Liga de Arte de San Juan - Page 2

El mural público titulado “Oruga Cromada”, una obra monumental del reconocido artista puertorriqueño Bikismo, se integra de forma permanente al paisaje de la Avenida Ponce de León en Oasis Santurce. Esta pieza no solo añade una propuesta de alto calibre visual al entorno, sino que fortalece sólidamente el posicionamiento de Santurce como uno de los principales corredores de arte contemporáneo y revitalización urbana en la isla.

La pieza fue presentada por la empresa Abarca Health junto al alcalde de San Juan, Miguel A. Romero Lugo, durante un evento que reunió al ecosistema empresarial, cultural y comunitario de la zona, destacando el rol del arte público como motor de cambio. El mural, de aproximadamente 80 pies de ancho por 40 pies de alto, fue realizado principalmente en la técnica de aerosol durante cerca de 45 días de trabajo continuo. La propuesta visual muestra una oruga con el característico efecto cromado de Bikismo, logrando de forma magistral que la superficie refleje de manera directa los alrededores del barrio e integre activamente a Santurce dentro de la propia obra.

“Estamos aquí para inaugurar un mural y no cualquier mural. Pero más importante estamos para inaugurar lo que representa, porque para Abarca, el arte no es decoración, el arte es una declaración. El Oasis Art Program existe porque creemos que la salud no es solo una clínica, la salud también es la humanidad, es conexión, es expresión, es alegría, es pertenencia, y por eso comisionamos 12 murales en nuestras escaleras. Para que todos los días mientras la gente se mueve en nuestro edificio, esté rodeada de creatividad puertorriqueña”, explica Jason Borschow, CEO de Abarca Health, sobre la visión que impulsa este proyecto de humanización de espacios y conexión con la ciudad.

Como parte de este manifiesto de integración cultural, el mural se suma de manera orgánica al Oasis Art Program, una iniciativa curada por “Contrabando” que expande la visión de Oasis Santurce más allá de una sede corporativa tradicional. Concebido desde sus inicios como un campus urbano abierto e intencional, el edificio fue diseñado para romper con lo convencional a través de líneas curvas, luz natural y espacios que fomentan el movimiento y la colaboración fluida.

El corazón de esta narrativa arquitectónica y cultural cobra vida en sus paredes; la organización convocó a un total de 15 artistas locales para transformar la infraestructura con murales originales, logrando que cada piso vibre con una energía distinta moldeada por manos puertorriqueñas. De este modo, la propuesta no intenta fundar un movimiento aislado, sino continuar de forma respetuosa la rica tradición pictórica de un vecindario cuyas calles siempre han sabido hablar.

Entre los creativos que dan vida a este coro visual y diálogo evolutivo entre salud, arte e identidad en pleno Santurce se encuentran Louis Pérez con su pieza “El Lobby”; Javier Cintrón presentando “El Balcón”; Vero Rivera con “Calma Vibrante”; y Héctor “Ekosaurio” Soto con “El AOC”. El recorrido visual continúa con Sergio Vázquez y su mural “El Gazebo”; Juan Ramón Gutiérrez, artísticamente conocido como The Stencil Network, a cargo de “El Townhall”; Tania “Petupetín” González con “La Matrix”; y Bianca Sofía Montoya, conocida como Unusual Girls, con “La Marquesina”. Completan esta robusta muestra el Colectivo Moriviví a cargo de “El Rincón”; Ostomatic con “El Cortadito”; Andrés Cortés presentando “El Cerebro”; e Ivia con la pieza “La Nube”.

Por su estratégica ubicación frente a la Avenida Ponce de León, la “Oruga Cromada” permanece completamente accesible al público, transformándose en un nuevo punto de referencia visual obligatorio.

Para explorar más detalles sobre esta y otras piezas del circuito, puede visitar el portal oficial en www.oasissanturce.com

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) se complace en invitar al público a la apertura de TERRITORIO SIN SOMBRAS, una nueva exposición individual del artista y diseñador industrial Pablo Santiago Romera. La muestra estará ubicada en el Arsenal de la Marina Española y abrirá sus puertas el jueves, 14 de agosto, a partir de las 6:00 p.m. Esta muestra forma parte del calendario del Programa de Artes Plásticas del ICP, estará abierta al público de forma gratuita hasta el 10 de octubre de este año.

En “Territorio sin sombras”, Santiago Romera presenta una colección de esculturas y lienzos que rescatan lo descartado y lo transforman en un potente manifiesto sobre la realidad sociopolítica de Puerto Rico. Bajo la curaduría de la artista y gestora cultural Norma Vila Rivero, la exposición integra una selección de obras de sus últimas dos muestras individuales, “Los huesos al sol” (2019) y “De paisajes e interiores distópicos” (2024), con una serie de piezas recientes que profundizan en su investigación material.

Rechazando la preciosidad, el artista trabaja con hormigón, hierro, acero oxidado, restos industriales, tela, hueso, foam y madera. Su obra se convierte en un objeto de silenciosa rebeldía que difumina la línea entre la escultura, la pintura y lo doméstico. La oxidación del acero, utilizada como pigmento en sus lienzos y esculturas, se erige como una metáfora del estancamiento económico, la corrupción y la falta de mantenimiento de la infraestructura del país.

La directora interina del Programa de Artes Plásticas del ICP, Carmen Torres, resaltó que “Con su obra reciente, nos presenta una mirada fresca a nuestro entorno, una nueva experiencia, donde, a mi entender, nos cuenta un poco del presente en que vivimos desde una perspectiva diferente. Las obras que componen esta muestra, nos causaron la sensación de entrar a un espacio en ruinas, roto, pero a la vez, hermoso.”

Desde sus inicios, Santiago Romera ha demostrado una fascinación por la materia y sus posibilidades expresivas. Su formación, iniciada en el taller de su madre, la ceramista Pilar Romera, le inculcó no solo el dominio técnico del barro, sino también una profunda reverencia por el proceso creativo y la transformación de los elementos. Esta base se complementa con estudios en la Liga de Arte de San Juan y la tutela de maestros ceramistas de la talla de Cristina Córdova y Bernardo Hogan. Sin embargo, su visión artística va más allá de dominar la técnica de un arte u oficio; su bachillerato en Administración de Empresas de la Universidad de Puerto Rico le ha dotado de una estructura mental que le permite abordar el arte con una disciplina y organización que se reflejan en la coherencia y la fuerza de su trabajo.

“Territorio sin sombra es una culminación y una progresión. Es un espacio donde las narrativas de las exposiciones anteriores se entrelazan con las nuevas exploraciones, creando un diálogo continuo sobre la relación del ser humano con su entorno construido y natural. La obra de Santiago Romera nos obliga a confrontar la realidad de nuestros paisajes urbanos, la precariedad de nuestra existencia en ellos, y la resiliencia inherente a la condición puertorriqueña. Su capacidad para transformar materiales “sin preciosismo” en objetos de profunda reflexión estética y política es un testimonio de su genio.”, comentó Norma Vila en su ensayo curatorial.

La Liga de Arte de San Juan invita al público a la apertura de la exposición “El Mal: una realidad violenta para el lenguaje de un pincel” de la artista del dibujo, la pintura y el grabado, Amanda Carmona Bosch, que tendrá lugar el jueves, 23 de enero de 2025 a las 7:00 de la noche en la Galería Delta de Picó ubicada en la propia sede de la institución en el Viejo San Juan.

Desde sus principios en las artes plásticas, Carmona Bosch ha manifestado en sus obras una preocupación genuina y constante por los males del mundo, por lo que ha querido utilizar su arte para promover que el público espectador cree conciencia y reflexione sobre estas penurias.

Esta exposición evidencia esa necesidad siempre presente en el germen creativo de la artista de alarmar reflexivamente sobre el mal que ha arropado a la humanidad, pues la mayoría de las obras expuestas fueron creadas durante los años ’80 y ’90. A pesar de la aparente lejanía de las fechas de creación de piezas en óleo sobre lino como “Venta de Esclavos, tragedia africana” (1980); “Guerra Civil, la gran traición” (1980); “Wall Street, crimen organizado” (1983); “Violación, otra barbarie contra mujeres y niñas” (1983); “War Lords, maldad institucionalizada” (1982); “Genocidio, aniquilación humana y cultural” (1982); y “Refugiada” (1993), esta exhibición no es menos pertinente en 2025.

Al contrario, como sugiere Rubén Alejandro Moreira en el ensayo en el opúsculo de la exposición, “presentar obras de décadas pasadas deja ver que la maldad sigue ahí y que tenemos que cuestionarla, atajarla, con el fin de erradicarla”. De hecho, “El Mal: una realidad violenta para el lenguaje de un pincel” “nos confronta en un momento histórico en el que la paz se torna más difícil por un pulseo de potencias, frente a tres años de guerra en Ucrania y genocidios en Gaza y Darfur”, opina Moreira.

Esta exposición, establece Moreira, es “un conjunto poderoso de pinturas, dibujos y grabados que nos alarma reflexivamente sobre las guerras persistentes y quien las causa, sobre la violencia mantenida de un modo sistemático a nivel planetario y los efectos nefastos que padecemos los conglomerados humanos”.

Para lograr esta reflexión, en estas obras, la artista hace uso de los colores, los trazos y las técnicas de figuración para representar injusticia, maldad, violencia, desesperanza y deshumanización.

En palabras de Amanda Carmona Bosch, “esta exposición es un grito de denuncia contra la guerra, su codicia, corrupción, saqueo, odio y crueldad. Se trata de un tema que me ha perturbado toda la vida. La bondad existe, pero las violencias del mal siempre resurgen una y otra vez. ¿Por qué? ¿Dónde quedan el aprendizaje, los pasados acuerdos de convivencia y el respeto a los derechos humanos?”.

Para Marilú Carrasquillo, directora ejecutiva de la Liga de Arte de San Juan, es un honor acoger en la institución la primera de cinco exposiciones de Amanda Carmona, que en conjunto armarán una retrospectiva sobre aquellos temas que han definido la obra de la artista. Además, para la Liga de Arte es un privilegio presentar una exhibición de Carmona Bosch, artista puertorriqueña con gran trascendencia, pues sus obras han viajado por Austria, España, República Dominicana, México y Estados Unidos, y han sido reconocidas con premios internacionales.

Las pinturas y dibujos de Carmona Bosch nunca son livianos, ni visual ni temáticamente. Como aseguran las palabras de Moreira en el ensayo del programa, mediante la reflexión urgente, “la artista hace una invitación a la paz”.

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Biografía de Amanda Carmona Bosch

Amanda Carmona Bosch (Puerto Rico,1956) comenzó su educación en arte a los once años. Como universitaria, estudió bajo la tutela de la Maestra Luisa Géigel Brunet en la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Rio Piedras. Luego de culminar su bachillerato en Humanidades con concentración en Bellas Artes, en 1977 se trasladó a Italia a estudiar las colecciones de los museos y, finalmente, a Austria, tras obtener una beca del Instituto de Cultura Puertorriqueña. Desde entonces, ha desarrollado y exhibido su obra en Austria, España, República Dominicana, México, Puerto Rico y Estados Unidos, donde completó una maestría en 1998, recibiendo también la invitación a diferentes residencias artísticas. A lo largo de su carrera, Carmona Bosch ha recibido numerosas distinciones, entre ellas el Premio Nacional al Mérito en 1994 y el premio de la AICA a la mejor exposición individual por su trabajo en Rojo Profundo del 2003. La producción artística de Carmona Bosch laa trabaja en series, centrándose en la exploración de la abstracción, arraigada al dibujo intuitivo, a través de técnicas tradicionales. Su obra formula una reflexión constante sobre las huellas dejadas por las experiencias vividas. Al margen de circuitos y lejos de tendencias y academia, su trabajo ha sido exhibido y reconocido desde diferentes esferas institucionales, consolidándose como una voz propia en el arte puertorriqueño.

La Liga de Arte es una institución educativa sin fines de lucro comprometida con la enseñanza de las artes plásticas y el apoyo a los artistas del país desde 1968. Está ubicada en la calle Doctor Francisco Rufino de Goenaga, frente a la Plaza del Quinto Centenario, en el Viejo San Juan. El horario de servicio es: martes y miércoles, de 8:30 a. m. a 9:00 p. m., y de jueves a sábado, de 8:30 p. m. a 5:00 p. m. Para más información sobre las visitas a la exposición, puede comunicarse al (787) 725-5453 o visitar la página web de la Liga, ligadeartesj.org. También puede visitar las redes sociales, @ligadearte en Facebook e Instagram.

CONTACTOS:

Marilú Carrasquillo | [email protected]

Gabriela Ortiz Díaz | [email protected]

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) anunció la restauración del conjunto escultórico AËDES, que forma parte del registro de arte público de la Colección Nacional bajo su custodia. La serie de esculturas en el expreso 22 de Arecibo, creadas por el arquitecto y artista Imel Sierra Cabrera en el 2004, formó parte del proyecto de restauración con fondos de indemnización otorgados por FEMA, debido al embate del huracán María.

“Este proyecto de restauración culmina un esfuerzo que nuestra agencia ha estado liderando desde 2017. La política pública orientada a preservar y educar sobre las artes, así como a asegurar la asignación de estos fondos, se ha implementado de manera constante y en cumplimiento con los plazos establecidos. Los resultados de estos proyectos a largo plazo reafirman nuestro compromiso con la colección de arte que legamos al país para el disfrute de esta y futuras generaciones,” manifestó el director ejecutivo del ICP, Carlos Ruiz.

La asignación para esta iniciativa de restauración a gran escala, incluida bajo la obligación PW-10895, tenía un presupuesto total de $664,863.30 y se designó exclusivamente para los trabajos de restauración de 77 objetos de la Colección Nacional del ICP. Los mencionados objetos y obras de arte están ubicados en distintas localidades y municipios alrededor de la isla, entre ellos el Museo Casa Blanca y el Museo de las Américas, ambos en el Viejo San Juan, y el Museo Casa Cautiño en Guayama. El proyecto fue fuente de empleo directa para cuatro conservadores puertorriqueños y sus asistentes de taller. Esta es una de las pocas obras de arte público que pertenecen a la colección del ICP.

Por su parte, la directora del programa de Artes Plásticas del ICP, María del Mar Caragol expresó que “Nos complace haber colaborado con un equipo de registradores, conservadores, artistas y otros profesionales para lograr la restauración de estos 77 objetos, siendo AËDES el proyecto de mayor complejidad. Es misión del Instituto ejecutar la política pública para la preservación, difusión y educación sobre nuestro patrimonio, y la culminación de este proyecto representa un logro significativo que fortalece nuestro compromiso de servicio al país y al gremio artístico.”

Según el artista, AËDES es una obra que alude a una nube de mosquitos, que le recordaba cuando de niño transitaba por el área de Arecibo, y que ya no es visible. El artista reflexiona sobre el paisaje y los mosquitos en un humedal versus los avances de la tecnología y construcciones que lo separan. Con la serie de figuras alargadas y aladas que se observan desde los automóviles que transitan el área, el artista buscaba crear la sensación de una nube transparente delineada por los cuerpos cubiertos en mallas agujereadas de color tierra que contrastan sutilmente contra el firmamento.

El proyecto de restauración de AËDES tomó cerca de 11 meses desde su contratación y preproducción, hasta su entrega, en septiembre de 2024. El costo total de restauración fue de $566,205.32, el cuál incluía la compra e importación del acero del que está hecha cada una de las estructuras que componen el conjunto de esculturas. Parte de los retos que enfrentó este proyecto fue el trabajar en un humedal debajo de un puente, que presentó desafíos para lograr el movimiento de la materia prima y la ejecución de las labores de soldadura ante las lluvias copiosas durante la temporada de huracanes.

Este conjunto de esculturas está compuesto por 10 estructuras de acero inoxidable, cuya parte superior estaba cubierta con una chapa de acero, perforada y oxidada. Debido al paso del huracán María estas estructuras sufrieron daños considerables que se veían claramente en los huecos de sus planchas, y daños en las soldaduras de unión de las patas y el cuerpo. Adicional al trabajo de soldadura en estas esculturas de gran escala, el artista sembró árboles nativos en el humedal, cumpliendo así con los requisitos del Departamento de Recursos Naturales.

Para más información sobre este y otros proyectos puede seguir las redes sociales del ICP en Facebook, Instagram y X.

La Liga de Arte de San Juan invita al público a la exposición del distinguido pintor sanjuanero Andrés M. “Andy” Bueso Martínez, que estará en exhibición desde el 10 de octubre hasta el 29 de noviembre, 2024, en el espacio Betsy Padín, ubicado en la propia sede de la institución en el Viejo San Juan. Todas las obras expuestas, realizadas en su mayoría en la década de 1980, estarán a la venta a beneficio de la Liga de Arte.

“Nos enorgullece presentar una selección de 13 obras de Andy Bueso, un artista puertorriqueño cuyo legado en el arte contemporáneo es innegable. Esta colección abarca una variedad de técnicas como pintura, medio mixto, aguafuertes y serigrafías. La muestra refleja la profunda conexión que tuvo el artista con la cultura y la identidad puertorriqueña y caribeña”, expresó la directora ejecutiva de la Liga de Arte de San Juan, Marilú Carrasquillo.

Como evidencia de esa variedad de técnicas que exploró Bueso, algunas de las piezas que las personas podrán apreciar son “Camino de lotos” (acrílico aguado sobre papel; 1988), “Ofrenda de nuestra tierra” (pintura; 1986), “Tres Reyes Magos” (aguafuerte; 1989) y “Mango del Caribe” (serigrafía; 1987).

Andy Bueso falleció en el 2000, dejando un legado significativo en el panorama artístico puertorriqueño. Además de una diversidad de técnicas, el artista exploró en su obra temas distintos, los cuales evocaban la simbología mágica del Caribe, la influencia del jazz, y una profunda reflexión sobre la identidad cultural a través de la desnudez y la negritud mulata. También, se adentró en conceptos abstractos como las figuras cristológicas y el cálculo del ajedrez, fusionando lo espiritual con lo contemporáneo.

Además de artista, Bueso fue promotor del arte en Puerto Rico. En ese aspecto, fungió como miembro fundador y consultor de la Fundación Alfonso Arana y como profesor de la Academia de Arte Bueso, inaugurada por su padre, el también artista Andrés Bueso Sanllehi, en conjunto con la Universidad Interamericana y en otras instituciones.

En esta exposición se presentan, también, tres obras de la autoría de su padre, quien fuera uno de los precursores del “finger painting” en Puerto Rico en la década de 1940.

La muestra “Ofrendas de nuestra tierra” “no solo celebra la diversidad de técnicas, temáticas y estilos que Andy Bueso abordó en su obra, sino que, además, invita a quien la observe a sumergirse en un diálogo visual que resuena con la rica herencia cultural del Caribe. Acompáñenos en este viaje a través de la creatividad y la imaginación de un excelente exponente del arte puertorriqueño”, finalizó Marilú Carrasquillo.

Biografía de Andrés M. “Andy” Bueso Martínez

Nació en San Juan, Puerto Rico el 9 de diciembre de 1950. Su formación académica es notable: obtuvo un bachillerato en Artes en la Universidad de Puerto Rico en 1976 y una maestría en el Pratt Institute de Brooklyn en 1981. A lo largo de su trayectoria, recibió múltiples distinciones, incluyendo el Primer Premio Arte Joven de Puerto Rico en 1972; una Mención de Honor en el Premio Internacional de Arte Contemporáneo de Montecarlo en 1990; un Doctorado Honoris Causa de la Academia Internacional de Arte Contemporáneo en Bruselas, Bélgica en 1992. Además, fue seleccionado para el Who’s Who in International Art de Suiza en 1999. Su obra se ha exhibido en más de una decena de exposiciones individuales y otras tantas colectivas en y fuera de Puerto Rico. https://www.mapr.org/es/museo/proa/artista/bueso-andy

La exposición “AUTORA: Muestra de obras inspiradas en la figura materna de artistas invitadxs” en el Centro Cultural Carmen Solá de Pereira es una exploración polifónica donde la maternidad y su representación se vuelven epicentro de un diálogo artístico y cultural. Curada por Sonia Milagros Méndez Cintrón en colaboración con Ana Iris Torres Torres, presidenta del Centro Cultural, esta muestra colectiva aglutina a artistas de distintas partes del archipiélago puertorriqueño, cada uno abordando la temática maternal desde ángulos mediáticos y conceptuales diversos.

La elección del título AUTORA es intencional y de múltiples significados, implicando no solo la autoría en el sentido artístico, sino también aludiendo a la creación en su máxima expresión: la figura materna y sus múltiples manifestaciones. Como señaló Gaston Bachelard, “la reverberación del espacio creativo se encuentra en el interior mismo de la maternidad” (La Poética del Espacio, 1958), una idea que resuena en la disposición y diseño de la exhibición. Los trabajos presentados dialogan con la figura materna no solo como origen de vida, sino como fuente de inspiración inagotable y moldeadora de visiones artísticas.

La entrada a la exposición es magnética y protagonizada por la obra Madregesta de Juan Crespo De León, una imponente escultura de madera, inaugura la muestra con una presencia protagónica. Crespo De León utiliza la textura y el material orgánico del tronco para esculpir no solo una figura, sino también un concepto de maternidad arraigado en lo terrenal y lo etéreo, haciendo eco a la idea de madre tierra, una constante en diversas culturas y representaciones. Crespo De León exhibe en Madregesta su pleno dominio técnico emanando del material una figura que nos sobrecoge de emociones y sentimientos por su sublimidad.

Justo a la izquierda de la entrada de la sala, la curadora emplaza una secuencia de tres obras que inicia un con una pieza ancla Grosellas de Gloriann Sacha Antonetti y Juan Pablo Vizcaino la cual celebra la maternidad desde una perspectiva más íntima y personalizada. Este altar es un homenaje a las madres biológicas y a aquellas que nos acogen simbólicamente, enfocándose en la hermandad y la conexión afectiva que trasciende la consanguinidad. La obra, cargada de simbolismo frutal y texturas orgánicas, invoca la sensualidad y la nutrición, elementos esenciales de la maternidad.

Esta secuencia es complementada por dos obras, Retrato de la semilla de Josefina de Andrés Octavo y La Matriarca de Rafael Enrique Vega, que exploran representacionalmente la intimidad de la relación maternal en medios distintos como la instalación y la pintura en acrílico respectivamente. La instalación de Octavo manifesta por un lado la acumulación de memorias a través de las imágenes fotográficas y objetos símbolos y muebles que ornamentan y embellecen la cotidianidad y la propagación de una herencia maternal que se propaga de generación a generación. Mientras que Rafael Enrique nos presenta la mirada intima, amorosa y tierna de su abuela materna; su amada Guela, Elisa Rivera Quiñones queda emblematizada entre ornamentos y patrones que enmarcan su rostro. Esta secuencia integra una la pieza Mi Legado de Lourdes Soto, una obra en repujado en metal, representado un árbol humanizado anatómicamente haciéndose raíces mientras se erige dramáticamente en el firmamento.

En contraste directo con estas representaciones ancestrales, naturales y familiares, encontramos una secuencia poderosa de obras que representan otras realidades, allí donde el sufrimiento físico, psicológico y social de la gestión maternal se palpa a lo largo de todo el ciclo biológico humano. Ellas También de Rachel Smith Sepúlveda, un memorial dedicado a las madres palestinas. Esta instalación utiliza la materialidad de tela y pedrería para narrar historias de violencia, resistencia y esperanza. La presencia de una bandera Palestina ensangrentada y flotante habla de las madres como pilares en tiempos de crisis y guerra, articulando una solidaridad global con las madres que luchan y resisten en circunstancias extremas.

Esta temática se complementa con las obras de Noche de la Fertilidad de Tato Gonzalez y Torso con Mariposas de Omar Ortiz. González nos presenta a las transformaciones corporales de la maternidad a través de una pintura en acrílico sobre cartón que de manera cinemática narra los cambios anatómicos que experimenta el cuerpo de la mujer. Por otro lado, el escultor Omar Ortíz nos presenta un torso esculpido en madera con mariposas en acero inoxidable que tocan el cuerpo provocando el tránsito sensorial entre estimulaciones de placer y contracciones de dolor de parto.

La secuencia en sala nos lleva a un segmento de obras que nos muestran conceptos vinculados a las sensibilidades y acercamientos a instancias maternales en un espectro cultural diverso. De una parte, las obras Iré y Osogbo, y Cristina Canta de Bárbara Pérez. La primera nos presenta una pintura en acrílico con la figura maternal de la mujer con hije en brazo y machete en mano navegando en una vasija ajardinada un mar de olas con un cielo de espirales ocres iluminados por el imponente Sol.   En contraste de estilo y en un giro monocromático, Bárbara nos presenta una obra en lino grabado sobre cuero sintético de pandero una obra sinesticial por lo que tanto la materialidad como la figura representan.  El diálogo entre estas dos obras es audible en una frecuencia cultural que suena a cueros y barriles a los que Bárbara nos expone con su disciplina y compromiso en nuestro pulso ancestral.

Esta secuencia se complementa por las obras La oscuridad nace de la luz y Esperanza de Ángel Rivera y Ana Emannuelli respectivamente. Estas dos obras nos revelan intimidades y caricias, ternuras de la maternidad en un antes y después.

Esta secuencia se completa de manera especial con las obras de Recuerdo 1, Recuerdo 2, Flores para mi Madre #1 y Flores para mi Madre #2 de Maria Vicenty; cuatro obras que nos llevan a prestar atención al habitar en detalles. Desde el encuentro de objetos en nuestro tránsito por el paisaje, rescatando y sanando, componiendo desde la asociación de materiales y geometrías, y resignificando con metáforas naturales para deconstruir la percepción ordinaria.  La proximidad de estas piezas es acertada en su localización en sala complementándose  y aflorando la intencionalidad narrativa curatorial del colectivo diverso al que nos invita Méndez Cintrón.

De aquí partimos a un segmento donde la figura materna se nos presenta entre luchas, sacrificios y resistencia con las obras de Jean “Baco” Ortíz y Ramón López.  4to Infarto, Último Retrato y Primera Noche es una secuencia cinemática, un recorrido de sentimientos y emociones a través de su topografía cotidiana de sus vivencias y experiencias con la maternidad en un periodo reciente de su vida. El “Baco” en esta tres piezas es un Baco sintonizado con la fibra familiar que lo sostiene y que lo inspira. Este tríptico de encuadres diversos realizados con acrílico y carboncillo sobre canvas, presentan un potente amarillo terrosos que ilumina la sala con calidez hogareña, cohabitando la paternidad como narrativa complementaria y dualidad existencial.

Ramon López cierra este segmento de la sala con diversidad exploratoria de medios, temáticas y puntos de vista que reflejan su amplia paleta plástica. Madre con pupitre y bodegón, La Lucha (Damary vs. La Junta), Contando cuentas son tres óleo sobre tela de narrativas con las que cohabita el artista entretiempos y que nos comunica con lenguajes referenciales a las voces de quien nos habla en sus obras. La obra Maternidad de Violeta Guzmán, un acrílico sobre lienzo, intersecta esta secuencia con una estampa contemplativa de la ternura maternal.

Al fondo de la sala nos encontramos con La Aparición de Atabey de Ali Francis García, obra que crea un espacio de reflexión cosmológica y cultural. Este altar multimediático, que ocupa y transforma el espacio de manera diagonal, evoca la divinidad materna de Atabey, enlazando la herencia taína con una representación más amplia y transnacional caribeña de la maternidad y la naturaleza. García nos invita a considerar a la madre como un ente de fuerza cosmogónica, integrando a la vez el activismo y la memoria colectiva del Caribe.

Al giro de La Aparición de Atabey, nos encontramos con Libertadoras y Los tatuajes de una madre de los artistas Malcom Ferrer y  Virgen Torres Lizardi respectivamente. Malcom Ferrer, una obra de obligada y detenida mirada a la fuerza luchadora de las mujeres afrodescendientes cargadas con una magia cromática de luna costera caribeña. A pasos de esta nos acercamos a Destellos de Alegría y Reflexión, dos instantes de la magistralidad del dibujo del artista José Bernabet en esta ocasión en carboncillo sobre papel llena la sala de dos miradas de humanidad y esperanza. Y es precisamente sobre este sentimiento que Ángeles Badea representa en Abrazando la Esperanza, una obra en acrílico sobre tela de potente composición integrando y redimensionando la tradición de la presencia equina con el abrazo de una mujer en un paisaje de intensos verdes donde se entrelazan pieles, cabellos y telas fluidamente.

Cada una de estas anclas, junto a las obras de otros artistas participantes, teje una red de narrativas que transforman la sala en un cosmos de experiencias maternales, reflejando la diversidad y la riqueza de interpretaciones que la figura de la madre inspira en el arte contemporáneo. Méndez Cintrón, a través de esta curaduría, no solo celebra la figura de la madre, sino que invita a una reflexión más amplia sobre cómo la maternidad puede ser vista como un prisma a través del cual se exploran temas de identidad, cultura, resistencia y transformación.

No es casualidad que la curadora emplazara el título de la exposición al fondo de la sala sobre la obra de Laurie De Jesús titulada En Descanso, la cual completa esta secuencia con un hermoso y sensible tríptico en carboncillo que nos conecta a bocetos retratos de la observación del descanso de la figura materna con la ternura de quien observa a ese ser amado. La muestra AUTORA es, en última instancia, un espacio donde la tradición y la innovación dialogan, revelando la maternidad como un fenómeno tanto universal como extraordinariamente particular.

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) anunció que la Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe (PGPR) dará inicio el viernes, 19 de abril. Con el título «Bajo presión / Under Pressure», esta edición contará con más de 100 artistas puertorriqueños e internacionales. El evento se llevará a cabo hasta el 15 de septiembre en sus dos sedes oficiales: el Antiguo Arsenal de la Marina Española y la Galería de la Sede del ICP, en el Viejo San Juan.

“Nos honra presentarles oficialmente la Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe, una variada exhibición de arte que destaca la huella de la gráfica y sus experimentaciones. Este es el evento de arte de mayor relevancia en Puerto Rico y uno de los más anticipados en Latinoamérica y el Caribe, en el que tendremos sobre un centenar de artistas participantes. Esta edición, además de ser una gran celebración para los amantes del arte, gracias a la asignación que nos hizo el gobernador Pedro R. Pierluisi de fondos ARPA, nos ha permitido apoyar económicamente a organizaciones culturales, museos y proyectos de arte, y a los artistas que traerán a la vida estas comisiones. Le damos la bienvenida a todos los representantes de los países participantes en este importante encuentro artístico a través de la inclusión de una diversidad de medios y lenguajes artísticos”, expresó Carlos Ruiz Cortés, director ejecutivo del ICP, sobre el evento que no se realiza desde el 2016.

La Poli/Gráfica de Puerto Rico: América Latina y el Caribe es parte de la evolución de lo que fue la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano y del Caribe, y de la Trienal Poli/Gráfica de San Juan: América Latina y el Caribe. Este evento artístico es el proyecto de artes visuales más longevo de Puerto Rico y fue designado como actividad oficial del Gobierno de Puerto Rico con la aprobación de la ley Núm. 512 del año 2004. La edición de este año tiene como curador en jefe a Elvis Fuentes, historiador de arte y director del Museo de Coral Gables, en Miami, y como curadora por Puerto Rico a Lisa Ladner, curadora y gestora cultural. El proyecto incluye la subvención de otras siete exhibiciones en museos, organizaciones sin fines de lucro y proyectos de arte de base comunitaria, con la financiación del Programa de Rescate Cultural y los fondos ARPA (Plan de Rescate Americano, por sus siglas en inglés).

«Con esta edición se conmemoran 54 años desde la primera celebración de la Bienal de San Juan del Grabado Latinoamericano, un encuentro que pone en primer plano las voces y perspectivas de los artistas plásticos de Puerto Rico, América Latina y el Caribe, quienes conforman la selección curatorial. En total, participan 103 artistas individuales y colectivos, por medio de la propuesta ‘Bajo Presión/Under Pressure’, con el propósito de conectar con los visitantes y estimular nuevas corrientes de pensamiento. Más allá de ser un puente entre nuestro archipiélago, las Antillas y América Latina, Puerto Rico retoma un proyecto vital para el fortalecimiento de nuestro sector de las artes visuales, el mercado del arte y el reconocimiento del talento artístico local. También se abren nuevas oportunidades para los artistas participantes y para todos los profesionales de nuestro ecosistema durante los más de cuatro meses de la Poli/Gráfica. Sus exhibiciones en el ICP serán libres de costo, y se ofrecerán talleres educativos y accesibles como parte del calendario”, manifestó María del Mar Caragol Rivera, directora del Programa de Artes Plásticas del ICP.

Además de las dos sedes de exhibición en el ICP, “Bajo presión / Under Pressure» tendrá una serie de comisiones y proyectos artísticos alrededor de Puerto Rico, talleres educativos a través del archipiélago y sobre 50 exhibiciones satelitales, además se celebrará un simposio y se publicará un catálogo de las obras y artistas participantes. En el evento se destacarán más de 300 obras locales e internacionales, que exploran las presiones existenciales, económicas y sociopolíticas de aquellos que vivimos en el hemisferio occidental del mundo. Los países latinoamericanos que estarán representados en este importante encuentro de arte son Argentina, Chile, Paraguay, Brasil, Perú, Ecuador, Bolivia, Venezuela, México, Honduras, Guatemala, Nicaragua y Colombia. Asimismo, el Caribe dirá presente con artistas de Cuba, Haití, República Dominicana y Jamaica, y de los países de Trinidad y Tobago, y Bahamas.

Los ejes curatoriales fueron concebidos de la propuesta creativa presentada por Elvis Fuentes, y apoyada por Lisa Ladner. Fuentes y Ladner han colaborado por más de un año para asegurar una representación equilibrada y significativa de las diversas perspectivas y realidades presentes en el arte contemporáneo de Puerto Rico, Latinoamérica y el Caribe.

Otros lugares en el área metropolitana que el público podrá visitar para disfrutar de las exhibiciones subvencionadas son: el Museo de Arte de Puerto Rico, Museo de Arte Contemporáneo, Museo de Arte y Diseño de Miramar y el 5to Festival de Chiringas, Retrato de La Perla, en el Viejo San Juan. Igualmente, fuera de la zona metropolirana, se subvencionó al Museo de Arte de Ponce, el Corredor Afro en Loíza y en el Museo e Iglesia Porta Coeli, con la visión de Antonio Martorell y un colectivo de artistas. Entre las las entidades culturales que se unen con actividades y exhibiciones satelitales se encuentran el Museo de Arte, Historia y Antropología la Universidad de Puerto Rico(UPR) en Río Piedras, el MUSA – Museo de Arte de la UPR en Mayagüez, Museo Dr. Pío López Martínez de la UPR en Cayey, Museo de Arte e Historia de San Juan, Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico, Liga de Arte de San Juan, Museo de las Américas, Mujeres de Isla en Culebra, Ciudad Museo en Añasco y muchas otras iniciativas. De igual manera, se desarrollarán proyectos artísticos y educativos en torno a la Poli/Gráfica en escuelas, centros culturales y museos municipales.