El Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) abre el próximo 21 de octubre con galerías dedicadas a la arquitectura y el diseño en todos los pisos del Museo. Cada una de estas instalaciones explora diferentes temas, extendiendo un diálogo con las presentaciones integradas de todos los medios y cronologías a lo largo de las galerías de colección en el quinto, cuarto y segundo piso. La ubicación de las galerías de arquitectura y diseño en cada uno de estos pisos, así como en el primer y tercer piso, refleja la visión curatorial de un enfoque de “ambos” y, reconociendo la arquitectura y el diseño como parte integral de la conversación interdisciplinaria con las artes visuales y como disciplinas autónomas con historias y metodologías específicas.
Estos espacios nuevos y extensos le permiten al Departamento de Arquitectura y Diseño no solo explorar la colección a través de temas cambiantes en rotaciones regulares, sino también montar instalaciones tópicas que aprovechan los fondos del Departamento para abordar las conversaciones disciplinarias actuales y las preocupaciones públicas. Este nuevo enfoque para las instalaciones basadas en colecciones en constante evolución garantiza que los visitantes siempre puedan ver el trabajo dinámico de arquitectos y diseñadores modernos y contemporáneos.
ARQUITECTURA Y DISEÑO EN EL NUEVO MOMA
Vertical City (La Ciudad Vertical), una instalación en el ala David Geffen del quinto piso del Museo, examina cómo la invención del rascacielos en los Estados Unidos cambió fundamentalmente la forma y la experiencia de la ciudad. A principios del siglo XX, los arquitectos de vanguardia de Europa celebraron la audaz conquista de la altura en los Estados Unidos, pero también siguieron criticando la proliferación de torres competidoras en metrópolis ya congestionadas. Las nuevas tecnologías de construcción provocaron una competencia a través del Atlántico para innovar enfoques estructurales y una transparencia cada vez mayor. Varias obras de Frank Lloyd Wright, incluidos modelos y dibujos para el Call Building en San Francisco y la Torre de San Marcos en Nueva York, sirven como anclas en esta galería.
Otros artistas presentados en esta galería, incluidos Alfred Stieglitz, El Lissitzky, Berenice Abbott y Edward Steichen, comenzaron a representar el paisaje urbano transformador de nuevas maneras, creando un diálogo entre la ciudad y la creación artística. Los fotógrafos y cineastas ingeniosos, por ejemplo, exploraron métodos para capturar el impacto sensorial de la escala expandida de la ciudad moderna, el ritmo acelerado de movimiento y las alturas vertiginosas.
Designs for Modern Life (Diseños para la vida moderna), también ubicada en el ala David Geffen del quinto piso del museo, analiza en profundidad las formas en que se formaron los nuevos modos de vida y trabajo durante el período de entreguerras en Europa. La cocina Frankfurt de Margarete Schütte-Lihotzky, que fue diseñada para bloques de viviendas estandarizados como parte de la iniciativa New Frankfurt de 1926–30 de Ernst May, sirve como un punto de apoyo importante para el resto de la sala, ya que centraliza la conversación en torno al nuevo diseño y tecnología y también destaca cómo los roles de las mujeres dentro del hogar estaban siendo reconcebidos. A la luz del centenario de la inauguración de la Bauhaus, hay un fuerte énfasis en el material producido por profesores y estudiantes de la escuela histórica, incluyendo algunos trabajos clave de László Moholy-Nagy, Paul Klee, Marianne Brandt, Marcel Breuer, Mies van der Rohe, Lilly Reich, Lucia Moholy y Vasily Kandinsky.
También se verán obras relacionadas con las secuelas de la Revolución Rusa, incluidos dibujos de El Lissitsky y Kazimir Malevich; La primera película sonora de Dziga Vertov, Enthusiasm (1931), que se centra en el aspecto mecanicista del trabajo humano bajo el primer Plan Quinquenal de Stalin; y carteles diseñados por Gustav Klutsis y Elizaveta Ignatovich. Finalmente, una sección dedicada a la nueva oficina y lugar de trabajo presenta algunos diseños de membretes importantes de las colecciones de Elaine Lustig Cohen y Jan Tschichold.
Architecture for Modern Art (Arquitectura para el arte moderno), ubicado en el quinto piso del Museo, en el Edificio Rockefeller diseñado por Yoshio Taniguchi, mira hacia atrás a la arquitectura diseñada específicamente para responder a la pregunta «¿cómo se debe exhibir el arte moderno?». Muchos creían que las formas radicalmente nuevas de principios del arte del siglo XX requería tipos de espacios sorprendentemente nuevos en los que el público los encontraría. Las propuestas variaron dramáticamente, desde la escala del gabinete hasta la escala de la torre. Algunos arquitectos y diseñadores de exposiciones coreografiaron cuidadosamente la trayectoria e incluso la postura de los visitantes, mientras que otros crearon espacios expansivos y poco estructurados que alentaron descubrimientos fortuitos y asociaciones abiertas entre las obras.
Con motivo de la expansión más reciente del MoMA, estos conceptos muestran las diferentes formas en que la arquitectura de museos, galerías y exposiciones afecta la forma en que se experimenta el arte. Los modelos y dibujos de Frank Lloyd Wright, Herbert Bayer y Heinz Loew se muestran junto al diseño de Philip Goodwin y Edward Durell Stone para el primer edificio construido por MoMA en 11 West 53rd Street. Finalmente, una instalación de muebles de usos múltiples diseñados por Frederick Kiesler para la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim en Nueva York presenta la pintura de 1945 de Janet Sobel, Milky Way, que una vez colgó en la galería de Guggenheim.
En el cuarto piso del Museo, en el Edificio Rockefeller diseñado por Taniguchi, Architecture Systems (Sistemas arquitectónicos) investiga la creciente preocupación de los arquitectos y diseñadores por el concepto de sistemas. El elenco muy variado de personajes invertidos en explorar el potencial de esta idea incluye a Buckminster Fuller, Konrad Wachsmann y Ludwig Mies van der Rohe, entre otros. En lugar de centrarse en el diseño de edificios y objetos únicos, buscaron reimaginar el entorno construido como una interacción cada vez mayor de componentes que permitiría el cambio con el tiempo. Prácticamente todos los aspectos del entorno construido, desde muebles hasta estructuras de carga, espacios habitables e incluso ciudades enteras, se reinventaron como una combinación de sistemas basados en reglas. Paradigmático de esta lógica es un fragmento del sistema de muro cortina unificado original del Edificio de la Secretaría de la ONU en Nueva York, que ha sido recientemente restaurado y se presentará en el MoMA por primera vez.
Para las prácticas arquitectónicas corporativas de los años 50 y 60, tales sistemas permitieron el diseño de espacios de trabajo flexibles que podrían adaptarse fácilmente a las fluctuaciones en el personal y las estructuras internas. Al mismo tiempo, los sistemas atraían a grupos de arquitectura radical con objetivos muy diferentes. Arquitectos y colectivos, incluidos Constant Nieuwenhuys, Peter Cook, Superstudio y Ettore Sottsass, imaginaron que la capacidad de transformación de los sistemas permitiría a los habitantes remodelar sus entornos de vida de acuerdo con sus propias necesidades y deseos. Del mismo modo, pintores, escultores, cineastas y diseñadores gráficos del mismo período, incluidos Lygia Clark, Jacques Tati, Elaine Lustig Cohen y Tomoko Miho, experimentaron con protocolos iterativos y basados en instrucciones para desafiar el concepto de una obra de arte como un producto terminado.
Taking a Thread for a Walk (Tomando un hilo para un paseo), ubicado en The Philip Johnson Galleries en el tercer piso del Museo, analiza cómo las sucesivas generaciones desarrollaron nuevos materiales y lenguajes constructivos desde la década de 1890 hasta la década de 1970, destacando la flexibilidad de los textiles, un medio que continúa desafiando fácilmente su categorización. La instalación “lleva un hilo a pasear” entre las antiguas tradiciones textiles, los movimientos de reforma del diseño de principios del siglo XX, las aventureras combinaciones de fibras sintéticas naturales y nuevas en la producción industrial, hasta la aparición de un enfoque más escultórico del arte textil en la década de 1960. y ’70s. Los textiles y las prácticas adyacentes de arquitectura, pintura, dibujo y escultura han tenido una afinidad cercana, especialmente en el siglo XX, cuando hubo un movimiento concertado para enfatizar la unidad subyacente de todas las formas de arte y conectar el arte moderno con la industria y la industria. vida diaria. Los artefactos tejidos aparecieron a la vanguardia de los debates en curso sobre la abstracción, la obra de arte total y la fusión del arte con la tecnología, desafiando la marginación generalizada de los textiles como “trabajo de mujeres”.
Muchos de los pioneros en esta narrativa han sido mujeres, entre ellas Anni Albers, Gunta Stölzl, Florence Knoll y Sheila Hicks. También se presentarán adquisiciones recientes de Monika Correa (India), Aurèlia Muñoz (Cataluña) y el arquitecto franco-suizo Le Corbusier, dejando en claro la relevancia global del medio.
Building Citizens (Construyendo ciudadanos), ubicado en el segundo piso del Museo, en el Edificio Rockefeller diseñado por Taniguchi, explora cómo los arquitectos han generado nuevas ideas sobre la forma en que se ocupan los espacios, cómo se visualizan los edificios y los materiales con los que se fabrican, en un esfuerzo por abordar las necesidades de diversos grupos de individuos. Durante los trastornos sociales de la década de 1960, los arquitectos y urbanistas tuvieron un papel profundo en la configuración de la vida de las poblaciones. Sin embargo, la fricción entre las visiones de los arquitectos y las necesidades de sus clientes a veces resultó en la construcción de edificios que, aunque inicialmente aclamados por la crítica, finalmente resultaron problemáticos debido a una serie de razones. Desde la década de 1970 hasta el presente, las obras en esta galería consideran la capacidad de la arquitectura para dar forma a las dimensiones políticas, sociales y culturales de nuestras comunidades y los mundos que habitan.
Desde el diseño de una casa unifamiliar hasta el desarrollo de viviendas públicas a gran escala, proyectos de varias escalas de Herzog & de Meuron, Rem Koolhaas / OMA, Anupama Kundoo, Álvaro Siza, Amanda Williams, Madelon Vriesendorp y Zaha Hadid, entre otros, explora estos conceptos.
Energy (Entergía) es la instalación inaugural en la nueva galería a nivel de la calle del MoMA, que es gratuita y abierta a todos en la planta baja ampliada del edificio Jerry Speyer y Katherine Farley. Explorará la energía en diferentes formas, desde térmica y cinética hasta eléctrica, solar e incluso reproductiva. El símbolo de energía IEC, un ícono familiar asociado con la regulación del flujo de energía, se mostrará en la ventana, declarando que el Museo es un espacio que está completamente “encendido”, comprometido con las preocupaciones actuales, productivo y en constante acción. Algunos de los trabajos a la vista hacen que la finitud de la energía sea visible y urgente, abordando preocupaciones ambientales y geopolíticas. Otros representan la relación de la energía con el poder de todo tipo, incluidos los políticos y financieros. Los ejemplos de la colección van desde un detonador de minas hasta una visualización del flujo de viento sobre el territorio de los Estados Unidos; desde accesorios de iluminación hasta dibujos arquitectónicos visionarios; y desde dispositivos con energía solar hasta humanos. A través de objetos, edificios, infraestructuras y sistemas de control, el diseño modula la captura, el flujo y el consumo de energía, y actúa como un transformador y un conservador de las fuerzas más vitales de nuestro planeta.
Los diseñadores cuyo trabajo se presentará en esta galería, incluidos Revital Cohen y Tuur Van Balen, Design Earth (Rania Ghosn y El Hadi Jazairy), Tokujin Yoshioka, Massoud Hassani e Ingo Maurer, representan la diversidad de los fondos de la colección.
Además, Surrounds: 11 Installations, en el Centro de Exposiciones Especiales Steven y Alexandra Cohen del sexto piso, presentarán por primera vez 11 instalaciones de cuencas de artistas vivos de las últimas dos décadas, todas extraídas de la colección del Museo. La exposición incluye Architecture is Everywhere (La arquitectura está en todas partes) de Sou Fujimoto (2015), un trabajo a gran escala, de una sola habitación que utiliza materiales inesperados, incluidas las papas fritas, para construir modelos arquitectónicos en miniatura; y el monumental Pillar of Inquiry/Supple Column (Pilar de Investigación / Columna Suplementaria) de Sheila Hicks (2013–14), una obra textil que da la bienvenida a los visitantes al piso y desafía juguetona y subversivamente las nociones de arquitectura como permanente, sólida y tectónica.
Todas las instalaciones están organizadas por el Departamento de Arquitectura y Diseño. Allianz es el orgulloso socio patrocinador del MoMA para el diseño y la innovación.
