup, y otros educadores de marcas Profesionales, como Gabo Ortiz, de Redken; Zaid Xavier, de Kérastase y Ceidy Lee, de Redken.
“El ser humano está en el centro de todas nuestras iniciativas. Por lo tanto, nuestra visión de la belleza es profundamente humanista e incluye a todas y cada una de las personas individualmente. A través de este programa deseamos que las personas trans se sientan libres y confiadas en sus salones de belleza, que se les brinde un espacio seguro en el cual puedan trabajar su imagen y sobre todo reforzar su autoestima”, expresó Liana Camacho, directora de la División de Productos Profesionales de L’Oréal Caribe y líder del programa L’Oréal for the Future.
Camacho explicó que, como Grupo, L’Oréal está comprometido con lograr la igualdad de género en todos los niveles y funciones de la compañía, y a nivel local, apoya numerosos proyectos prácticos que tienen como objetivo sensibilizar a los empleados y promover la equidad en el lugar de trabajo.
“Al momento tenemos un grupo de 10 salones alrededor de todo Puerto Rico que estarán participando del programa. Además, como parte de la iniciativa contaremos con una página web en donde presentaremos diferentes recursos para las personas trans e información sobre True Self Foundation, Proyecto Euphoria y Translucent, una clínica especializada de Centro Ararat que apoya a la comunidad”, añadió Fonseca.
Como parte del proyecto Transformation, L’Oréal Caribe realizará un donativo de $15,000 al fondo de becas de la entidad True Self Foundation para les participantes interesades en cursar estudios en cosmetología en Century College con recintos en San Juan y Bayamón, el Instituto Educativo Premier en Ponce y Colegio Mayor de Tecnología en Arroyo.
“Agradecemos a L’Oréal Caribe su solidaridad con nuestras causas y la oportunidad de participar en el programa Transformation, una importante iniciativa que contribuirá a continuar empoderando a la comunidad trans a través de herramientas educativas”, manifestó el Dr. Miguel Vázquez Rivera, presidente de True Self Foundation.
Les salones de belleza interesades podrán solicitar información accediendo a https://www.lorealprofesionalpr.com/matrix/#estilistas
Inspirado en la naturaleza y en la morfología del papel, Paul Cocksedge Studio presentó Bourrasque at 30 Montaigne, la dirección icónica de Dior en París reinventada y diseñada por el renombrado arquitecto Peter Marino.
Bourrasque -que significa “ráfaga”- es una escultura de flujo libre que aprovecha la magia de la luz y la electricidad. Concebido para imitar páginas que han sido congeladas en una ráfaga de viento, la pieza baña de luz el entorno que la rodea.
La obra de arte suspendida es la última edición de una pieza que debutó en Lyon en 2011, actualizada con nuevas tecnologías innovadoras que permiten que la luz se flexione y se curve de forma orgánica.
“Hemos seguido el trabajo de House of Dior durante muchos años, inspirándose en la atención a detalles perceptibles en sus productos. Esta icónica Boutique fue el ambiente perfecto para instalar Bourrasque como una pieza permanente”, dice Paul. “Bourrasque es la representación del poder de nueva tecnología, creando un momento fugaz mágico. Este es un gesto sin esfuerzo pero detallado, capturando electricidad flotando en el aire.”
El diseñador británico ha pasado la última década construyendo una reputación de diseño innovador, respaldada por la investigación de los límites de la tecnología y los materiales. Su catálogo de trabajo abarca productos de diseño, proyectos arquitectónicos, instalaciones y esculturas, todos imbuidos del sentido de la sencillez, la alegría y la maravilla que ha llegado a caracterizar su trabajo.
Hace sesenta años, la suiza Edox deslumbró al mundo de la relojería con un “súper reloj” para buceadores: El Delfin.
A prueba de golpes, con un sistema patentado de doble junta tórica y caja reforzada resistente a la presión, Delfin puede sumergirse a unos 200 metros bajo las olas sin preocupaciones. El Delfin estableció un nuevo punto de referencia en relojes resistentes al agua y Edox fue elogiado como el “Campeón del agua” de la industria relojera suiza.
Ahora Edox honra ese legado con un reloj nuevo y espectacular: Delfin Mecano 60 Aniversario Edición Limitada. La nueva edición de aniversario no solo es más profunda que la original de 1961 (300 m de resistencia al agua esta tiempo) pero luce deslumbrantes mejoras técnicas y de diseño.
El rotor encarna un movimiento constante en perfecta armonía con el “motor” mecánico de precisión que alimenta el reloj. Ese ‘motor’ es el ultra confiable fabricado en Suiza Sellita Calibre 853, esqueletizado para que puedas vislumbrar la increíble destreza técnica y del acabado que va en cada reloj Edox.
Alrededor de la esfera hay un bisel de 12 lados, un diseño distintivo que Edox introdujo por primera vez en sus relojes en 1973. Cada lado del bisel representa incrementos de una hora. La caja del reloj está construida de acero inoxidable resistente, recubierto con PVD negro-gris para una hermosa sensación en la muñeca. En 43mm, esta edición limitada hace una declaración audaz cuando se usa y el fondo de caja transparente y totalmente atornillado (como la esfera, protegido por cristal de zafiro antirreflectante resistente a los arañazos) se suma al “factor sorpresa” del reloj.
Las orejetas móviles permiten al usuario ajustar el ajuste con precisión a sus propios gustos y con revestimiento SuperLuminova. las manos leyendo la hora con poca luz, o si estás debajo de las olas, es muy claro.
EDOX – DELFÍN
Presentada por primera vez en 1961, Delfin es una colección emblemática con un diseño icónico y un verdadero pionero del cronometraje. Fue el primer reloj en utilizar el sistema ‘Double O ring’ que, con un fondo de caja reforzado, le dio una resistencia al agua de 200 m. Hoy en día, esta increíble colección todavía se conoce como ’’The Water Champion’’ y sigue siendo la primera opción de los exploradores.
EDOX
Como el tiempo mismo, la relojería suiza Edox nunca se detiene. El fundador Ruefli-Flury fue impulsado por su corazón cuando, en 1884, hizo un reloj de bolsillo para el cumpleaños número 25 de su esposa Pauline. Encantada, ella lo convenció de montar su propia empresa. A lo largo de las décadas, Edox ha forjado una reputación como “El Campeón de la relojería acuática mundial”. Ruefli-Flury sin duda se sorprendería sobre cómo su legado ha florecido durante los últimos 135 años.
Edox. Una empresa moldeada en el tiempo. Una empresa que da forma al tiempo.
La ropa puede ser un método para expresar la personalidad individual. Entre los diversos estilos y tendencias, adoptamos prendas que nos describen indirectamente. Ya sea por comodidad, estética, funcionalidad o calidad, es indispensable tenerlos. Sin embargo, ¿Qué ocurre cuando ya no nos sirve una prenda o simplemente ya no la usamos y aún tiene función?
Puede sorprenderte saber que alrededor del 85% de los textiles desechados en los EE. UU. se arrojan a vertederos o se queman, incluidos los textiles sin usar y la ropa sin vender, según el artículo El desperdicio de la industria de la moda está contribuyendo drásticamente al cambio climático.
Tiendas de ropa de segunda mano como Segun Damanito, le dan una oportunidad de alargar la vida de piezas que aún tienen valor.
“Realmente la idea original del negocio no nació de querer ser sustentable, solo estaba enfocada en vender ropa de buena calidad y buen estilo, que para mi siempre ha sido la ropa vintage y de segunda mano. La visión principal siempre fue traer moda cool y única a la gente. Pero con el pasar del tiempo fui aprendiendo que también es sustentable comprar así y ahora es uno de los pilares de lo que hago”, expresó Kathia Sánchez, fundadora de la tienda virtual.
La empresaria y fashionista de 23 años, previamente acostumbraba obtener ropa de segunda mano y ahora vende las piezas que rescata a través de la plataforma de Instagram desde el 2019.
Con el tiempo comenzó a educarse sobre los efectos ambientales y los beneficios que tenía adquirir ropa usada y comenzó a implementar medidas sustentables en su negocio. La misma empaca los artículos en bolsas compostables y hasta evita imprimir cartas de agradecimiento , optando por enviarlas electrónicamente a sus clientes.
Por otro lado, Sánchez también transforma piezas de ropa usada, creando artículos nuevos y los vende en su otra página de instagram @shopdamanito. “Hago esas piezas simplemente porque entiendo que se ven súper trendy (de moda) y únicos porque son de piezas vintage y me da mucha alegría darle un hogar a esas camisas que, de no ser transformadas terminarían en la basura tristemente”, añadió. De esta manera, le proporciona otra vida a textiles que tal vez no estén en las condiciones de usarse como pieza original, pero si sirven para crear otra.
Escoger artículos de segunda mano es también una manera de deslindarse de apoyar empresas que devalúan la mano de obra en la confección de ciertos artículos y que no forman parte de comercios justos. Según la definición de la World Fair Trade Organization (WFTO), el comercio justo es: “Una relación comercial, basada en el diálogo, la transparencia y el respeto, que busca una mayor equidad en el comercio internacional. Contribuye al desarrollo sostenible ofreciendo mejores condiciones comerciales y asegurando los derechos de los productores y trabajadores marginados”.
A pesar de que las Naciones Unidas y la Organización Internacional del Trabajo reconocen los salarios justos y las condiciones de trabajo seguras como un derecho humano fundamental, las grandes corporaciones de moda a menudo explotan a los trabajadores, especialmente a los países subdesarrollados, como mano de obra barata. Esto es principalmente al crédito de la mentalidad de “moda rápida” (Fast Fashion) que predomina la industria.
“Piensa en los demás. Cuando vayas a comprar alguna pieza de ropa nueva piensa “¿Esto yo lo confeccionaría por este precio?” Y si piensas que no, no lo compres. Porque alguien si lo hizo por menos de ese precio y no es justo”, expresó Sánchez al respecto.
Existe ropa de segunda mano que es de excelente calidad y que puede durar mucho más de lo que dura una prenda de moda rápida. Les invitamos a considerar esta alternativa de moda o a aportar nuevas prendas a aquellas tiendas que compran la ropa para darle otra oportunidad.
Este año, Graham celebra el vigésimo aniversario del Chronofighter con el lanzamiento de una nueva versión de su popular modelo, el Vintage Aviator. El diseño de la esfera incluye una pequeña pantalla de segundos, colocada a las tres en punto y animada con un patrón de rayas. Este último motivo emula la apariencia de las franjas de advertencia de baja altitud que se encuentran en un altímetro dentro de la cabina de un avión.
Graham ha mirado repetidamente a los cielos en busca de inspiración. La visualización de la fecha, ubicada a las nueve en punto, reproduce una vez más la apariencia de una escala altimétrica. La indicación muestra simultáneamente la fecha de ayer, el día actual y mañana. Se ve diferente de una visualización de fecha normal, pero sigue siendo eminentemente inteligible. Una indicación de día se coloca junto a la fecha, clara e inequívoca.
Los devotos del Chronofighter pueden estar tranquilos, el disparador distintivo permanece, audaz y orgulloso. Si bien su diseño diferencia a este reloj de otros cronógrafos, también es intuitivo de usar. Cuando se usa un cronógrafo, el usuario observa el inicio de un evento, activa la función de cronómetro y, posteriormente, al final del evento, detiene el temporizador. El problema potencial es el factor humano, es decir, el lapso de tiempo entre ver un evento y presionar el gatillo. Cuanto más corto sea el intervalo entre la observación y la presión del gatillo, más validez tendrá realmente el tiempo transcurrido registrado. El pulgar es el dedo de acción más rápida, por lo tanto, con este diseño, una persona diestra colocará instintivamente su dedo más grueso en el gatillo y lo presionará con la rapidez del rayo.
Otro beneficio de colocar la corona y el gatillo combinados a la izquierda es que confiere una comodidad superior al usuario. A menudo, cuando se usa un reloj y el usuario flexiona la muñeca, las protuberancias en el flanco derecho de la caja perforan la muñeca, rozan la piel o inhiben el movimiento libre. El disparador del Chronofighter evita tales problemas.
Alojado en una caja de acero inoxidable de 44 mm, el Chronofighter Vintage Aviator tiene mucho en común con sus hermanos, aunque hay dos modelos de edición limitada que se desvían notablemente fuera de pista, explorando nuevos territorios. Estos relojes de edición limitada están vestidos con un inquietante DLC negro mate, que evidencia una apariencia discreta y sigilosa. Sin embargo, cada composición de la esfera atrae la atención del espectador con un detalle de esfera llamativo. Por ejemplo, un modelo combina los sensuales tonos negros de la caja con una esfera negra a juego. Estos tonos moderados actúan como una lámina para las manecillas rojas, los marcadores de hora y la pista de minutos de tonos vívidos. El resto de los elementos de la esfera están ejecutados en blanco, emergiendo de la oscuridad, volviendo a llamar la atención del espectador.
Al igual que otros relojes Graham, el Chronofighter Vintage Aviator está equipado con un movimiento automático suizo, que ofrece precisión y fiabilidad.
Con el Chronofighter Vintage Aviator, está listo para despegar. Apriete el gatillo y descubra la diferencia que confiere la propiedad de Graham.
Todos los modelos están disponibles en todo el mundo en todos los minoristas autorizados de Graham o en graham1695.com
El Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas de Puerto Rico (CAAPPR) celebró en días recientes un panel bajo el título “Arquitectura, Moda y Diseño”, en el que se abordó el tema del diseño visto desde diferentes perspectivas. La actividad, que contó con un amplio apoyo del público y se realizó en colaboración con la Fundación por la Arquitectura, permitió a los participantes presentar su marca y hablar de sus diversas trayectorias y proyectos al incursionar en el mundo del diseño desde su preparación académica en arquitectura o administración de empresas, impactando de manera positiva a la comunidad desde sus diseños y productos.
El panel estuvo compuesto por la Arq. Estefanía Alejandro Silva, recién licenciada y parte de la firma Álvarez Díaz & Villalón; los arquitectos en entrenamiento Carla Santos, propietaria de KMX Puerto Rico & La Dolce Vita, ubicada en el Mall of San Juan; Marcia Budet, diseñadora de joyería, Olvin Reyes, diseñador de cocinas, y Mario Alberghini, propietario de Shop La Tigre. Mientras que, Aymar Abreu, dueña de Chroma Local Design Shop, sirvió como moderadora en esta interesante discusión sobre el diseño visto desde diferentes entornos.
El conversatorio comenzó con la participación de Marcia Budet, egresada de la Universidad de Puerto Rico y con una maestría en Arquitectura de la Escuela Graduada de Diseño de la Universidad de Pensilvania, quien contó su desarrollo en el mundo de la joyería al crear su propia empresa bajo su nombre. Seleccionada como una de las 30 mejores diseñadoras emergentes de la ciudad de Nueva York, para Marcia el éxito está en “escuchar al cliente, pero también en defender el diseño”, en el cual el color constituye una parte impactante, así como que la pieza resulte cómoda al ser usada por el cliente
Por su parte, la Arq. Estefanía Alejandro Silva, quien es parte de la firma Álvarez-Díaz & Villalón, contó su experiencia al poder trabajar en diversas tipologías de proyectos como diseños de tiendas, desarrollo residencial, proyectos institucionales y otros. Destacó sobre todo la importancia de poder entender las necesidades del cliente respondiendo con diseños certeros que se acomoden a las mismas en un espacio limitado de tiempo. Como parte de su intervención, compartió con el público cómo logró concluir un proyecto de diseño de interiores de un centro comercial “high-end” en Dubái, que debía estar concluido en apenas ocho meses y cómo tuvo que adaptar el mismo a las exigencias del cliente en cuanto a iluminación, distribución del espacio y mobiliario partiendo de una perspectiva cultural.
La Arq. Ent. Carla Santos, graduada de la Universidad Politécnica, habló de cómo en plena pandemia se atrevió a lanzarse en julio del 2019 a fundar su propio negocio comercial en el Mall of San Juan dirigido al interiorismo ofreciendo accesorios y piezas conversación para el hogar con La Dolce Vita, Concept Store. También es dueña de la primera franquicia de calzado londinense, Kat Maconie. Para Carla, “cada pieza de diseño tiene un significado y una historia que contar, la cual es importante que el comprador aprenda a apreciar.” Y agregó, que “debemos darnos cuenta del poder que tiene el diseño para cambiar las cosas de manera positiva”.
Para Mario Alberghini, fundador de la tienda de ropa de caballero La Tigre, una boutique de moda clásica y artesanal desde la cual presenta su propia visión del diseño: una arraigada en la cultura del progreso, el humanismo y la dignidad en cada etapa del consumo de la moda, la proyección personal e individual del diseño. Con una maestría en administración de empresas para marcas de lujo de la Universidad de Bolina, en Italia, Mario, quien espera que Puerto Rico sea reconocido por el estilo de su clase profesional, opinó que “la moda debe contarnos sobre el progreso y la proyección del individuo, su visión de esta y cómo la encasillamos dentro del momento histórico.”
Creador de Formato Diseño, Olvin Reyes es graduado de arquitectura de la Universidad Politécnica de Puerto Rico. Además de profesor, desde su empresa se dedica al desarrollo de diseños funcionales de cocina, asistiendo a sus clientes desde la conceptualización de una idea hasta el diseño y ejecución de la construcción, así como la entrega e instalación del mobiliario que importa en exclusiva desde Italia y Alemania. Olvin opina, que “con el diseño hay que atreverse a tomar rutas no tradicionales, pero también en el negocio debemos enfocarnos en los detalles, planificar, saber manejar el tiempo y buscar soluciones a los problemas.”
Los participantes coincidieron en la necesidad de revisar los currículos de las Escuelas de Arquitectura del país, con el fin de proveerle a sus egresados clases de mercadeo, finanzas y publicidad, que los ayuden a entrar en el mundo laboral.
Para información adicional, puede acceder a: caappr.org. También puede llamar al Colegio en horario de oficina al (787) 724- 1213 o escribir a info@caappr.org.
