Historia

El Feminismo Glamuroso de Tamara de Lempicka

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Criada en un ambiente rico y cosmopolita, Lempicka estuvo expuesta a un mundo de lujo, glamur y sofisticación que más tarde se convertirían en temas centrales de su obra de arte. Sus primeras influencias abarcaron desde el arte clásico de los viejos maestros hasta los movimientos de vanguardia de principios del siglo XX, lo que le proporcionó una base diversa sobre la cual construir su estilo único.

Mientras Lempicka perfeccionaba su oficio, desarrolló un estilo artístico que la distinguió de sus contemporáneos. Caracterizada por líneas nítidas, colores llamativos y una estética glamorosa, su trabajo a menudo representaba figuras elegantes y vestidas con elegancia en ambientes lujosos. Los retratos de Lempicka exudaban una sensación de modernidad y sofisticación, capturando la esencia de la era Art Déco en la que ella prosperó. Sus pinturas no eran meras representaciones de sus temas, sino más bien reflejos de las dinámicas sociales cambiantes y los cambios culturales de la época.

Uno de los aspectos más innovadores del arte de Lempicka fue su uso de luces y sombras para crear composiciones dramáticas y dinámicas. Al emplear una técnica conocida como “cubismo suave”, pudo combinar elementos del cubismo con un enfoque más suave y realista, lo que dio como resultado pinturas que eran a la vez vanguardistas y accesibles. Esta fusión única de estilos le permitió a Lempicka capturar la esencia de sus sujetos mientras infundía a su trabajo una sensación de profundidad y movimiento.

A medida que el arte de Lempicka fue ganando reconocimiento y aclamación, se convirtió en una figura destacada en el mundo del arte, conocida por su visión audaz y su espíritu pionero. Su trabajo fue celebrado por su enfoque innovador del retrato y su capacidad para capturar la esencia de la era moderna. El legado de Lempicka continúa inspirando a los artistas de hoy y sirve como testimonio del poder duradero del arte para desafiar las convenciones, provocar el pensamiento y dar forma al mundo que nos rodea.

El arte de Lempicka desafió las nociones tradicionales de feminidad y belleza, allanando el camino para que futuras generaciones de artistas femeninas hicieran valer sus voces y perspectivas. En un mundo del arte dominado por los hombres, el éxito y el reconocimiento de Lempicka sirvieron como un faro de inspiración para las mujeres que buscaban romper barreras y dejar su huella en la esfera creativa.

Además, la influencia de Lempicka trascendió las fronteras de su época y resonó en audiencias de todo el mundo y de generaciones. Su capacidad para capturar el espíritu de la era moderna e infundir a su trabajo una calidad atemporal aseguró que su arte siguiera siendo relevante e impactante en los años venideros. Hoy en día, las pinturas de Lempicka siguen siendo celebradas por su enfoque innovador, su sorprendente belleza y su atractivo duradero, consolidando su estatus como figura pionera en la historia del arte.

Tamara de Lempicka será recordada para siempre como una pionera, una visionaria y una maestra en su oficio.

Studio Alchimia: Los Alquimistas Del Diseño

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El diseño industrial beneficia al consumidor, pero ¿a qué precio? Alessandro Guerriero pudo haber sido un arquitecto más, un incomprendido más, poniendo a la venta su talento y perdiéndose en el anonimato de la producción en serie. Asimilado, sentado en la oficina de alguna fabrica italiana, Guerriero pudo haber pasado el resto de sus días siguiendo al dedillo los postulados la tradición modernista de la que se sabía heredero. Sin embargo, el genio creativo de este arquitecto, nacido en Milán en 1943, no pudo mantenerse en el carril de la cordura por mucho tiempo

Kandissi, 1978, Alessandro Mendini (Vitra Design Museum)

En 1976, Alessandro Guerriero se revela en contra de las convenciones del “buen gusto”, y funda Studio Alchimia, un taller para iconoclastas, que alberga las obras incomprendidas de los parias del diseño italiano. En sus inicios, el nuevo proyecto de Alessandro se limitaba a albergar piezas de arte experimental. Mas adelante, Studio Alchimia se convierte en taller industrial, y asume su misión de “desespecialización” con sus “métodos confusos” de creación y producción” hasta convertirse en la punta de lanza de los estilos radicales que serán conocidos por la crítica como “anti-diseño”, y “diseño radical”.

La sensación de Studio Alchimia, y su ethos transgresor, atrajo un grupo de diseñadores que, al igual Alessandro, creían posible la alquimia del diseño. Ettore Sottsass, Alessandro Mendini, Andrea Branzi, formaron parte del nuevo taller y presentaron algunas de las colecciones más icónicas del grupo:  Bau.Haus 1 (1978), y Bau.Haus 2 (1979).

Poltrona di Proust, 1978 ,Alessandro Mendini (Vitra Design Museum)

La eficiencia científica de la cadena de producción abarata los productos, pero destruye las ilusiones de las mentes inquietas. Para subsanar el daño causado por su educación tradicional, y “martillar” la influencia de Gropius y la Bauhaus en la arquitectura y el diseño, Studio Alchimia representa el baluarte de la libertad y la expresividad del diseño. La historia de Alessandro Guerriero nos ensena que los diseñadores no solo son capaces de crear piezas funcionales que critican las pretensiones elitistas de su gremio, sino también su capacidad para fundar una vanguardia que nace de las cenizas de sus influencias.

Art Nouveau: La Revolución Estética Del Fin De Siècle

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A finales del siglo XIX un nuevo ethos artístico prometía apoderarse del emergente modernismo europeo. Las formas curvilíneas de la ilustración botánica despertaron la imaginación de toda una generación de artistas listos para transformar las ciudades que florecían por toda Europa.

La innovadora visión del Art Nouveau impulsaba la creación de un mobiliario curvilíneo inspirado en el mundo vegetal. La sinuosidad de las plantas se convirtió en el nuevo ideal pictórico. El novel estilo tenía muchos nombres.  En Francia se conocía como “Le Style Moderne”; en Alemania le llamaban “Jugendstil”; y en España, Gaudí lo bautizó Modernismo.

Casa Milà, España. Imagen: Thomas Ledl

Las líneas cóncavas, convexas y onduladas de la flora se integraron a la pintura, el dibujo y la ilustración. Nadie como Alphonse Mucha para revolucionar el diseño gráfico con sus elaborados carteles publicitarios. Su icónico estilo queda plasmado en su colaboración con la compañía de papeles de fumar Job de 1896.

Póster Para Papeles De Cigarrillo JOB (Alphonse Mucha)

Mucha transfiere los motivos florales ensortijados al cabello de una joven etérea que disfruta de un cigarrillo mientras la tracería del cuadro enmarca su esbelta figura.

En el año 1900, el arquitecto francés Héctor Guimard transfirió el movimiento caprichoso de las plantas al hierro fundido en sus revolucionarias entradas del metro de París. No obstante, el orgullo francés, opuesto todo lo alemán, apenas mostró entusiasmo por la obra de Guimard. Según sus detractores, su novedosa creación arquitectónica se parecía demasiado al Jugendstil alemán.

Entrada A La Estación De La Bastilla (Héctor Guimard)

Una vez agotado, el Art Nouveau sucumbió a una segunda ola modernista opuesta al exceso estilístico del fin de siècle. El pragmatismo y la austeridad de la geometría simple conquistó las aulas de arquitectura y el desarrollo urbano de la siguiente generación. Aun así, el primer estilo internacional ostenta la conquista de algunas de las estructuras e interiores más lujosos de toda Europa. Su lenguaje curvilíneo no deja de maravillar a los artistas y diseñadores que se recrean en la belleza y esplendor de esta gallarda arquitectura histórica.

 

El Genio y El Inventor: Cómo La Amistad Entre Mozart y Stadler Revolucionó La Música Para Clarinete

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Anton Stadler adquirió fama y reconocimiento por su virtuosismo y maestría en el clarinete. Pero este músico forma parte de la historia por mucho más que su talento como intérprete. Para entender la evolución del clarinete, desde su versión barroca conocida como el chalumeau, hasta el desarrollo de su versión moderna en el siglo XVIII, debemos tomar en consideración las aportaciones de Stadler como inventor y las de Mozart como compositor. De timbre cálido y variada capacidad expresiva, el clarinete alcanzó un hito importante en su historia cuando demostró su versatilidad expresiva en el Concierto para clarinete en la mayor, K.622.

Una vez inventado, el clarinete necesitó el impulso de un genio para, eventualmente, ganar un lugar permanente dentro de la orquesta sinfónica en el siglo XIX. A pesar de tener un aprecio especial por las versiones tempranas de este instrumento, Mozart prácticamente compuso su concerto en un instrumento que se encontraba, en ese entonces, en su etapa experimental. La extensión y la flexibilidad melódica lograda por Stadler en su prototipo expandieron el arsenal musical de Mozart en una de las últimas composiciones de su vida.

Clarinete Bajo.

A pesar de que este junte entre dos grandes de la música contribuyó al enriquecimiento de la tradición clásica occidental, los eventos posteriores a la composición del concerto están llenos de misterio e intriga. A pesar ganar fama por sus contribucione en la musica, la historia recordará a Stadler como el  responsable de perder la partitura original del concierto para clarinete de Mozart. Poco tiempo antes de su muerte, Mozart le entregó la composición original a su amigo Stadler. El inventor de este clarinete moderno probáblemente fue el último en posar sus ojos en el preciado documento musical. Al menos, esta es una de las versiones que ofreció la viuda de Mozart acerca de su paradero. Según Constanze, Stadler también pudo haber empeñado la partitura para escapar de alguno de sus muchos aprietos financieros.

Intérprete de clarinete. Imagen suministrada.

La versión publicada luego de la muerte de Mozart no es el manuscrito original del Concierto para clarinete en la mayor, K.622 . Este parece haberse perdido para siempre. Por otro lado, el clarinete inventado por Stadler cayó en desuso, y pasó a formar parte de la historia en la evolución del instrumento. Aun así, la importante contribución de ambos artistas a la música  revive cada vez que escuchamos esta pieza canónica del repertorio clásico.

 

Historia del Diseño: Modernidad Danesa

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Durante la década del 1930, una emergente modernidad Escandinava compuesta por Islandia, Suecia y Dinamarca, competía ferozmente por dominar los nuevos mercados europeos. En esta carrera, la industria danesa se impuso a sus competidores con un estilo sencillo que enfatizaba el bienestar en el espacio doméstico.  La calidad de sus productos adquirió fama internacional para una generación de consumidores cada vez más exigente en cuestiones de diseño. El talento de los jóvenes artistas daneses en conjunto a los materiales importados de Alemania produjo un popular mobiliario orgánico y racionalista.

Round Chair. Hans Wegner (1949)

Keere Klint, miembro de la Real Academia Danesa, encaminó a toda una generación de diseñadores hacia el antropomorfismo del diseño. Su visión como director de la Escuela de Arte Arquitectónico de Copenhague buscaba crear productos con los que el cuerpo humano se integrara con naturalidad. Sus estudiantes observaban minuciosamente las poses que la anatomía humana es capaz de asumir como una parte esencial de estudios.  El pupilo de Klint debía tomar especial consideración el bienestar de las personas y la funcionalidad de sus productos.

Wishbone Chair. Hans Wegner (1949)

Uniendo estos principios de diseño con su afinidad íntima por la plata, Kay Bojesen creó una rica variedad de utensilios para el consumo de alimentos. Al diseñar sus cubiertos Grand Prix, Bojesen se enfocó en estilizar el acero pulido de manera elegante y ergonómica.

Poul Henningsen’s Louvre Lamp.

Los daneses no dudaron en buscar inspiración en una rica tradición ceramista. La arcilla y su relación íntima con las manos del artesano produjo unas piezas robustas de terracota. El fabricante Royal Copenhagen preservó los secretos de la industria cerámica desde el siglo XVIII e integró su conocimiento con las innovaciones de la generación jóven del nuevo siglo.

 

Muchos diseños de la modernidad danesa forman parte de nuestra cotidianidad doméstica. Su modestia y sencillez se destaca sobre la artificialidad de las modas pasajeras. Algunos de sus íconos en la industria mobiliaria son la Silla 3107 (1955), el diván PK 24 (1965) y la Silla Redonda (1949); utilizada por John F. Kennedy en su debate con Richard Nixon de 1960.

 

Less is More: Los Inicios Del Minimalismo

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La historia del diseño le atribuye al arquitecto Ludwig Mies Van der Rohe la famosa frase less is more (menos, es más). Este juicio paradójico se ha convertido en una de las puntas de lanza para toda una generación de artistas. La frase surgió en medio de una fábrica de turbinas en Berlín cuando el joven Ludwig la escuchó de otro gran arquitecto: Peter Behrens. Hasta el día de hoy, la idea contenida en este aforismo sigue reconceptualizando el diseño en todas sus facetas.

Silla Barcelona

El comienzo del estilo minimalista se remonta al Tratado de Versalles de 1919. Durante esta época, la empobrecida economía alemana impulsó a la Deutscher Werkbund, un colectivo de artistas y arquitectos, a emplear su ingenio para construir un nuevo tipo de viviendas con los escasos recursos y materiales que les permitiera afrontar la situación económica del país. A pesar de estas dificultades, las nuevas casas de fachadas sobrias y formalismo geométrico fueron bien acogidas gracias a la influencia y diseño visionario de arquitectos de renombre tales como Walter Gropius y Le Corbusier.

Desde entonces, la simplificación del diseño se convirtió en el criterio principal al momento de fabricar todo tipo de objetos. La calidad del producto dejó de estar asociada a los excesos estilísticos. Al nuevo consumidor del siglo XX no gustaba del uso superfluo de la ornamentación. Demasiados detalles y poca funcionalidad podían llevarlo al punto de perder el interés por el producto. La tipografía Futura de  Paul Renner encarna este ideal minimalista. Sus líneas rectas y legibilidad se ajustaban con facilidad a la velocidad y al frenesí de la vida moderna. Los usuarios no tenía tiempo para decodificar mensajes complejos que entorpecieran el ritmo de un mundo que funcionaba con rapidez.

Volkswagen Beetle 1930

Con este nuevo enfoque, evitar el despilfarro de recursos naturales y el impacto de producción en el medio ambiente se convirtieron en puntos de partida para todo nuevo proyecto. Sin embargo, esto no quiso decir que los productos desmerecerían en su belleza. Por el contrario, los materiales de fábrica se convertían en protagonistas, mientras el artista aspiraba a la creación de un producto estético y funcional. La Mesa Barcelona de Mies Van der Rohe ejemplifica este nuevo ideal. Esta creación de superficie de cristal casi desaparece de la vista del usuario gracias a su ligereza y transparencia. Otros ejemplos de este inicio del minimalismo industrial lo podemos ver en el frasco de perfume Chanel n. 5, la silla en voladizo de Mart Stam, el mechero Zippo de George Blaisdell y el automóvil Beetel de la Volkswagen.

 

Historia del Diseño: Swiss Style

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Si la reputación suiza como el abanderado de la neutralidad en medio de la debacle de la guerra tuviese una equivalencia en el diseño, no repararíamos en nominar al Swiss Style. Cuando pensamos en una tipografía elegante y confiable para transmitir un mensaje claro y conciso, Helvética es el estándar de la industria. Mientas el resto de la manufactura europea sucumbía a los bombardeos de los países que formaron parte de del conflicto de la Segunda Guerra Mundial, Suiza se mantuvo prácticamente intacta en sus industrias. El estilo de diseño que nació del espíritu y el ingenio de este país se extendió a través del continente y ganó su fama bajo el nombre del estilo tipográfico internacional durante los años 1940 y 1950. Si bien en lo que respecta a los conflictos bélicos, Suiza se mantuvo a distancia, en el diseño gráfico conquistó las oficinas de comunicaciones públicas y empresariales de todo un continente. En aquellos lugares en donde otrora hubo destrucción y una saturación de mensajes partidistas de guerra, Helvética trasmitía paz con su sencillez, claridad y legibilidad. Este nuevo estilo de tipografía de palo seco permitía asumir una verdadera neutralidad en asuntos de diseño. Haciendo uso de la abstracción, ya empleada en las artes y la arquitectura, Helvética estaba inmune a las asociaciones que otras familias tipográficas sufrieron al utilizarse en la propaganda política. Originalmente bautizada como Neue Hass Grotesk, Helvética alcanzó fama mundial y exhibió su dinamismo y adaptabilidad en ciudades como Nueva York, Chicago, Viena y Londres.

Helvética en la estación del tren de Nueva York

Los diseñadores suizos no perdían sus energías en un estilo que incluyera adornos superfluos y que no aspirara a la forma más franca de comunicación. Si había algún exceso, como unos ángulos demasiado marcados, debía ser eliminado. No se sentirían satisfechos hasta que se garantizara la legibilidad de su tipografía tanto en las manos del lector de periódicos, como a los anuncios que encontraban los transeúntes. El resultado final fue un nuevo estilo de comunicaciones con tipografías y carteles fácilmente legibles a cualquier distancia que aspiraban a una claridad científica.

Poster para exhibición de 1959

Historia Del Diseño: La Bauhaus

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Las disciplinas artísticas se clasifican, se distinguen y compartimentan, de manera que un mundo de posibilidades creativas quedan relegadas a sus especializaciones. Por ejemplo, no acostumbramos a establecer una asociación directa entre el teatro y la arquitectura; o al menos, no es usual que se estudien en conjunto como parte de un proyecto educativo que busque la unión entre el arte y el diseño.

Bauhaus Dessau

Walter Gropius nació el 18 de Mayo de 1883; inició sus estudios en arquitectura en Múnich, para luego culminar su educación en su ciudad natal (Berlín). Hijo de un padre arquitecto, Gropius completó el servicio militar obligatorio en 1905, y tres años después comenzó a trabajar con el reconocido arquitecto y diseñador industrial Peter Behrens. En el contexto de esta experiencia laboral, Gropius comenzó a desarrollar sus inquietudes respecto a la interrelación entre la arquitectura y las artes que lo llevarían a fundar la Bauhaus en 1919.

Producto de una fusión entre la Escuela de Artes y Oficios del Gran Ducado y la Academia de Bellas Artes de Weimar, la Bauhaus proponía el ambicioso proyecto de unificación entre la arquitectura, el diseño y las artes.

Los estudiantes de esta innovadora escuela trabajaban la abstracción en una multiplicidad de materiales con el fin de diseñar productos funcionales que pudiesen aplicarse al sector industrial. El resultado fue una nueva estética creada para las necesidades de la vida moderna en donde la arquitectura armoniza con los objetos domésticos para la creación de una totalidad coherente y práctica.

Máquina de escribir Olivetti Studio 42

El estilo predilecto de la Bauhaus buscaba la simplificación de las formas hasta llegar a un diseño atemporal y estandarizado que rechazaba los convencionalismos y la tradición estilística. El ideal de armonía que proponía la Bauhaus buscaba la comodidad de los usuarios. Tomaban como punto de partida las distintas actividades domésticas y la manera en que el posicionamiento de los elementos estructurales interactuaba con los movimientos corporales.

La Bauhaus fue influenciada por el expresionismo alemán, el movimiento holandés De Stijl, el consturctivismo ruso, entre otros. Su profesorado estaba compuesto por artistas de renombre internacional en diversas disciplinas, tales como: Johannes Itten, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Otto Lindig, Anni Albers, entre otros.

El teatro experimental de la Bauhaus bebía de fuentes esotéricas que perseguían la precisión matemática en sus representaciones. Los disfraces de los espectáculos teatrales quedaron inmortalizados en ricas ilustraciones a mano que extendían la ambición de la escuela por la abstracción y el simbolismo a las artes escénicas. El Ballet Triádico es un ejemplo de este ambicioso proyecto. Oskar Schlemmer contribuyó a la misión de la Bauhaus, vaciando la tradición del ballet y la pantomima de sus referencias históricas y proponiendo una nueva integración entre el cuerpo humano y la geometría.

Historia Del Diseño: Arts and Crafts

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El siglo XIX marcó un hito en la fabricación de productos de consumo a través de toda Europa. La revolución industrial representó una nueva era para la historia de la humanidad que cambiaría su rumbo para siempre. Los productos fabricados durante este periodo se hacían cada vez más accesibles a la población general, pero este abaratamiento en los costos tuvo una consecuencia indeseable: la mala calidad del diseño.

Fábrica Morris & Co en Londres. Año 1880.

El movimimiento Arts and Crafts surgió de la acción concertada de grandes diseñadores que vieron la necesidad de oponerse a la pobreza en la calidad del diseño de estos nuevos productos. Hacia finales del siglo XIX, ya se había convertido en un movimiento reconocible a nivel internacional con influencia en la arquitectura, la artesanía, los textiles y la tipografía.

La filosofía de uno de los mayores exponentes de este movimiento, William Morris, enfatizaba la necesidad de crear piezas de diseño de alta calidad libres de un exceso de ornamentación, además de fomentar una fusión entre las distintas artes. El compromiso social de estos profesionales los llevó a integrar a los obreros en todo el proceso en el diseño y producción de objetos; fundaron gremios y colaboraron con artistas de distintas profesiones.

Entre los representantes más importantes de este movimiento se encuentran William Morris, John Ruskin, Arthur Heygate Mackmurdo, Arthur J. Stones, entre otros.

Silla Reclinable Morris

En el diseño Arts and Crafts se destacan las formas sencillas, la sobriedad, la sencillez y la rusticidad de los materiales. Fomenta el uso de materiales locales, la producción a mano, métodos tradicionales de fabricación y la armonía de las proporciones. Este estilo se aplicó a diversos productos : cubertería, cerámica, cristalería, sillas, tocadores, ilustraciones, entre otros.