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Agente 007 subasta sus autos en Christie’s

Los autos de riesgo Defender, Range Rover y Jaguar de No Time To Die se encuentran entre los lotes que se subastan para conmemorar los 60 años de las películas de James Bond.

Se ofrecerán dos Defender y un Range Rover Sport SVR, encabezados por un Defender 110 (estimado: £ 300,000-£ 500,000) famoso por sus escenas de acrobacias todo terreno en No Time To Die. Su venta beneficiará a la Cruz Roja Británica. El lote de la subasta tiene el VIN (número de identificación del vehículo) único 007. Uno de los 10 Defenders usados ​​durante la filmación, también se usó en actividades promocionales antes del estreno de la película.

Defender 110 V8 Bond Edition – Imagen Suministrada

Un Defender 110 V8 Bond Edition, creado por SV Bespoke e inspirado en la especificación de los Defenders en No Time To Die, también se subasta (estimado: £200,000-£300,000). Solo 300 ediciones Bond estaban disponibles en todo el mundo y esta versión tiene un logotipo único de ’60 años de Bond’ grabado en la tapa del extremo del panel de instrumentos. Este vehículo tiene especificaciones del Reino Unido, es totalmente legal para circular en carretera y se venderá en beneficio de la organización benéfica de conservación Tusk.

El auto de acrobacias Range Rover Sport SVR (estimado: £ 80,000-£ 120,000) también protagonizó una persecución todo terreno de alta velocidad Sin tiempo para morir y fue uno de los seis suministrados para la filmación.

Jaguar XF – Imagen Suministrada

Elegido por el equipo de especialistas de No Time To Die como el coche de persecución perfecto, un Jaguar XF (estimado: £50,000 – £70,000) es uno de los dos que aparecieron en la secuencia previa a los créditos de la película. Persiguieron a James Bond (Daniel Craig) y Madeleine Swann (Léa Seydoux) a través de las estrechas y serpenteantes calles de Matera, en el sur de Italia.

Nick Collins, Director Ejecutivo de Programas de Vehículos de Jaguar Land Rover, dijo: “Defender, Range Rover y Jaguar estaban en el centro de la acción en Sin tiempo para morir. Cada automóvil representa una pieza única de la historia de James Bond que estamos seguros de que los coleccionistas querrán poseer y estamos encantados de poder apoyar a nuestros socios benéficos a través de su venta. Con una demanda tan alta del Defender V8 Bond Edition, también esperamos que esta versión única especial con el logotipo de los 60 años de Bond atraiga a un comprador interesado”.

La venta benéfica oficial de dos partes, Sixty Years of James Bond, presenta 60 lotes en total. La venta en línea estará abierta para licitación desde el 15 de septiembre hasta el Día de James Bond el 5 de octubre y presentará 35 lotes que abarcan las veinticinco películas con carteles, accesorios, disfraces, recuerdos y experiencias. Los autos acrobáticos Defender, Range Rover y Jaguar se encuentran entre los 25 lotes en la subasta en vivo que realizarán Christie’s y EON Productions en Londres el 28 de septiembre solo por invitación. Los fanáticos y coleccionistas de todo el mundo podrán ofertar en línea utilizando Christie’s LiveTM.

Primer modelo crossover totalmente eléctrico de MINI

La marca británica presenta el MINI Concept Aceman, un primer adelanto del nuevo diseño de su futura generación de modelos. En este concept car podemos ver innovaciones tecnológicas y basadas en el diseño de MINI que perfilan el placer de conducir típico de la marca del futuro. Llama la atención el primer modelo crossover de MINI para el segmento de coches pequeños premium, con propulsión puramente eléctrica, un lenguaje de diseño claro y sobrio que se ha denominado “simplicidad carismática”, una nueva experiencia digital del espacio interior y un concepto de materiales que no utiliza absolutamente nada. cuero o cromo.

En la próxima generación de modelos, al MINI Cooper con la icónica forma de carrocería de tres puertas, que ha sido reinterpretada una y otra vez a lo largo de sus más de 60 años de historia, se unirá por primera vez un modelo crossover. “El MINI Concept Aceman ofrece una visión inicial de un vehículo completamente nuevo, cerrando el espacio entre el MINI Cooper y el MINI Countryman en el futuro de la familia de modelos”, dice Stefanie Wurst, directora de la marca MINI. “Este prototipo refleja cómo MINI se está reinventando para su futuro completamente eléctrico y lo que representa la marca: una sensación de kart electrificado, una experiencia digital inmersiva y un fuerte enfoque en una huella ambiental mínima”.

El comienzo de una nueva era de diseño MINI.

“El lenguaje de diseño del MINI Concept Aceman anuncia el comienzo de una nueva era de diseño para MINI”, explica Adrian van Hooydonk, Director de Diseño de BMW Group. Las características de diseño típicas de la marca MINI siempre han sido inconfundibles, continúa diciendo Hooydonk. “Estamos volviendo a estos ahora, pero al mismo tiempo combinándolos consistentemente con tecnología innovadora”. Con este enfoque, estamos rediseñando los íconos del diseño MINI, con todas sus fortalezas analógicas, para el futuro digital.

Junto con el diseño exterior e interior claro y reducido, la experiencia holística del usuario de la luz, el movimiento, la interacción y el sonido también se combinan para definir este estilo. Las superficies construidas con tejido reciclado con contrastes de colores frescos se combinan con controles digitales continuos con una nueva pantalla OLED como interfaz central. Todo esto crea una experiencia interior única que sigue siendo inconfundiblemente MINI. Los modelos totalmente eléctricos de la próxima generación también cuentan con un diseño de sonido independiente por primera vez, lo que brinda sonidos de manejo emocionalmente convincentes y un fondo auténtico para los nuevos modos de experiencia.

Interior de MINI Concept Aceman – Suministrada

El MINI Concept Aceman se presentará públicamente por primera vez en el evento de juegos más grande del mundo, gamescom 2022, en Colonia. El evento comienza la tarde del 23 de agosto de 2022, con el gran espectáculo inaugural de la gamescom, Opening Night Live. Este evento se puede experimentar en el sitio de eventos de gamescom, así como desde cualquier parte del mundo a través de una transmisión en vivo.

Lee más sobre Mini: MINI celebra éxitos de mujeres fuertes con la Edición Pat Moss.
MINI Concept Aceman – Suministrada

Del 24 al 28 de agosto de 2022, los fanáticos de los juegos se reunirán en Koelnmesse de Colonia, Alemania para experimentar juegos y ofertas de varios desarrolladores y editores, así como un extenso programa marco que abarca muchas áreas de gamescom (como juegos indie y retro o cosplay). El programa gamescom también se puede acceder en línea hasta finales de septiembre.

 

Restaurante en Beijing provoca nostalgia con un diseño moderno

Poetry Wine (traducción de Pinyin: Shijiu), el nombre de este restaurante, significa retomar el sabor de los viejos tiempos. Cuando pensamos en el sabor antiguo, los ciudadanos de Beijing pueden recordar el sabor del hogar donde pasaron su infancia, con chimenea, techo con goteras, luz del sol, hojas, silueta…

Sentado en una zona tranquila de la bulliciosa Solana, Poetry Wine ofrece platos de Beijing con un toque moderno, esconde el sabor del viejo Beijing en las delicias preparadas por los cocineros, recogiendo toda la curiosidad olvidada y despertando todos los sentidos oxidados.

Esta vez, el diseñador Liu Daohua reconstruyó el edificio una vez más, lo deconstruyó con la técnica del arquitecto Kerry Hill y finalmente construyó el nuevo Poetry Wine en la orilla del lago de Solana.

Imagen Suministrada

Desde la perspectiva de la estética oriental, las personas tienden a buscar la armonía sin uniformidad en el diseño. La fachada exterior de Poetry Wine se cubre con hormigón visto, que es sobrio e indiferente. Con el uso de la luz, la forma y la textura del edificio se pueden ver de un vistazo, exudando el aura avanzada del diseño pionero sin dejar rastro.

Se elige el rojo como color principal para las ventanas de la fachada exterior, liberando calidez en la luz de la noche, y rememorando nuestros recuerdos del hogar de la infancia.

Luz y oscuridad, virtualidad y realidad, cambiando como la respiración. Mirando desde diferentes comedores, o cenando en diferentes momentos, el paisaje y las circunstancias son todos diferentes.

Todo el restaurante está lleno de elementos ricos, tradicionales y sencillos. El esmalte de color rojo y brillante similar a la Ciudad Prohibida hace que el espacio sea más parecido a Beijing y atractivo.

Para estimular la vitalidad del espacio y volver a la vida tradicional y vibrante, se eligieron ventanas de piso a techo para el restaurante, que traen el paisaje del parque al interior, difuminando el límite entre el restaurante y el entorno natural.

En cuanto al área de la barra central, el diseñador adopta ladrillos de vidrio y pintura de textura artística. El estilo y las características fuertes, donde la aspereza y la exquisitez se entrelazan, aportadas por materiales especiales, dotan al espacio de ricas posibilidades.

Los dos tipos de materiales presentan una interesante virtualidad y realidad cuando se exponen a la luz natural durante el día, y los ladrillos vidriados arrojan una luz cálida y tranquila desde el interior durante la noche.

Como dice el refrán, no puede haber construcción sin destrucción. El diseñador reconstruyó parte de la estructura y diseñó diferentes capas en el gran espacio.

En cuanto al segundo piso, se aprovechó la cubierta inclinada del propio edificio para diseñar varias salas privadas al estilo de los patios chinos, y diseñamos mesas de té y chimeneas, con la esperanza de presentar recuerdos del pasado y el sabor del hogar en un manera moderna.

La planta baja es el área de apreciación del arte, que tiene un diseño simple y está adornada con obras de arte, pareciendo una galería de arte.
En cuanto a la escalera, se adopta una escalera de caracol de metal, que sube en espiral, cambiando el escenario paso a paso y conectando con el primer piso.

La escalera está pintada con una especie de color cobre con textura y adornada con obras de arte, pareciendo una escultura estética. Al igual que otros artículos en el restaurante, está lleno de textura, haciendo que el espacio se llene de tensión.

La actitud hacia la comida que tiene Poetry Wine está profundamente arraigada en el temperamento único y perdurable de Beijing, con un encanto oriental inherente y formas y significados ilimitados.

Lo mismo ocurre con el diseño del espacio, que es asimétrico y combina elementos chinos y occidentales, lo que hace que cada momento de la cena sea tan extraordinario y refleja fielmente la tendencia espacial del catering moderno de unidad de concepción gastronómica y artística.

Conoce más sobre LDh Design en ldhdesign.cn

Fundación le dice “¡Wepa!” al reciclaje artístico

Mural en Juana Díaz en colaboración con con Vital Market, diseñado por el artista Ferdinand G.Rosario

El arte incide en el cambio. Estas fueron las palabras que usó Vanessa Pérez Pacheco sobre su proyecto para impactar a cada municipio con murales de arte, creados con tapas plásticas. 

La tejana-mexicana, ahora residente en Puerto Rico, comenzó la organización sin fines de lucro Fundación Wepa, en el 2021 para fomentar la conservación ambiental en la isla.

“Puerto Rico tiene bien accesible toda la capacidad para ser un país sustentable comparado con otros países, por lo tanto  no deberíamos dar nuestros recursos  por sentado y valorar lo que se nos ha dado”, expresó la presidenta Pérez Pacheco.

Cuando la fundadora comenzó a residir en Borinquen, vivió en Juana Díaz en el barrio Guayabal, donde su casa quedaba frente al lago. “Mientras residimos en la casa del lago nos percatamos de los escombros que flotaban en la orilla diariamente. Se convirtieron en una tarea diaria para nosotros y eso me hizo pensar en cómo llegaron esos escombros al lago, pero tenía claro de que venían de los ríos”, contó. 

Playa La Plata en Dorado – Imagen Suministrada

Por otro lado, observó como se acumulaba una montaña de escombros en la cancha recreativa de la comunidad. Describió sentirse “incrédula” ante la falta de comunicación de los residentes con el municipio sobre la contaminación que los rodeaba.

“Sentí que tenía que hablar sobre este asunto porque mi hijo  de ocho años iba a jugar baloncesto ahí”, dijo Pérez Pacheco al respecto. 

Es por eso que ahora, la organización rige su misión y visión en las 3 R’s verdes: Reducir, Reusar y Reciclar, siendo la primera la más importante. 

“La reducción debería ser nuestra principal prioridad porque cuando practicamos la primera R, reducimos los gases de efecto invernadero y desempeñamos un papel importante en ayudar a disminuir residuos en los vertederos de Puerto Rico”, explicó. 

En segundo lugar, “Trabajamos el arte para demostrar los efectos de la segunda R,el reuso. Queremos mostrarle a las comunidades que la reutilización puede ser divertida y creativa”, dijo Pérez Pacheco. La meta de la organización es unir a las comunidades para recolectar tapas de plástico  y cumplir con su misión de impactar a los 78 municipios con un mural que represente al pueblo. 

El pasado 21 de abril, día de la tierra, presentaron su primer mural en Juana Díaz. El mismo fue posible gracias a la colaboración de el negocio local Vital Market y el diseño por Artista Ferdinand G. Rosario, propietario del taller Arte Gallina De Palo.

El mural consta de la imagen de los tres reyes magos ilustrados con tapas plásticas de colores y diferentes tamaños. Esto es porque el pueblo se reconoce como uno de los más antiguos y primeros en celebrar el día de reyes. 

Próximamente estarán trabajando en murales para pueblos como Manatí, Río Grande, San Juan, Humacao y  Cabo Rojo. 

Por último, el reciclaje como tercera opción para reducir la producción de plásticos, es algo que promueve la organización a través de infografías informativas en las redes sociales.  Actualmente en Puerto Rico solo se recicla el plástico tipo 1 y tipo 2, minimizando las posibilidades de desviar esos desechos de los vertederos. No obstante, Pérez Pacheco opina que las comunidades están tomando otras medidas sustentables cada día más y pueden tener un impacto positivo. 

“A lo mejor las personas quieren llevar sus productos reusables pero creo que muchos aún tienen vergüenza. No debían tener vergüenza. Deberían pensar que son un ejemplo y que quieren demostrar que son el cambio”, concluyó.

La Fundación Wepa acepta tapas plásticas de todos tamaños, colores y tipo de plástico para crear sus murales de arte. Para más información visite sus redes sociales como @fundacion.wepa en Instagram y @fundacionwepa en Facebook. También puede escribir un correo electrónico a fundacionwepa@gmail.com 

 

Transforman terraza de museo en un espacio comunitario programable

Con el propósito de servir como un espacio programable abierto para la comunidad de Chapel Hill y el Museo de Arte Ackland, The Urban Conga creó pARC ubicado en la Universidad de Carolina del Norte. El estudio diseñó la intervención espacial a través de una serie de talleres de diseño participativos con partes interesadas de la comunidad y representantes del museo.

El color magenta actúa como un trozo de cinta que crece desde el suelo y guía a las personas hacia la terraza y el museo. – Foto por Tom Waldenberg

The Urban Conga es un estudio de diseño multidisciplinario galardonado internacionalmente con sede en Brooklyn, Nueva York, que comprende un grupo diverso de creativos enfocados en estimular la actividad social y la interacción comunitaria a través del juego abierto.

Conoce sobre otros proyectos por de Urban Conga en: Arte interactivo inicia conversación sobre el aumento del nivel del mar
Un grupo de estudiantes utiliza el espacio como un lugar para pasar el rato y almorzar. – Foto por Tom Waldenberg

Los comentarios, las aportaciones de la comunidad y los representantes del museo condujeron al diseño final del espacio, así como a las aportaciones sobre la futura programación pública. El Museo de Arte Ackland es un museo gratuito en Chapel Hill que alberga un excedente de programación diversa dentro de sus puertas, pero parecía que muchos miembros de la comunidad desconocían el museo y lo que tenía para ofrecer.

Una actuación espontánea de sombras se lleva a cabo en la terraza por miembros de la conferencia de Jane Austen. – Foto por Tom Waldenberg

pARC fue diseñado para sentarse en la terraza abierta del museo, sirviendo como un puente para conectarlo a la calle como una extensión programable de las conversaciones, eventos, enseñanzas y otra programación que existe actualmente dentro de las puertas de Ackland. El diseño muestra cómo el juego puede utilizarse como una herramienta en la democratización de las instituciones artísticas, eliminando efectivamente el arte del pedestal para permitir que las personas se apropien del trabajo y el espacio. Invita a la gente de la calle al museo, atrayendo a personas que antes se sentían incómodas al ingresar al espacio. La instalación se convierte en una plataforma comunal transformadora, que permite a todos los usuarios interactuar con el museo, la universidad y entre ellos de nuevas maneras.

El Museo de Arte de Ackland alberga una serie de lecturas de libros en el espacio como un componente de la programación inicial dentro del espacio. – Foto por Tom Waldenberg

pARC se convierte en un hito transformador para todo tipo de juegos, desde los físicos hasta los de fantasía, y destaca cómo se puede utilizar el juego como una herramienta fundamental para evocar espacios comunitarios más inclusivos y equitativos.

Conoce más sobre la instalación en ackland.org 

Matteo Nunziati habla sobre la nueva colección en Bonaldo: Nelson

Bonaldo, una empresa con sede en la región de Veneto que interpreta el diseño italiano en todo el mundo, conoce las habilidades de diseño de Matteo Nunziati, uno de los arquitectos y diseñadores más influyentes a nivel internacional.

Studio Nunziati es conocido por el diseño de hoteles de lujo, centros de bienestar, spas pero también proyectos residenciales. Famoso por haber realizado, entre otras proyectos, las Trump Towers en Pune y el penthouse del Bosco Verticale en Milán, Nunziati colabora con importantes empresas en el sector del diseño. Entre ellas, su nueva colaboración con Bonaldo, presentada al público internacional durante la última edición del Salone del Mobile en Milán.

Matteo Nunziati – Imagen Suministrada

La empresa veneciana ha identificado en Matteo Nunziati a la persona que podría seguir desarrollando el concepto de B/Style , con el que Bonaldo propone colecciones coordinadas caracterizadas por un único lenguaje estilístico general, resultado de la conexión entre los productos individuales y los entornos de los que forman parte. Esta colaboración dio origen a la colección Nelson, toda una gama de productos para el área de dormir. Descubramos juntos la nueva colaboración entre Bonaldo y Matteo Nunziati en palabras de los propios diseñadores.

¿Cuál fue el proceso de diseño detrás de la colección que creaste para Bonaldo?

Creo que la tarea de un diseñador es crear una relación con la fabricación de la empresa e interpretar con eficacia su propia esencia, potenciando sus puntos fuertes y peculiares características. En el caso de Bonaldo, que es una empresa de referencia en el sector del diseño y tiene una gran historia, fue un proceso fascinante. Antes de comenzar a trabajar en esta colección, visité la empresa: el informe de diseño fue muy claro desde el principio, por lo tanto, tenía todos los elementos para crear productos innovadores, diseñados para el Bonaldo del futuro.  El proceso de producción estuvo muy bien organizado. Al final, el resultado reflejó a la perfección el ocurrencia.

Bonaldo, Nelson – Imagen Suministrada

¿De dónde viene la inspiración para la nueva colección Nelson?

Siempre busco nuevas inspiraciones para desarrollar mi proyectos, tanto de interiorismo como de producto. En el caso de Bonaldo, la colección Nelson se inspira en la modernidad movimiento. En particular, estudié el trabajo del diseñador americano George Nelson como punto de partida para esta colección para la zona de noche: por tanto, estética sencilla para un colección basada en la máxima funcionalidad.

Bonaldo, Nelson – Imagen Suministrada

En tu opinión, ¿cuál es la dirección futura del diseño?

Creo que el diseño italiano se está moviendo hacia la creación de ambientes completos. en lugar del desarrollo de productos individuales. Espacios refinados y definidos en cada detalle, donde el bienestar, la belleza y la funcionalidad permitan a las personas tener una mejor calidad de vida. En general, creo que el diseño aporta belleza a las rutinas diarias de nuestras vidas. Existe un gran interés por el diseño porque sentimos la necesidad de estar rodeados de objetos que no sean sólo útil, pero también hermosos, que despierten las emociones más profundas. El objetivo del diseñador es crear objetos que no solo sean funcionales y comerciales sino que también sean capaces de captar nuestra atención. Personalmente creo que diseño significa sencillez, proporción, equilibrio entre las partes, atención a los detalles.

Bonaldo, Nelson Vanity – Imagen Suministrada

¿Cómo describiría su nueva colección para Bonaldo?

Las líneas de la colección Nelson son esenciales, con formas y proporciones equilibradas. Cada elemento transmite, aunque con un rigor y actualidad lenguaje, un cuidado extremo en su elaboración y una cuidadosa selección de materiales como madera, metal elementos, telas y espejos.

Bonaldo, Nelson Vanity – Imagen Suministrada

¿Cuál es su filosofía de diseño para Bonaldo?

Un diseño contemporáneo que, gracias a su rigor, calidad y pureza, consigue pasar más allá de modas y estilos, convirtiéndose en un lenguaje personal y muy reconocible. Me gustaría que, en el futuro, todos los espacios amueblados con artículos de Bonaldo puedan ser reconocidos inmediatamente sin necesidad de leer el nombre de la marca. La clave para interpretar la nueva colección de Bonaldo reside precisamente en esta última afirmación de Matteo Nunziati: una empresa que crea ambientes, más allá del producto y la oferta únicos elementos de decoración capaces de definir un espacio y apto para todos los espacios de la casa, desde la sala de estar, al comedor y al área de dormir.

Conoce más sobre el arquitecto en MatteoNunzitati.com y sobre Bonaldo en bonaldo.com.

Arte sublimado en telas de material reciclado

Obras de arte de pintores puertorriqueños como José Campeche, Francisco Oller, Lorenzo Homar, Arnaldo Roche, Antonio Martorell y Ramón Frade, estarán plasmadas en piezas de vestir confeccionadas en Puerto Rico por el diseñador de moda Joseph Da’Ponte, en su próximo desfile.

“Lo que queremos con este evento es exaltar la industria textil local y mostrar telas de calidad que se elaboran con material reciclado de botellas de plástico y que son desarrolladas en Puerto Rico por la microempresa EmProm Sublimación de Textiles“, precisó el también productor de eventos con preparación en arte teatral, lingüística y comunicaciones.

Joseph Da’Ponte – Imagen Suministrada

Joseph Da’Ponte resaltó lo significativo que ha sido para él tener una empresa local de sublimación de textiles “porque me ofrece una versatilidad increíble y la oportunidad de producir en yardas la cantidad de tela que necesito y mejor aún con diseños personalizados sin tener que viajar fuera para conseguirlas”.

Será el próximo 2 de julio a las 6:30pm uno de los salones del Capitolio de Puerto Rico para presenciar la nueva colección de moda otoño/invierno 2022 de Joseph Da’Ponte, In honor of Art, inspirada en piezas icónicas de la historia del arte.

Da’Ponte prometió llevar su experiencia y espíritu innovador a prendas de vestir hilvanadas en textiles ecoamigables que muestran piezas clásicas de pintores internacionales como La Piedad y la Capilla Sixtina, de Miguel Angel; La Última Cena y La Mona Lisa de Leonardo da Vinci; Noche Estrellada de Vincent van Gogh, El grito de Edvard Munch; el Sueño de Cristobal Colón de Salvador Dalí y Las Meninas de Diego Velázquez, entre muchas obras de reconocidos artistas plásticos.

Imagen Suministrada

“Quiero demostrar cuánto talento tenemos en la Isla en el quehacer de la moda, con esta empresa podemos regresar a la época de oro. Si hacemos una retrospectiva, la industria textil local se ha destacado siempre. En 1870 se fabricaban telas en la Isla y según documentos históricos, eran una de las mejores y se exportaban a Inglaterra, Francia, España e incluso Alemania”, sostuvo.

Por su parte, Mariana Vázquez, gerente de la empresa netamente puertorriqueña líder en sublimación de textiles, precisó que EmProm, inaugurada hace más de un año a pesar de los obstáculos que ha enfrentado para levantarse en medio de la pandemia, hace la diferencia por su compromiso con el medioambiente, ya que es casi que incalculable la cantidad de botellas de plástico que contaminan los cuerpos de agua y nuestras telas se realizan con el reuso y el reciclaje de esas botellas plásticas.

“Puedo decir con orgullo que el equipo humano de EmProm ya tiene las herramientas para ofrecer un paquete completo que incluye arte, diseño, costura, y además, pensando en la protección del ambiente, porque ayudamos a reducir las botellas plásticas, las reciclamos y las convertirlas en telas”, recalcó.

“Es una oportunidad increíble poder ver el nombre de EmProm en una de las colecciones de Joseph y, estamos seguros que será una alianza que perdurará”, dijo Vázquez, al mencionar que en el desfile, EmProm no sólo trabajó en la sublimación de telas sino también de alfombras, cojines y otros accesorios que se usarán en el evento.

Además, indicó que aún cuando existen compañías en Puerto Rico que trabajan la técnica de la sublimación, EmProm es única, porque ofrece estampados personalizados por yardas, a gran escala. “La misión de la compañía es atraer a nuevos consumidores y que estén conscientes de que pueden producir en Puerto Rico cualquier longitud de tela sin tener que viajar fuera de la Isla”, aseguró.

Como para Joseph Da’Ponte la moda siempre debe ir acompañada del elemento filantrópico, se informó que la entrada a ‘In honor of Art’ será libre de costo y sólo se está solicitando a los asistentes que lleven juguetes y artículos escolares para niños de 0 a 12 años que serán donados a entidades sin fines de lucro dedicadas al cuidado de menores. 

Ruta espontánea hacia el diseño industrial

Sin conocer mucho sobre la disciplina, Elena Cabiya Font entró al mundo del diseño industrial casi dirigida por el destino; una carrera que cambiaría su rol artístico y daría paso a su primera colección.

“Desde pequeña siempre he sido aficionada con el arte”, dijo la cialeña, Cabiya Font, en entrevista con 90 Grados. Durante su infancia exploró distintas destrezas como la pintura, escultura e inclusive costura.

Disenadora Industrial Elena Cabiya Font – Imagen Suministrada

De manera autodidacta aprendió a arreglar y crear piezas, y en ese tiempo nació su interés por el Diseño de Modas. Originalmente era la carrera soñada de Cabiya Font pero, a la hora de decidir su línea de estudios, optó por Arquitectura tras ser aceptada en la Universidad Politécnica. No obstante, aunque disfrutó de su primer año estudiando la disciplina, le despertó un interés por otro ángulo de diseño.

Para su clase de Historia de la Arquitectura, tuvo como tarea crear un mobiliario que representara la historia arquitectónica. Al presentar su pieza al jurado, uno de sus miembros, que era diseñador industrial, destacó la pieza y le dio una retroalimentación positiva. Esto hizo cuestionar a la estudiante y decidió orientarse sobre la carrera en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño (EAPD).



Elena no solo escogió el diseño, sin duda el diseño reciprocó y la escogió a ella. Cabiya Font se lanzó ante la oportunidad de cambiar de concentración y comenzó el año subsiguiente en EAPD. En esa institución, nació la pieza que inspiró la colección actual de la -recién graduada- diseñadora industrial.

“A mi me gusta, como diseñadora, inspirarme en el entorno cultural puertorriqueño y de lo que veo alrededor”, dijo Cabiya Font. Ese fue el caso durante una de sus clases en la que tuvo que elegir un material para resaltar en un mobiliario de su creación.

Mesa GAIA – Fotos por Adriana Vázquez Acevedo

“El terrazo lo veía desde pequeña en casa de mi abuela donde el piso estaba cubierto de él”, dijo sobre el material que escogió. Se inspiró en la naturaleza para la selección de la forma y optó por un triángulo curvo, o Triángulo de Reuleaux. Con la idea, creó una mesa de tres patas en acero y una base de concreto que enmarca las piezas de terrazo asimétricamente como un mosaico. La diseñadora enmarcó lo tradicional otorgándole un giro moderno y original.


Inspirado en la mesa, nació la primera colección de Diseños ELENA, titulada GAIA. La misma cuenta con objetos como espejos, ceniceros, portadores de incienso, porta vasos y mesas. Además, también incluye prendas como pantallas y anillos en el mismo material y en la forma GAIA.

Colección GAIA – Fotos por Adriana Vázquez Acevedo

La diseñadora ha participado de ferias artesanales como el Arqui Bazar dirigido por la Fundación por la Arquitectura y tiene piezas disponibles en instituciones locales. Entre ellas, sus piezas se encuentran en el Museo de Arte y Diseño de Miramar (MADMi), Cordillera Concept Store en Orocovis y en el coffee shop Isla Made.

Su éxito le ha confirmado a Cabiya su pasión por el diseño y cada vez más crecen sus metas y ambiciones. Entre ellas, aspira seguir implementando medidas sostenibles en el proceso de diseño y distribución.


Cabiya reconoce los efectos de la industria en el cambio climático, y está comprometida a minimizar su impacto mediante el uso de materiales menos dañinos y procesos sustentables. “A mi me gusta que mis procesos sean ecofriendly desde el proceso hasta los materiales que uso”, destacó. Es por eso que reutiliza todo material de sobra e inclusive conserva las piezas fallidas para romperlas y darles otro uso. También, utiliza acabados en base de agua, en vez de aceite para evitar esa contaminación.

“Mi mayor meta como diseñadora es tener un impacto con lo que haga”, expresó Cabiya. La diseñadora está determinada a maximizar su carrera para aportar a la solución de problemas de una manera ingeniosa y útil. Por esta razón, confirmó que seguirá explorando otras técnicas y buscando métodos eco conscientes para seguir creciendo dentro de la industria.

“El arte es resolver problemas que no pueden ser formulados antes de ser resueltos. Formar la pregunta es parte de la respuesta”, -Piet Hein.

Para más información sobre Diseños ELENA, puede visitar la página web www.disenos-elenapr.com y su instagram como @di.elenapr





Cayo Caribe encuentra su arrecife de coral en nuevo concepto estético

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Tras repetir el mismo patrón de diseño desde el 2015, la cadena de restaurantes Cayo Caribe decidió darle la oportunidad a un cambio de imagen, en la que la artista Verónica González trajo la vida marina a la ciudad. 

“Under the sea”, fueron las palabras que usó la propietaria de V Studio, para describir el nuevo ambiente del restaurante ubicado en Galería San Patricio. La cadena, que cuenta con un total de 6 locales en Puerto Rico, siempre ha presentado los mismos elementos de madera oscura, soga, mallas de pesca y alusión a la vida marina. 


Cuando los propietarios convocaron a Verónica González para que creara un nuevo concepto, la artista no abandonó los elementos anteriores pero, le otorgó un giro diferente.

Columna con losas de la colección Wide & Style Mini de ABK Group. Disponible en The Tile Shop Puerto Rico – Foto por Valeria Falcón

El punto de partida para la creación de la estética, fue un papel tapiz, o wallpaper, de peces en tonos corales , azules y verdes que implementó el estudio creativo en la pared del medio del local. El mismo es uno que, según González “nunca lo vas a poner en tu casa pero, para eso funciona el lugar comercial” El tapiz fue la inspiración para escoger los colores y materiales como la tradicional madera y soga, pero integrando otros colores, losas, piedras y mucho más. 

Según la Real Academia Española, se conoce como cayo a “cada una de las islas rasas, arenosas, frecuentemente anegadizas y cubiertas en gran parte de mangle, muy comunes en el mar de las Antillas y en el golfo mexicano” que a menudo suelen formarse sobre arrecifes de corales.  El trabajo que realizó V Studio en el restaurante, permitió descubrir el arrecife de coral de Cayo Caribe en el medio de la ciudad. Precisamente la elección de materiales e implementación, aluden al vibrante ecosistema marino.

Verónica González junto a la Barra de Cayo Caribe ubicado en Galería San Patricio – Foto por Valeria Falcón

Entre las aplicaciones más inusuales, V Studio integró otro wallpaper azul con un diseño marmoleado en el techo de la barra. “Yo nunca he entendido por qué los techos siempre son blancos por default’’, dijo González, aclarando que es una costumbre que ella no practica a la hora de crear nuevos espacios. El mismo alude al movimiento y color del mar y es reflejado igualmente en la barra cubierta por material epóxico en el mismo color y patrón similar.

Recubrimiento de la colección Mood por Apavisa en color Green Natural. Disponible en The Tile Shop Puerto Rico – Foto por Valeria Falcón

Otra de las cosas que distingue el espacio es el uso de mobiliarios diferentes en cada espacio, otorgando una personalidad única, pero cohesiva, a cada sección del restaurante. En total cuenta con 9 diferentes tipos de sillas, 7 tipos de mesas, 2 tipos de taburetes, 10 tipos de lámparas, 4 tapiz mural y varias losas. 

González opina que la variedad le da la oportunidad a los clientes de escoger en dónde les gustaría sentarse y experimentar los diferentes nichos dentro del mismo lugar. 

Cava en Cayo Caribe de Galería San Patricio remodelada por V Studio – Foto por Valeria Falcón

Aunque Verónica dirigió el proyecto de remodelación, no pudo haberlo hecho sin la asistencia de Adryana Gómez y Alaniz Vélez. Las futuras arquitectas, que estudian en la Universidad Politécnica en Hato Rey, expresaron su satisfacción de trabajar por primera vez en un restaurante. 

“A mi me encantó hacer la parte de la pérgola, que creo que es la parte principal”, dijo Vélez y añadió que uno de los retos fue combinar los materiales.“ Tuvimos muchas losas distintas y una variedad de colores. De esa parte aprendí mucho porque fue algo fuera de lo usual”, dijo. 

Por su parte, Gómez expresó que “además de la selección de materiales, fue interesante formar parte del proceso y tomar decisiones. Al estar en medio de lo que está pasando ahí puedes ver el fruto de lo que estás diseñando”. 

Stephanie López, editora de 90 Grados, y Verónica González hablan sobre la selección de materiales para Cayo Caribe en Galería San Patricio- Foto por Valeria Falcón

Sobre el posible impacto que pudiera tener en la cadena de restaurantes, González piensa que “puede aumentar la clientela simplemente por tener un espacio más agradable y lujoso”. El servicio y oferta culinaria de Cayo Caribe seguirá siendo la misma, pero con una estética ambiental nueva por explorar. 

Para más información sobre V Studio puede visitar su página web vdesignstudiopr.com y su instagram como @vstudiopr. Cayo Caribe en Galería San Patricio ya está abierto al público de 11 a.m. a 10 p.m. de domingo a jueves y de 11a.m. a 11 p.m. de viernes a sábado.  

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Nuevas oportunidades académicas de diseño en Sagrado Corazón

Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko) - Foto por Valeria Falcón

La Escuela de Artes, Diseño e Industrias Creativas de la Universidad del Sagrado Corazón comenzará el próximo semestre, en agosto 2022,  con una nueva oferta académica en bachilleratos de diseño.

La escuela recién inagurada en enero, ahora contará con bachilleratos en  Diseño Gráfico, Diseño Industrial y Diseño y Gerencia de Modas. La líder académica de diseño y cultura visual, Aurorisa Mateo Rodríguez diseñó el currículo, asegurando que cumplan con las herramientas necesarias y siguiendo las tendencias actuales. 

Conoce sobre la escuela en: Nueva escuela en Sagrado fomenta la dignificación de las carreras artísticas

“En los tres programas de diseño que abren ahora en agosto tenemos el concepto de sostenibilidad presente”, dijo Mateo Rodríguez. En el caso del diseño industrial el programa enfatizará en la creación de productos duraderos y reparables, para contrarrestar el desecho de materiales y disminuir el impacto ambiental. 

Bachillerato en Artes en Diseño Industrial – Imagen Suministrada

“En un momento cuando estuve trabajando el programa de diseño industrial pensé en el tema de lo reparable. No hacer productos puede resultar contradictorio”, dijo sobre el proceso de estructurar el bachillerato. Sin embargo, reconoció que “no solamente es hacer menos producto, sino que ese producto sea de calidad óptima” para crear una relación con el cliente. 

Diseño de modas – Imagen Suministrada

Por otro lado, en el programa de Diseño y Gerencia de Modas se evitará fomentar la moda rápida o “Fast fashion”.  Según un artículo de The Good Trade, la moda rápida “es un método de diseño, fabricación y comercialización centrado en la producción rápida de grandes volúmenes de ropa. La producción de prendas de moda rápida aprovecha la replicación de tendencias y los materiales de baja calidad (como telas sintéticas) para llevar estilos económicos al consumidor final”. 

A cambio, el programa se enfocará en visibilizar la opción de crear piezas de buena calidad, duraderas, y con materiales rescatados o reutilizados. 

Además, el currículum es el único en Puerto Rico, que además del diseño, abarca destrezas de gerencia en la que los estudiantes aprenderán a abastecer materiales y manejar el ciclo completo de producción hasta llegar al mercado final. 

Bachillerato en Artes en Diseño Gráfico – Imagen Suministrada

Mateo Rodríguez, ha trabajado en otras ocasiones en programas de diseño de otras universidades y aseguró que Sagrado contará con las herramientas necesarias para, no solo aprender y trabajar en sus piezas, sino de presentarlas. 

La escuela contará con un simulador en el que los estudiantes podrán exhibir sus piezas y a menudo contará con eventos especiales para atraer inversionistas reales.

Esto lo contó mientras dialogaba con la revista en el Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko). Precisamente en este espacio de la universidad, los estudiantes pueden desarrollar sus ideas creativas y  de emprendimiento. Una de las áreas que lo permite es el Fab Lab, un “ centro de exploración enfocado en descubrir materiales y tecnologías emergentes que puedan ser aplicadas en el mundo de las artes, el diseño y el empresarismo”, según destacan en su página web

El espacio cuenta con máquinas especializadas que permiten crear prototipos de alta calidad, además de un equipo de trabajo compuesto por diseñadores comprometidos a educar y orientar a la comunidad estudiantil o externa sobre materiales, tecnologías y métodos de fabricación innovadores.

Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko) – Foto por Valeria Falcón

Aunque en un principio el espacio estaba dirigido a los estudiantes de Administración de Empresas, actualmente está disponible para que lo aproveche toda la comunidad universitaria. 

La matrícula para agosto en la Universidad del Sagrado Corazón ya está abierta, y actualmente hay estudiantes matriculados en los nuevos programas de diseño, siendo el de Diseño y Gerencia de Modas el más exitoso al momento de publicar esta nota. Conoce más sobre la oferta académica en Sagrado.edu 

 

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