Entrevistas

La Leyenda del Rock Puertorriqueño Carli Muñoz Presenta Su Autobiografía

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El pasado 29 de noviembre, el músico puertorriqueño Carli Muñoz presentó al público su autobiografía A Fool’s Journey”, un relato de sus vivencias antes, durante y después de formar parte de la legendaria banda de rock The Beach Boys. En el conversatorio moderado por Juan Peña, Carli compartió algunas de las  anécdotas que lo inspiraron a escribir la historia de su vida.

La presentación de A Fool’s Journey”, auspiciada por The Bookmark, se llevó a cabo en el recién estrenado Liberty Square ubicado en San Patricio Plaza.

Los recubrimientos del Liberty Square Quartz Essence de Caesar Ceramiche fueron suplidos por las tiendas The Tile Shop y The Marble Shop en Puerto Rico. (Valeria Falcón)

El título del relato autobiográfico de Carli Muñoz hace referencia a uno de los arcanos principales del sistema del tarot, “El Tonto”.  Este arquetipo representa al “inconforme” cuya ambición lo impulsa a emprender “un viaje a lo desconocido”. Las lecciones y las experiencias que acumuló Carli durante  su vida constituyen los capítulos del libro. «Mucha gente me decía “Carli por qué no escribes un libro de The Beach Boys”, …[pero] yo nunca quise. Si uno está con un grupo de una magnitud como la de los Beatles, lo ven a uno en ese contexto, y se hace bien difícil tener otra vida. Yo quería mostrar en el libro que tuve una vida antes y después de The Beach Boys», compartió Carli con el público presente.

Su historia comienza en la etapa de niñez. Carli era un niño inquieto, inadaptado al rigor de la educación tradicional. Sus inclinaciones artísticas y personalidad soñadora le impedían sacar buenas notas en el colegio. «Las instituciones tienden a encasillar a uno…pues yo no era parte de ese encasillado y [el colegio] no sabía cómo bregar conmigo, mi mente funcionaba de forma diferente», dijo. Desde esta temprana edad, Carli pasaba sus días imaginando mundos fantásticos y soñando con la música que llegaría a tocar algún día. «Mi padre me daba 10 dólares si yo sacaba una D… en esos tiempos eso era mucho dinero. Yo iba a la escuela a soñar y a dormir… a hacer ritmos sin que nadie se diera cuenta…», relató.

“A Fools Journey”, disponible en la librería The Bookmark (Daniel I.)

En su temprana juventud, Carli asistía a los conciertos nocturnos de jazz en el Holiday Inn de Isla Verde. El artista narra cómo una de aquellas noches le surgió la oportunidad de sustituir al bajista de la banda. «Yo fui con mi voz de niño y dije: “yo puedo sustituirlo [al bajista]”, y ellos se viraron y vieron que no tenían otro remedio. Era un espectáculo de jazz bien complejo, y lo hice…quizás no tan perfeto, pero lo hice bastante bien», relató. Su desempeño como músico le ganó un espacio en la banda de Monchito Muñoz con quien comenzaría una exitosa carrera en el piano. «A penas con 15 años estaba con el grupo de jazz más reconocido de Puerto Rico. [Al grupo] venía [a tocar] gente como el baterista de David Brubeck. Eran unos tiempos maravillosos para la música», dijo.

Al igual que muchos de sus contemporáneos, Carli comenzó a experimentar con LSD durante aquellos años. Sin embargo, su uso no era recreacional. «El LSD en esos tiempos todavía era legal. Era simplemente algo experimental y no había ningún estigma con esto. Mis padres estaban relax, no tenían ninguna oposición», aclaró. Para Carli, el consumo de la droga psicoactiva formaba parte de un proceso de autoexploración acompañado de lecturas filosóficas de Aldoux Huxley. «Era atrevido porque era un viaje interno que te afecta los sentidos, y luego entras profundamente en el subconsciente y te das cuenta de muchas cosas que de otra manera no sería posible en una vida», expuso.

Luego de su primer éxito en el jazz, Carli se integró a The Living End, una de las bandas puertorriqueñas de rock más reconocidas durante la década de los 60. El éxito de su nueva banda lo convenció de probar su suerte en Nueva York. Con tan solo 11 dólares en el bolsillo, Carli viajó a la Gran Manzana junto a su banda. «Ya en ese punto tenía un grupo. The Living End era la mejor de rock en aquellos tiempos. Fuimos de las primeras bandas que llevamos las cosas a otro nivel en Puerto Rico», contó.

Carli Muñoz interpretó el piano durante la presentación del libro. (Daniel I.)

Tocar el piano en los Estados Unidos lo llevó finalmente a California en donde conoció a The Beach Boys, una de las bandas más famosas del género rock de todos los tiempos. Gracias a su talento y esfuerzo, Carli se integró a la mítica banda en su gira mundial durante los años 70. No obstante, sus aspiraciones personales y el conflicto entre los miembros de la banda lo llevaron a abandonar la agrupación. «En algún momento lo decidí [abandonarlos]… ya yo tenía una familia, eran todos chiquitos. No me gustaba dejarlos solos con mi esposa. También había problemas dentro de los mismos Beach Boys que son de conocimiento común. Había rivalidades y eso afectaba el ambiente», afirmó. Esta decisión le permitió a Carli dedicar más tiempo a sus hijos, adentrarse al mundo del jazz, y estudiar cine en California.

En la actualidad, Carli es el propietario de Carli’s Fine Bistro & Piano, un exitoso restaurante ubicado en la zona turística del Viejo San Juan con una trayectoria de más de 25 años. El músico puertorriqueño se presenta todas las noches para deleitar al público con su virtuosismo en el piano. «Hay noches en que tengo invitados. Siempre toco los martes y los viernes. Ya para las 9, estoy presente», anunció. Su más reciente producción musical se titula: Galimatías y está disponible en las plataformas digitales.

Para adquirir el libro de Carli Muñoz, pueden visitar las librerías The Bookmark ubicadas en San Patricio, Santurce y Hatillo. También pueden visitar su restaurante Carli’s Fine Bistro & Piano y disfrutar la música en vivo de esta leyenda del jazz y el rock puertorriqueño.

La Artista Verónica González Explica En Detalles Su Proyecto En El Metropol

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Para la creación del nuevo espacio, Verónica González escogió un estilo moderno. Sin importar cuan diferentes fueran los materiales que utilizara en su proyecto,  la artista buscaría la manera de preservar la armonía en la decoración. Creando un fuerte contraste en la composición del espacio, Verónica logró integrar las propiedades visuales del metal, la madera y el ratán para infundirle un carácter distintivo a cada área especializada del restaurante dentro de una misma estética industrial.

«Hay cinco elementos que se repiten: las losas, la madera, el ratán, el metal y el papel tapiz. Al igual que esta losa parece oxidada, la mesa exterior también simula el efecto oxidado. Tienes el metal del techo creando un camino, y ese mismo metal se repite en las cabinas. De repente, tenemos unas losas hexagonales con cemento pulido en el salón, y en el área de la barra tenemos lo mismo. El cemento pulido se combina con una losa más tropical y ese tropical está combinándose con el papel tapiz que tienes en la cabina al lado contrario de esa área. Los colores son neutrales, pero siempre destacamos un color en particular. En este caso, el cliente se fue con los azules y los teals . Esos mismos colores los tienes en el vinilo, en las asentaderas, en algunas columnas combinándose con las losas que tienes en la barra. Hay un azul en cada cuarto que te diriges», explicó.

Uso del ratán en las sillas y el techo. Imagen: Valeria Falcón

En el ámbito comercial, los objetos del interior deben ser lo suficientemente duraderos para resistir el desgaste natural. Verónica se aseguró de que la calidad de los materiales que escogió para el restaurante fuesen los adecuados para este propósito. «Los lugares comerciales necesitan productos bien fuertes porque se van a utilizar. En un restaurante la meta es sentar a tus clientes», expresó.

Algunos de los recubrimientos del Metropol fueron suplidos por The Tile Shop & The Marble Shop en Puerto Rico. Imagen: Valeria Falcón

El gran tamaño del restaurante y las necesidades particulares de cada espacio retaron a Verónica a buscar soluciones creativas a los problemas estructurales. «En este proyecto trabajamos en colaboración. Ya teníamos un esquema preliminar de dónde iba a estar ubicada la barra, cuantas mesas y sillas quería el cliente, y las demás ubicaciones. Hubo algunos cambios que hicimos, pero yo te puedo dejar saber que el lugar no es rectangular, ni ovalado. Es como una V, pero bajo esa V tienes diferentes cuartos y espacios. Tuvimos que ser un poquito savvy al ubicar las cabinas. Teníamos ya columnas existentes que no podíamos tumbar. Hay una columna redonda enorme que decidimos que fuera parte del diseño», reveló Verónica.

Arte por Roberto Biaggi. Imagen: Valeria Falcón

La integración entre los elementos decorativos y funcionales forma parte de la filosofía que guía a Verónica en la creación de sus espacios. «Estamos dividiendo las áreas, pero de una manera creativa, elegante y linda. Determinamos que la columna fuese parte del diseño. Para ella, usamos una losa subway pero con una textura tridimensional que tiene movimiento. En las cabinas, implementamos una forma ovalada, como en media luna, para que el grupo se sienta más cómodo. En la división entre un espacio y otro utilizamos una cadena que incorpora una obra de arte de Roberto Biaggi», señaló.

V Design Studio: Zuleima González, Adryana Gómez y Gabriela Pérez, Imagen Suministrada

Verónica, junto a su equipo en V Design Studio, se asegura de infundir su marca personal a todo lo que hace. La fundadora transmite el optimismo de su personalidad a sus clientes, y no pierde la oportunidad para comunicar la pasión que siente por su trabajo. «V Design Studio es un equipo de “babes”…es mi palabra favorita. Ya se convirtió en una marca. Somos un equipo bien unido, me encantan mis chicas. Llevo 9 años en esta industria y 6 años con V Design Studio.  Me fascina mi profesión, estoy apasionada. La creación de espacios es un reto muy grande al que me enfrento cada día con mucho entusiasmo», expresó Verónica.

Para mantenerte al día de las mas recientes creaciones de Verónica junto a V Design Studio y para ver sus proyectos pasados, visita su red social vstudiopr en Instagram.

Pequeños Pasos Agigantados : El Arte De Annelisse Molini

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Entre patrones geométricos entrelazados se asoma la andanza de unos pies gigantescos. Piernas largas y distorsionadas se flexionan para adentrarse en un fondo caótico de caminos torcidos. Uno de los pies morados modela un zapato abierto de tacón alto, mientras el otro se alza con una bota roja de suela purpura y medias largas. A estas extremidades que luchan por abrirse paso se unen unas manos torcidas que intentan sujetarse para balancear las enormes pisadas.

“Baby Steps” de la artista Annelisse Molini abrió sus puertas al público el pasado 7 de septiembre en Walter Otero Contemporary Art. 90 Grados tuvo la oportunidad de asistir al evento y de preguntar a Annelisse acerca de sus más recientes creaciones.

Imagen: Daniel I. Flores

“Mi obra es una mezcla de mi experiencia de estudiar arquitectura, de ser mujer y madre. Aunque no compartamos las mismas vivencias, aspiro a que la gente se pueda identificar con mi arte, pues, igual que yo, todo el mundo vive con muchos sombreros”, comentó la artista acerca de recepción de su obra.

“A pesar de que tener una carrera larga, ha sido muy difícil. Convertirme en artista sin dejar la arquitectura fue un proceso complicado, porque hay cosas que se relacionan, pero para nada son iguales. Cambiar de la mentalidad tan estructurada de la arquitectura al arte fue un proceso largo y difícil. Durante este proceso yo me decía a mí misma “Annelisse, pasito a pasito…baby steps, baby steps…”

Imagen: Daniel I. Flores

Su más reciente obra es un caos estructurado: “Traté de que alcanzar una armonía visual a pesar de la apariencia caótica”, dice Annelisse. Cada una de las piezas está llena de sorpresas. El hilo conductor son las pisadas que se abren paso frente al caos. Los pies descalzos siempre acompañan a otros modelando zapatos de tacón. Si observas atentamente, puedes ver una iglesia, una garita, o un edificio en la frontera entre lo figurativo y lo abstracto.

Si no tuviste la oportunidad de asistir a la inauguración, todavía puedes ir a la exhibición de “Baby Steps” en Walter Otero Contemporary Art de martes a viernes, de 11:00 AM a 5:00 PM, y sábado por citas.

 

Jonathan Suazo le rinde homenaje a Kenny Garret En El Boricua

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El pasado 5 de septiembre, la terraza del Boricua en Río Piedras se convirtió en el escenario del saxofonista puertorriqueño Jonathan Suazo en un homenaje a una de sus mayores influencias en la música. Suazo, quien recientemente participó del Programa de Aceleración Musical de la Fundación Banco Popular, estuvo acompañado por tres músicos excepcionales durante la presentación del martes en la noche. Francisco Alcalá en la Batería; Eduardo Zayas en el Piano y Jesús Colón en el Bajo, acompañaron al músico en la interpretación de las composiciones del importante saxofonista norteamericano Kenny Garrett.

“La música de Kenny Garrett es de la más importante en mi carrera. Gracias a él, yo decidí profundizar mis estudios dentro de la interpretación y la composición del jazz. Específicamente, por su disco Beyond the wall. Su música ha sido extremadamente influyente. Hoy 5 de septiembre estamos tocando en vivo su música y el 8 de septiembre tengo la bendición de escuchar su música en vivo en Boston, Massachussets”, le compartió Suazo a 90 Grados minutos antes de su presentación.

La reciente producción musical de Jonathan Suazo titulada Ricano es el resultado de una profunda búsqueda identitaria a través de las tradiciones sonoras del caribe. Esta experiencia melódica afrocaribeña incorpora su herencia puertorriqueña y dominicana. La fusión musical de su nuevo disco cuenta con la colaboración de grandes músicos y amigos del artista. Miguel Zenón, Tanicha López, Christian Nieves y Fabiola Méndez son solo algunos de los que acompañaron a Suazo en el disco compuesto por 10 temas.

La velada llena de virtuosismo cumplió las expectativas para todos los que se dieron cita. Interpretada por el cuarteto, la música de Kenny Garrett fue acogida por un público entusiasmado de ver tocar a Jonathan Suazo . Entre cada tema, Suazo compartía con los presentes anécdotas sobre la importancia de la música de Garrett en su carrera y en su formación musical. A pesar del protagonismo del saxofón durante  la noche, los músicos acompañantes no quedaron atrás en su desempeño. Con un dominio impresionante de sus instrumentos, Suazo, Alcalá, Zayas y Colón “lo dieron todo” en la presentación.

Una Velada Refrescante Con El Artista William Quetzalcóatl

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El pasado jueves 31 de agosto, tuvimos la oportunidad de participar con nuestros amigos del Colegio de Diseñadores – Decoradores de Interiores de Puerto Rico (CODDI) en la galería Biaggi Faure para compartir con el artista William Quetzalcóatl. Nacido en San Juan, Puerto Rico en 1971, William inició su carrera en el arte 1983 en la Academia de arte Andy Bueso; tuvo como maestro al pintor español Jose Asaustre, y terminó de formarse como artista en el Pratt Institute y en el Fashion Institute of Technology de Nueva York.

La serie de obras de arte inspiradas en la piragua puertorriqueña incorpora un puñado de referencias al mundo glamoroso de las marcas de lujo. Haciendo uso del collage, sus creaciones llevan a un límite provocador su anhelo por incorporar el brillo, la sensación refrescante del hielo y la explosión de colores en una misma imagen.

Harold Eli Ramos, presidente del CODDI, nos compartió que “esta serie de actividades que hemos titulado Conexión con el Arte nos permite conocer artistas de distintas disciplinas mientras conocemos la historia detrás de las obras. Esta iniciativa nace de la necesidad de conectar con los artistas del patio, conocer sus medios e inspiración, y colaborar con nuestros clientes. Creo que es una buena oportunidad de compartir con nuestros colegas, relacionarnos entre galeristas, el público y el artista en un ambiente más íntimo. Estamos creando iniciativas de confraternización que nos permita involucrarnos y educarnos en las diferentes disciplinas del arte y del diseño”.

Imagen: Daniel I. Flores

Acerca de su nuevo rol como presidente del CODDI, Harold expresó estar “bien contento, a tres meses de asumir la presidencia con la nueva junta de gobierno. Ha sido un trimestre de cambios buenos para el colegio. Cuento con un equipo de trabajo que están comprometidos con el colegio y la profesión. Buscamos estar a la vanguardia de la industria por medio de un ofrecimiento de calidad en nuestros cursos de educación continua”.

Imagen: Daniel I. Flores

La noche trascurrió entre risas, vino y charcutería. Los invitados tuvieron la oportunidad de hablar personalmente con Quetzalcóatl y de tomarse fotos. Cuando le preguntaron acerca de la Inspiración de sus piraguas, William contestó entre risas, “El calor…darle un poquito de sabor y drama al calor.”

Nest System Table crea comunidad en la oficina

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Lanzada en Stockholm Design Week, la marca de diseño danesa +Halle presentó las Nest System Tables, diseñadas por el estudio de Estocolmo Form Us With Love.

Las Nest System Tables, una distinguida mesa modular configurada para girar y doblar, es la última gran extensión de la popular serie +Halle Nest. Muchos de los espacios públicos aman la colección de sofás, sillas y mesas altos y bajos por su impacto informal pero productivo, sobre todo por su contribución a la agilidad. Del uso de la serie en espacios públicos surge un nuevo conjunto de aprendizajes de comportamiento: insistir en una superficie de trabajo alta, un espacio individual y un sentido de la escala. Continuar Leyendo

Poncili Creación mantiene vivo el niño interior

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Pablo del Hierro me recibió con un peluche en la mano. Adentro tenía su celular. «Este es Telefonito» y nos presentó. Me condujo por un laberinto de pasillos, salones enormes, escaleras, techos bajos y espacios escondidos en su taller en la Calle Cerra en Santurce, Puerto Rico. En un área guardan material rescatado para crear sus obras y en otra área pequeña crean sus fantásticas criaturas y personajes que ahora cuelgan de la pared, pero otras veces cobran vida en sus puestas en escena. Los hermanos Pablo y Efraín del Hierro de Poncili Creación nunca dejaron morir a su niño interior. Ahora lo dejan vivir, crear y expresarse con más fuerza que nunca contando historias de la vida, la muerte, la alegría, la tristeza y toda experiencia humana imaginable.

Nos sentamos Pablo, Telefonito y yo en el rincón de trabajo para conversar. Miro al peluche aún sin pintar muerta de la risa y le inquiero.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación
Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

Explícame. 

Este es Telefonito. Es el cover de mi celular. Lo proteje, pero también puede tomar fotos y grabar videos de aquellas personas con las que interactúa. ¿Ves? Por aquí, por el ojo está el lente de la cámara. Tiene su propia cuenta de Instagram, @telefonito12, y ahí documenta todo lo que ve. Es un conversation piece. Yo ando con él por ahí y hablo con la gente: niños, adultos, con quien sea. Lo aprieto, lo muevo y hace expresiones. Me gustaría reproducirlo y que la gente tenga sus Telefonitos por ahí con su propia cuenta de Instagram documentando su vida.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Es la primera vez que haces algo así?

No. Todo comenzó con un sombrero. Hicimos una cámara-sombrero y nos íbamos por las calles de Nueva York a “grabar” todo lo que veíamos. La gente pensaba que estábamos locos, pero no nos importa.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Cómo inició esta inquietud de ustedes por el performance y crear criaturas fantásticas?

Nuestros padres eran bailarines en Nueva York. Así que crecimos en el ambiente del teatro, la danza y el performance. Nos llevaban mucho a obras y conciertos. Crecimos viendo a Deborah Hunt y todo tipo de artes escénicas. Nos gusta esta idea de DIY (Do it yourself) sobre hacer tú mismo todas tus propias cosas: hacer el booking, hacer las obras, y eso viene con lo de ser un puppeteer (titiritero). Tú eres el director, tú eres el escultor, tú eres el coreógrafo, eres la persona que hace el diálogo y quien interpreta todas esas cosas en escena.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

Veo que usan mucho material rescatado.

Sí. Usamos mucho el foam (planchas de espuma) y lo esculpimos. Es liviano, portátil, flexible, se puede mover, lo que transforma y da vida a los personajes. Luego lo pintamos. A veces terminamos de usar uno y usamos las piezas para armar otro. No duran para siempre.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Y qué historias les gusta contar?

Nosotros nos basamos en crear experiencias trascendentales que hablen sobre la vida, la muerte, lo cómico, lo serio. Interactuar con el público y que ellos jueguen también. No se puede tomar la vida tan en serio. Hay que llorar y hay que reír. A veces la gente no nos entiende. ¿Qué es Poncili? Poncili es arte, es escultura, es performance, es muchas cosas.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿En dónde se presentan?

Pues, mira, nosotros empezamos con nuestras novias de aquel tiempo. Nos íbamos por ahí y empezaron a invitarnos a festivales, escuelas, actividades… Luego hicimos un tour por Estados Unidos y nos fue muy bien. “Wow! ¿Podemos vivir de esto?” Y sí, sí se puede. Llegamos hasta Art Basel de Miami. Ya llevamos cinco años.

Exhibición de Poncili Creación en Roberto Paradise en Estados Unidos y Puerto Rico, 2012. Foto: www.robertoparadise.com

¿Qué quieren explorar que aún no han hecho?

Nos gustaría hacer videos. Hemos explorado un poco con la idea y tenemos unos videos cortos en YouTube e Instagram. Las grabamos en el baño, que es todo blanco. En Pedazo a pedazo exploramos el stop motion para ver cómo quedaba la cosa. Hicimos Deja la paja como un statement político. Pero el video sería un buen medio para difundir nuestro trabajo porque no todo el mundo puede estar presente en un performance. Eso nos abriría un campo enorme por descubrir y experimentar.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

www.instagram.com/poncilicreacion

www.facebook.com/Poncili500

 

Cómo diseñar el silencio según Elizabeth Lerich, escenógrafa de Maison & Objet Paris

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La escenógrafa del Espacio de Inspiraciones de Maison & Objet Paris 2017 nos habla sobre cómo diseñó Silence (Silencio), el tema de la expo de este año.

En París el silencio es el rey. Elizabeth Lerich diseñó el escenario para el Inspirations Space en el Salón 7 del Foro Inspiraciones en el Maison & Objet Paris 2017. En este lugar se presenta el libro Silence (Silencio), el tema de este año de la más prestigiosa expo del hogar y los objetos en Europa. Marie-Jo Malait, Jefa de Redacción del libro Silence, asevera: «Un refugio del rugiente choque de palabras e imágenes, el silencio disminuye el impacto de la era alocada, ocupada y ruidosa. El hogar es donde encontramos la tranquilidad que anhelamos, donde saciamos nuestra creciente sed de serenidad. El estilo de vida y las tendencias se dirigen hacia el tratamiento del silencio.» Con esta premisa, encontramos muebles y objetos de líneas minimalistas, limpias y prístinas, libres de ornamentos innecesarios, que inducen a la paz y la tranquilidad en el hogar. Mailait le hace cinco preguntas a Leriche sobre cómo diseñar el silencio.

Libro “Silence” sobre el tema de Maison & Objet Paris 2017, el silencio.

¿Cómo Silence llegó a ser el tema de esta temporada?

Este nuevo tema puede venir como una sorpresa: está más relacionado a los retos sociales que otros temas que el Observatorio Maison & Objet usualmente selecciona para explorar. Pero rápido se convirtió en una elección obvia. En una sociedad en donde el impacto de las imágenes y las conexiones son cada vez más abrumadores, hay una necesidad indiscutible de romper con todo eso. No obstante, no es fácil materializarlo. Esta tendencia ya estaba latente, como se evidencia en el alza de materiales más livianos y el minimalismo que hemos notado por las pasadas temporadas. Estas tendencias eran las señales iniciales que proclamaron esta necesidad vital por la simplicidad y el resurgimiento de valores fundamentales, que ahora constituyen el verdadero lujo de nuestra paradójica era. Para delinear los contenidos del tema, investigamos esta necesidad: Los europeos dicen que cada vez buscan más el silencio.

Secret Collection para Blanche Service de Jules Julien Manufacture. por Francis Amiand. Cortesía de Maison & Objet

En los inicios de nuestra investigación, leímos muchos libros sobre este tema, incluyendo, por ejemplo, el maravilloso Histoire du Silence (Historia del Silencio) de Alain Corbin. «El silencio no es meramente la ausencia del ruido», escribe. «Hoy en día es una noción olvidada. Nuestras marcas auditivas han sido distorsionadas, disminuidas, ya no son sagradas (…). La intimidad de un lugar — un dormitorio y los objetos que lo habitan, o un hogar — solían ser definidos por el silencio que prevalecía ahí.» ¡Es hora de perderle el miedo al silencio!

Moon, un proyecto por Oscar Lhermitte y Kudu. Foto: Sidekick Creatives. Cortesía de Maison & Objet

¿Qué escogiste exponer para ilustrar el tema de Silence?

En un dormitorio, los visitantes verán una pintura de Georges de La Tour. Verán el vídeo claroscuro de una vela centelleante en la oscuridad en un iPad por el diseñador coreano Heewon Kim. Este ejemplo combina consideraciones históricas y digitales. La noche pide silencio. Pero el silencio no debe provocar el miedo, nunca debe ser visto como una fuente de ansiedad. Al contrario, los visitantes encontrarán confort en la contemplación silenciosa de objetos arquetípicos, lisos y simples tallados en mármol blanco: una manera perfecta de relajarse, de desprenderse de las congojas del diario vivir. No obstante, nuestra intención aquí no es tocar la alarma; el mensaje es uno muy positivo. El silencio y el balance son producto de las soluciones que concebimos para nosotros mismos. El silencio es crucial, por la meditación que permite, la perspectiva que obtenemos. El tiempo que tomamos para nosotros mismos es el secreto para nuestro propio balance. Es el estado donde dos fuerzas, a veces contradictorias, se cancelan entre sí y alcanzamos un punto de armonía que todos anhelamos, donde estamos en paz con nosotros mismos.

Meditation Stool por Michael Anastassiades. Cortesía de Maison & Objet

Redescubrirse a sí mismo mientras se contempla la belleza es una experiencia reconfortante. La instalación es una oda al bienestar, un lugar de paz y serenidad, un viaje relajante a la felicidad que nos trae el balance y la conciencia de sí mismo nos traen. Un paraíso develado por el silencio.

Modern Human Tools por Elementary dKotaro Kanai. Cortesía de Maison & Objet

¿Podrías elaborar sobre el itinerario que imaginaste para ilustrar el tema dentro del Espacio de Inspiraciones?
Para nosotros fue obvio que el comienzo de nuestra historia tenía que darse en una habitación que ejemplificara esta sensación de estar saturado con imágenes. Al entrar a un salón cubierto con vídeos y pantallas de televisión, los visitantes se confrontan inmediatamente con el formidable choque de sonido antes de moverse y estar inmersos en silencio y descubrir cuán valioso es. Así que, al principio, estamos rodeados por sonidos de todos los rincones del mundo, el clamor de los cláxones, una explosión de objetos que colisionan con un ruido estruendoso. Un mosaico caótico representa la vida a la que estamos sujetos día a día; una existencia casi insoportable.

«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

Luego, los visitantes salen por un pasillo y escapan a otro salón. Ante sus ojos, la palabra silencio se despliega a lo largo del muro. Para añadir al elemento de humor y anclar la instalación en la realidad, hay tapones para los oídos disponibles. Traumas, una instalación por el artista plástico Dominique Blais, explora una condición médica: tinnitus, un zumbido desagradable en uno o ambos oídos, una patología que se manifiesta en el silencio. Una sucesión de salones y recesos ayuda a los visitantes a alcanzar un estado en donde pueden fantasear, hacer introspección y sentir el lujo del silencio, en donde encuentran una oportunidad para escucharse a sí mismos.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

El itinerario termina en la biblioteca — el ejemplo perfecto de un lugar silencioso — lleno de libros blancos, cada uno con un objeto blanco entre sus páginas, todos hechos a mano por maestros ceramistas.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Celebras el silencio. ¿Tiene el silencio su propio lenguaje?

El silencio formal se puede manifestar de distintas maneras. En un salón cubierto con poliestireno acústico, los visitantes pueden descubrir un vídeo por la artista Cécile Le Talec. Muestra un pianista mudo tocando una pieza musical en perfecto silencio. La historia se cuenta a través del movimiento, con la cámara enfocada en la expresividad de las manos, que hablan de su propio lenguaje silente. Los visitantes se mueven a otro salón en donde pueden ponerse audífonos y escuchar a sonidos que ya no estamos acostumbrados a escuchar. El silencio además expresa la idea de la serenidad. Un vídeo por el artista danés Grethe Sørensen (Maria Wettergren Gallery) nos adentra a un mundo interior. La noción del tiempo y nuestra percepción de lentitud son cuestionadas por un librero hecho de cristal colorido transparente — Deep Sea por Nendo para Glas Italia — que consiste en estantes de cristal creando una gradación de azules. Los visitantes también encuentran objetos misteriosos, como la selección de vasos de cristal soplado.

Deep Sea por Nendo para Glas Italia. Cortesía de Maison & Objet

El lugar completo es una invitación a pausar y observar la escenografía y permitirse sentir el paso del tiempo. Alrededor del espacio central, ocho recovecos, cada uno alojando una pieza, le da a los visitantes la oportunidad de estar cerca de los objetos en exhibición. El artista Matteo Gonet es un mago: encontró la forma de atrapar nubes. Una jarra de luna tradicional coreana, diseñada solo para el placer de contemplación, emite perfección. Otro recoveco muestra utensilios de madera que se usan en la tradicional ceremonia del té en Japón. En otro, un halo borroso evoca la idea de desaparecerse, nieve y hielo. Las sensaciones traídas por el silencio son fuertes y profundas; encuentran sus raíces en lo más profundo del ser. Son simplemente el portal a la serenidad y la felicidad.

De este viaje a través de la tierra del silencio, ¿qué objetos debemos tener en mente para mejorar nuestras vidas?El pabellón Nascondino por el diseñador Pierre-Emmanuel Vandeputte, una estructura de madera de color claro con un taburete, donde los usuarios se sientan envueltos en una cobija fieltro. Es una solución maravillosa para encontrar algo de privacidad dentro de tu propio hogar o alrededor de otros. Lo mismo sucede con las piezas Alain Gilles creadas para Buzzispace.

Nascondino por Pierre Emmanuel Vandeputte. Foto: Miko Miko Studio. Cortesía de Maison & Objet
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

 

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Hay una abundancia de soluciones de aislamiento disponible actualmente, la mayoría hechos de materiales compuestos, para mayor versatilidad.

www.maison-objet.com

Boricua estrena su pincel en paredes italianas

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Una de las aspiraciones de Natalia Nicole Rodríguez, mejor conocida como 2bleene, era plasmar su arte a gran escala fuera de Puerto Rico, y en solo cuatro días creó su mural más grande en las calles de Italia. 

2bleene Puglia, 2022 Italia – Imagen Suministrada

La pieza, ubicada en un edificio residencial en la ciudad de Nardó, Italia, fue comisionada por la organización Vivaiproject. Se trata de un  proyecto multidisciplinario de carácter artístico-cultural que promueve el proceso de investigación, experimentación y planificación participativa en el territorio italiano junto a artistas contemporáneos internacionales, según detallan en su página web.

La propuesta artística se dedicó a conmemorar la naturaleza del área. El mural fue inspirado en la flora que se encuentra en Porto Selvaggio, Nardó, particularmente la orquídea. 

Natalia Nicole Rodríguez (2bleene) – Imagen Suministrada

Esto fue casi natural para la artista (literalmente) pues su trabajo usual lo describe como una expresiva abstracción contemporánea entre sus encuentros con las flores/la naturaleza y sus años de trabajo como diseñadora gráfica.

Conoce más sobre la artista en: 2bleene y su eterna primavera

El reto más grande fue hacer el mural a mayor escala en toda su carrera y cambiar de técnica para plasmar su diseño. En entrevista con 90 Grados, 2bleene contó que usualmente dibuja directamente en la pared, de manera orgánica, y luego completa su mural. En este caso, al ser una pieza tan grande, tuvo que diseñar de antemano y plasmar puntos de referencia para crearlo a la perfección. “Es un método que nunca había usado y quería intentarlo para salir de mi zona de confort”, dijo. 

Natalia Nicole Rodríguez (2bleene) – Imagen Suministrada

La artista, quien se encuentra en el proceso de mudarse a Italia, también ha tenido la oportunidad de crear en otras ciudades como Cerdeña y Módena, inclusive en Villa Real en España.

“Ha sido todo bien positivo. Siendo alguien de Puerto Rico, una isla tan pequeña comparada con Italia, las personas lo ven increíble”, expresó 2bleene sobre la retroalimentación del público. 

Al indagar sobre su planes y proyectos futuros, la artista explicó que nunca ha tenido un plan, porque “las cosas siempre llegan”. Pero sus aspiraciones son “seguir viajando por el mundo, seguir pintando y representando a mi isla, que es un orgullo”. 

“Creo que es importante seguir creando, sin importar el resultado para seguir nutriendo nuestra creatividad e ideas, y así es que surgen las oportunidades poco a poco”, aconsejó.  

Conoce más sobre 2bleene a través de su página web: 2bleene.co y sus redes sociales como @2bleene

 

Viviendo la creatividad con Brenda Hopkins Miranda

El título del nuevo podcast de la pianista Brenda Hopkins Miranda, Vivir la creatividad, define el estilo de vida y el lema que aplica la artista en su carrera.

 

“Cuando tu haces música nos dejas saber quien eres, en lo que crees y cuales son tus sueños”, dijo Hopkins Miranda. Para la artista es importante expresar su arte auténtica y honestamente, y así lo detalla en uno de sus episodios del nuevo podcast Vivir la creatividad. Explicó que la música no sirve para mentir sino para reflejar la propia esencia de una forma que trasciende la imagen.

Presione la imagen para escuchar el podcast

 


La pianista que toca desde los 5 años siempre supo que quería estudiar música. “Cuando llegué a la edad de ir a la universidad me di cuenta que la música me había atrapado. No fue que yo la escogí a ella, ella me escogió a mí”.


Uno de los retos para los artistas a la hora de estudiar su campo de interés es enfrentar las críticas y preocupaciones externas. “Está el mito de que nos vamos a morir de hambre y yo todos los días me tomo el pulso y me doy cuenta que estoy viva”, dijo Hopkins Miranda acerca de las opiniones externas. Para su beneficio, su familia siempre la apoyó y fueron quienes le brindaron las herramientas, como su primer piano, para ejercer en lo que quería. La artista nacida y criada en San Juan recibió el apoyo de su padre originario del estado de Michigan y su madre del pueblo Corozal.



La artista se da la tarea de llevarle ese mensaje a sus estudiantes del Departamento de Música Popular en la Universidad Interamericana recinto Metropolitano (Inter Metro), en la que ha trabajado por más de 10 años. “Mi misión como educadora es entrar en ellos y que ellos puedan expresar su esencia, para mi eso es lo más importante en el arte”, añadió. 

El estilo musical de Hopkins Miranda trasciende de un solo género e influencias. “En el mundo que estamos viviendo, estando expuestos a tantas cosas, es bien difícil especializarse en una sola cosa porque estamos escuchando música de todas las partes del mundo”, dijo la pianista. Así mismo lo expresa en su podcast diciendo que no se considera una persona que toca un género, sino que los mismos se disuelven en su propio estilo musical. Por ejemplo, cuando vivió en España por un tiempo aprendió sobre la música Flamenco, y de ese momento hasta la actualidad ha adoptado métodos del género en sus composiciones.

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Entre sus composiciones se pueden identificar influencias de soul, blues, funk, jazz, classical, bluegrass, rock, flamenco y más. Su música se puede describir como una autobiografía o como un diario personal, pues representa su personalidad. “Estamos en un mundo donde hay tanta imagen y tanto producto que, para mi es bien importante que no desconectemos la música de la esencia de nosotros como personas”, dijo Hopkins Miranda. Aunque en el mundo de la música puede predominar la competencia, la imagen y el éxito, para la pianista resulta vital la satisfacción propia con lo que uno produce.

“Eventualmente me di cuenta que lo mío era la improvisación”, dijo Hopkins Miranda. A pesar de haber estudiado música clásica decidió optar por movimientos artísticos más modernos que le permitieran fluir en su composición. Ella describe la improvisación como “el lanzamiento al área de peligro” . Definitivamente la adrenalina y el envolvimiento musical que siente Hopkins Miranda es visible en su rendimiento. Ella denota que se alimenta de la energía del público. Es por esta razón que la artista no ha participado de la modalidad de conciertos en línea, que se popularizaron en medio de la pandemia del COVID-19. A cambio se dedicó a manifestarse a través de otras plataformas y medios, como sus videoblogs, componiendo música , videos musicales, y ahora su podcast.

En medio del confinamiento social lanzó tres sencillos para su próximo álbum que aún  sigue trabajando. Entre las canciones se encuentra Global que busca superar diferencias como cultura, idioma, creencias religiosas, género y edad que típicamente dividen a la sociedad. Su segundo sencillo se titula Salto al vacío que se trata sobre dar un salto de fe y arriesgarse a darlo todo. Por último, su lanzamiento más reciente fue La Buena Vida que reflexiona sobre cómo las cosas simples y profundas son las que se necesitan para crear una buena vida.

Este próximo domingo 3 de octubre la artista participará de su primer concierto presencial, organizado por Pro Arte Musical junto a Ricardo Pons y Henry Cole. El concierto comenzará a las 6 p.m. en la sala Pablo Casals en el Centro de Bellas Artes (CBA) en Santurce y los boletos están disponibles en la página de Ticketera.

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