Diseño

ConPRmetidos Abre Convocatoria Para Capacitación En Carpintería Y Ebanistería

Isabel Rullán, directora ejecutiva de ConPRmetidos, anunció el comienzo de su programa “ConPRmetidos Construimos” con la apertura de una convocatoria para aquellas personas que deseen capacitarse en el área de la construcción, específicamente en carpintería y ebanistería. La convocatoria estará abierta hasta el 8 de diciembre de 2023. Las personas interesadas en participar pueden completar su solicitud a través de: ConPRmetidosConstruimos.org.

“Tras los devastadores sucesos de los últimos seis años, la reconstrucción de Puerto Rico se vuelve más urgente que nunca. Actualmente, la Asociación de Contratistas Generales de Puerto Rico estima que para satisfacer las necesidades de la industria de construcción y continuar con los esfuerzos de reconstrucción, se requiere sumar más de 50,000 trabajadores. La gran necesidad de capital humano con conocimientos técnicos en Puerto Rico ha motivado esta nueva iniciativa de ConPRmetidos. En respuesta, nos estamos enfocando en becar a personas para participar en capacitaciones integrales, ofreciendo servicios de desarrollo laboral y mentoría”, explicó Rullán.

Los cursos se enfocan en capacitar a los participantes para contribuir a la reconstrucción de Puerto Rico y adquirir habilidades en disciplinas relacionadas con la construcción como lo son la carpintería y la ebanistería. Los cursos se ofrecerán a través de la Isla en diversas localidades como en los municipios de San Germán, Comerío, Trujillo Alto y Toa Baja. Estaremos pareando a los participantes con los cursos de acuerdo con el área geográfica.

Los requisitos para solicitar son: ser mayor de 17 años, mostrar motivación y compromiso para completar el curso y tener interés en trabajar en el campo de la construcción. No es necesario tener conocimiento previo en este campo.

Algunos cursos comenzarán a mediados de enero, pero habrá algunos cursos que comenzarán posteriormente. La duración de los cursos fluctuará entre 6 a 12 semanas.

Aunque los cursos tienen un costo de sobre $2,500, ConPRmetidos estará sufragando la mayor parte de este costo y becará a los estudiantes que sean seleccionados para participar de los mismos, sin embargo, los participantes tendrán que pagar una matrícula de $300, la cual se reembolsará al finalizar el programa a aquellos estudiantes que completen el 90% del curso.

“ConPRmetidos ya cuenta con una exitosa trayectoria de apoyo a la reconstrucción de Puerto Rico. A través de nuestro programa Collaborative Impact, hemos distribuido más de $3.3 millones y apoyado cerca de 70 proyectos de desarrollo económico en la Isla, generando un impacto económico de $24 millones. Confiamos que con el programa “ConPRmetidos Construimos” continuaremos apoyando la reconstrucción de Puerto Rico mediante el desarrollo de su capital humano”, concluyó Rullán.

La Artista Verónica González Explica En Detalles Su Proyecto En El Metropol

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Para la creación del nuevo espacio, Verónica González escogió un estilo moderno. Sin importar cuan diferentes fueran los materiales que utilizara en su proyecto,  la artista buscaría la manera de preservar la armonía en la decoración. Creando un fuerte contraste en la composición del espacio, Verónica logró integrar las propiedades visuales del metal, la madera y el ratán para infundirle un carácter distintivo a cada área especializada del restaurante dentro de una misma estética industrial.

«Hay cinco elementos que se repiten: las losas, la madera, el ratán, el metal y el papel tapiz. Al igual que esta losa parece oxidada, la mesa exterior también simula el efecto oxidado. Tienes el metal del techo creando un camino, y ese mismo metal se repite en las cabinas. De repente, tenemos unas losas hexagonales con cemento pulido en el salón, y en el área de la barra tenemos lo mismo. El cemento pulido se combina con una losa más tropical y ese tropical está combinándose con el papel tapiz que tienes en la cabina al lado contrario de esa área. Los colores son neutrales, pero siempre destacamos un color en particular. En este caso, el cliente se fue con los azules y los teals . Esos mismos colores los tienes en el vinilo, en las asentaderas, en algunas columnas combinándose con las losas que tienes en la barra. Hay un azul en cada cuarto que te diriges», explicó.

Uso del ratán en las sillas y el techo. Imagen: Valeria Falcón

En el ámbito comercial, los objetos del interior deben ser lo suficientemente duraderos para resistir el desgaste natural. Verónica se aseguró de que la calidad de los materiales que escogió para el restaurante fuesen los adecuados para este propósito. «Los lugares comerciales necesitan productos bien fuertes porque se van a utilizar. En un restaurante la meta es sentar a tus clientes», expresó.

Algunos de los recubrimientos del Metropol fueron suplidos por The Tile Shop & The Marble Shop en Puerto Rico. Imagen: Valeria Falcón

El gran tamaño del restaurante y las necesidades particulares de cada espacio retaron a Verónica a buscar soluciones creativas a los problemas estructurales. «En este proyecto trabajamos en colaboración. Ya teníamos un esquema preliminar de dónde iba a estar ubicada la barra, cuantas mesas y sillas quería el cliente, y las demás ubicaciones. Hubo algunos cambios que hicimos, pero yo te puedo dejar saber que el lugar no es rectangular, ni ovalado. Es como una V, pero bajo esa V tienes diferentes cuartos y espacios. Tuvimos que ser un poquito savvy al ubicar las cabinas. Teníamos ya columnas existentes que no podíamos tumbar. Hay una columna redonda enorme que decidimos que fuera parte del diseño», reveló Verónica.

Arte por Roberto Biaggi. Imagen: Valeria Falcón

La integración entre los elementos decorativos y funcionales forma parte de la filosofía que guía a Verónica en la creación de sus espacios. «Estamos dividiendo las áreas, pero de una manera creativa, elegante y linda. Determinamos que la columna fuese parte del diseño. Para ella, usamos una losa subway pero con una textura tridimensional que tiene movimiento. En las cabinas, implementamos una forma ovalada, como en media luna, para que el grupo se sienta más cómodo. En la división entre un espacio y otro utilizamos una cadena que incorpora una obra de arte de Roberto Biaggi», señaló.

V Design Studio: Zuleima González, Adryana Gómez y Gabriela Pérez, Imagen Suministrada

Verónica, junto a su equipo en V Design Studio, se asegura de infundir su marca personal a todo lo que hace. La fundadora transmite el optimismo de su personalidad a sus clientes, y no pierde la oportunidad para comunicar la pasión que siente por su trabajo. «V Design Studio es un equipo de “babes”…es mi palabra favorita. Ya se convirtió en una marca. Somos un equipo bien unido, me encantan mis chicas. Llevo 9 años en esta industria y 6 años con V Design Studio.  Me fascina mi profesión, estoy apasionada. La creación de espacios es un reto muy grande al que me enfrento cada día con mucho entusiasmo», expresó Verónica.

Para mantenerte al día de las mas recientes creaciones de Verónica junto a V Design Studio y para ver sus proyectos pasados, visita su red social vstudiopr en Instagram.

Metropol Moderniza Su Nuevo Restaurante En El Hotel Sheraton

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El restaurante Metropol estrena un cambio de imagen en su nuevo local en el Distrito de Convenciones en Miramar a cargo de la artista Verónica González . El nuevo espacio, ubicado en el primer nivel del estacionamiento multipisos del Sheraton,  abrió sus puertas al público luego de operar durante siete años en el área del vestíbulo del hotel. Metropol no solo duplica su cabida en sus nuevas facilidades, sino que ofrece una nueva experiencia a sus clientes gracias a la creación de un espacio moderno a cargo de Verónica junto a su equipo de V Design Studio.

«Los clientes querían una nueva imagen, algo distinto a los demás restaurantes Metropol. Nosotros nos propusimos hacer un cambio drástico que se asegurara de preservar los elementos latino-cubanos que distinguen a este lugar. Lo puedes ver en la cortina de cadenas impresas con el arte de Roberto Biaggi representando al jíbaro y en los materiales como el ratán. Es una decoración que te hace pensar en los días de nuestros abuelos y bisabuelos», compartió Verónica a 90 Grados en entrevista.

Verónica escogió una estética industrial que combina multiplicidad de materiales; algunos suplidos por The Marble Shop y The Tile Shop en Puerto Rico. Imagen: Valeria Falcón

Mientras le daba un giro contemporáneo, Verónica no perdió de perspectiva el concepto original del restaurante. Los elementos criollos debían estar presentes, pero con mayor sutileza. La modernización del interior se mantendría fiel a la tradición de la marca. En su nueva propuesta, los detalles cuidadosamente escogidos continuarían comunicando la esencia criolla del restaurante.  «Queríamos que se viera que estamos en un puertorican-cuban vibe, pero un poquito más modernos. Incorporamos elementos alusivos a la cultura caribeña sin ser tan obvios», nos explicó.

Previo a la intervención de Verónica, el Metropol contaba con la misma decoración en todos sus restaurantes. «Yo creo que cuando entras a los otros Metropol sientes que estás en un lugar estilo cafetería, un lugar donde recuerdas ir de pequeño con tus familia», compartió la artista. Los materiales originales reflejan las opciones limitadas de los suplidores cuando el restaurante se estableció por vez primera en Puerto Rico. «En aquellos tiempos se utilizaban las mismas mesas y sillas en todas partes. Era algo de la norma. No todo el mundo podía traer cosas de Estados Unidos o de otras partes del mundo. Tampoco utilizaban ebanistas para crear estos espacios», compartió Verónica.

El área de la cava ofrece una extensa variedad de vinos en un espacio privado. Imagen: Valeria Falcón

Verónica cree firmemente que el nuevo interior del Metropol podría competir con otros restaurantes a nivel internacional. «Este restaurante pudiese estar en Nueva York, en Miami o en cualquier ciudad, y el que lo vea puede decir que fue bien pensado y diseñado. Hay un principio y un fin que se logró. En Metropol encontramos esa armonía y esa cohesión», afirmó.

Ubicado en las cercanías del Centro De Convenciones y el Distrito T-Mobile, el generoso plantel del Metropol ofrece distintas áreas que se ajustan al tipo de experiencia que buscan sus clientes. En su nuevo formato, el comedor, la barra, y la bodega del restaurante, son lo suficientemente espaciosos para acoger a un gran numero de personas  . «Este es un lugar grande en donde puedes venir con un grupo de 8 a 20 personas. Aunque sea muy espacioso, no se convierte en un restaurante cinco estrellas. Sigue siendo un lugar informal en donde puedes comer en familia».

Verónica González cuenta con un equipo de arquitectas y diseñadoras en V Design Studio. Imagen Valeria Falcón

Además de la intervención de V Design Studio, la creación del nuevo plantel estuvo a cargo de la firma desarrolladora Interlink y de Designers and Contractors, TC Corp a cargo de los arquitectos Ernesto Cabrera y Gabriella Morales.

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Miss Puerto Rico Petite Y Miss Puerto Rico Teen Tienen Un Nuevo Director

Los certámenes Miss Puerto Rico Petite y Miss Puerto Rico Teen, que se han realizado con éxito por más de tres décadas en la Isla, estarán bajo la dirección del experto en belleza y destacado estilista Javier Moreno, anunció hoy el dueño de ambas marcas, Carlos “Monty” Montaner.

Durante los pasados tres años, Moreno se destacó como director creativo y de imagen de ambas marcas, siendo pieza clave para que se lograran tres coronas internacionales y un virreinato. En las pasadas tres ediciones de Miss Petite International, Puerto Rico ha logrado alcanzar las más altas posiciones, con la corona de Yannina Ruiz en 2021, el puesto de Virreina con Amanda Ramos en 2022, y la conquista nuevamente del título con Krystal González en 2023. En cuanto al Miss Puerto Rico Teen, Zamira González conquistó la corona de Spectacular Teen, en 2022.

“Miss Puerto Rico Teen y Miss Puerto Rico Petite ocupan un lugar especial en mi corazón porque fue en estos concursos en donde di mis primeros pasos como profesional de la belleza y promotor, incluso antes de saber que me dedicaría a esto. Estos concursos siempre han sido una escuela y un escaparate para muchísimas mujeres que hoy día vemos en la televisión y en muchas otras facetas importantes de liderazgo en nuestro país”, dice Moreno.

Relata, además, que fue siendo director creativo de ambas competencias cuando tuvo la oportunidad de recibir palabras de agradecimiento y mensajes de superación de muchas de las candidatas y pudo ver su propósito y el gran impacto que podía hacer en su futuro y en especial en su salud emocional.

“El mayor don que Dios me regaló no fue embellecer externamente a las mujeres, mi don radica en cómo esas mujeres se sienten luego de ese proceso. Esa seguridad que crece dentro de ellas cuando las ayudó a descubrir y desarrollar sus cualidades más lindas. Siento una pasión increíble por compartir lo que sé con ellas y por hacer crecer su autoestima, pues es bien sabido que una mujer con una autoestima saludable es una mujer imparable”, expone. “Hoy día existen muchos concursos y vivimos en una época de una inclusión en desarrollo donde todo tipo de mujeres puede competir donde quieran, pero rara vez les permiten llegar lejos y difícilmente ganar. No es una opinión, ahí están los resultados. Sufro cada vez que veo chicas en eventos donde no las van a considerar realmente para ganar, donde ellas no lograrán ese desarrollo óptimo, pues siempre estará en la parte de atrás de sus cabezas esa voz diciéndole, nunca ha ganado una petite. Yo creo en la inclusión, claro que sí, pero al igual que en los deportes y muchas otras disciplinas existen categorías para equilibrar y hacer justa la competencia”.

Moreno destaca que su interés principal como director es que cada una de las candidatas descubra su potencial, lo desarrolle y se convenzan del gran poder que tienen como mujeres. “La mayoría de las mujeres de Puerto Rico son Petites y les aseguro que son las más bravas. Esta plataforma y yo personalmente no dejaremos escapar a ninguna mujer con potencial porque mida X estatura. Aquí todas tienen la oportunidad de desarrollarse, ganar y, por supuesto, tendrán el privilegio de mostrar las agallas de la mujer puertorriqueña”.

De otra parte, Carlos “Monty” Montaner, dueño y productor de Miss Puerto Rico Petite y Miss Puerto Rico Teen brindó todo su apoyo a Moreno en esta nueva encomienda y expuso que con su integración seguirán caminando firmes a uno de los propósitos principales de ambos concursos.

“Estos certámenes fueron creados con el propósito de brindar la mejor experiencia a las chicas adolescentes o a las mayores de edad que miden menos de 5’6″ en Puerto Rico. Nos sentimos honrados de poder seguir trabajando para que nuestras candidatas y reinas reciban las mejores herramientas y el conocimiento necesario para poder tener éxito en el mundo de la belleza y el entretenimiento. Javier Moreno siempre ha sido parte de nuestra familia Teen y Petite y siempre ha traído grandes aportaciones a nuestro equipo. Sabemos que con su integración como director general nuestras candidatas se llevarán una experiencia inolvidable”, dice Montaner.

Las inscripciones para Miss Puerto Rico Teen y Miss Puerto Rico Petite están abiertas para las chicas interesadas en vivir esta experiencia. Para más información puede llamar o escribir un mensaje al 787-344-1950.

Mix Presenta La Disonancia Creativa De Los Materiales

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Mix Marmo & Mix Pietra

Inspirándose en una variada mezcla de superficies, Isla Tiles presenta la serie Mix; una colección diseñada para celebrar la libertad de experimentar con diferentes estilos y combinaciones. La integración de materiales de Mix amplía sus opciones decorativas con diseños basados en las propiedades visuales de la piedra, el mármol, el roble y el metal. El concepto detrás de esta colección busca la variedad a través de la disonancia: la combinación de estilos a través del uso inteligente de sus diferentes texturas. La expansión de sus de opciones dentro de una misma serie desarrolla un rico lenguaje visual variado que se adapta con mayor facilidad a las necesidades específicas de cada proyecto de interior. Enfocándose en ofrecer mayor libertad a sus usuarios, las posibilidades que ofrece Mix de Isla Tiles fomentan el desarrollo de un estilo propio en espacios residenciales y comerciales.

Mix Legno

La uniformidad de los interiores decorados con Mix Marmo se realzan con el lustre de su brillante cepillado y el suave acabado satinado de su superficie. El fuerte carácter en la piedra verde de Mix Pietra exhibe el impacto de su personalidad en cada uno de sus detalles. El Efecto de grano amplio y alto contraste que ofrece Mix Legno comunica con sus vetas el encanto distintivo del roble. La propuesta atrevida de Mix Metallo imprime en su aspecto metálico y oxidado el asertividad y la audacia de un metal resistente. Floreale Mix junto a Felce Mix reproducen el efecto floral del papel tapiz para complementar a la perfección las superficies solidas de la serie.

Mix Metallo

A través de una combinación ecléctica, Mix permite el esparcimiento variado de diferentes estilos en la decoración dentro de un mismo espacio. La ligereza del mármol y la naturalidad del roble se unen provocativamente a la rusticidad e impacto de la piedra y el metal. La superposición de distintos estilos en una misma colección resalta las características de cada material, y potencia su impacto por medio del contraste. Mix ofrece un variado esparcimiento de texturas simultaneas para quienes no se conforman con las restricciones y las limitaciones de un solo estilo en sus recubrimientos.

The Tile Shop y The Marble Shop son los distribuidores de Mix de Isla Tiles en Puerto Rico.

MoMA Presenta Su Primera Exposición De Diseño Moderno Latinoamericano

The Museum of Modern Art presenta Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980, la primera exposición en uno de los museos más importantes de Estados Unidos en examinar el diseño moderno de la región a
gran escala. La exposición, que se podrá visitar del 8 de marzo al 22 de septiembre de 2024, se centra en seis países (Argentina, Brasil, Chile, Colombia, México y Venezuela) que compartieron procesos similares de modernización y encabezaron el desarrollo del diseño doméstico moderno en América Latina. A través de alrededor de 150 objetos, que incluyen muebles, diseño gráfico, textiles, cerámica y fotografía, procedentes de la colección del MoMA y de colecciones públicas y privadas de Estados Unidos, América Latina y Europa, la exposición mostrará cómo el campo del diseño en América Latina ofrece una valiosa plataforma para examinar y comprender transformaciones políticas, sociales y culturales más amplias en la región. Crafting Modernity: Design in Latin America, 1940–1980 está organizada por Ana Elena Mallet, curadora invitada, con Amanda Forment, asistente curatorial del Departamento de arquitectura y diseño, The Museum of Modern Art.

Clara Porset (Mexican, born Cuba. 1895–1981), Butaque. 1957. Imagen Suministrada

La exposición se centra en el periodo de la posguerra en América Latina, un momento de dramáticas transformaciones caracterizadas por un gran crecimiento económico y una rápida modernización. En la década de 1940, mientras la Segunda Guerra Mundial causaba estragos en Europa, los países de esta región reemplazaron bienes que tradicionalmente se habían importado con una producción nacional. Los materiales fácilmente disponibles llevaron al crecimiento exponencial de las industrias nacionales, generando oportunidades profesionales para los diseñadores locales. A fines de la década de 1970, una serie de crisis económicas se desataron en toda la región, marcando el fin del modelo desarrollista en América Latina, un periodo que se definió por el rol del Estado en promover la modernización y fomentar un mercado interno para los bienes de consumo. Con esta exposición esperamos acercar al público a las estrategias que se han utilizado en el campo del diseño en América Latina, especialmente el diseño para el entorno doméstico, para reflejar las visiones multivalentes y complejas de la modernidad que tienen lugar en la región”, dijo Ana Elena Mallet. “A través del estudio de los objetos, la cultura material y otras formas de expresión, se pueden entender las diversas aproximaciones al territorio y su cultura y los distintos matices que hay América Latina”.

La exposición examinará críticamente la relación del MoMA con el diseño latinoamericano, comenzando en 1940 con el Industrial Design Competition del Museo para las 21 American Republics. Los trabajos ganadores fueron exhibidos como parte de la muestra Organic Design in Home Furnishings del MoMA, que se inauguró al año siguiente, organizada por Eliot Noyes, director del Departamento de Diseño Industrial del Museo. La convocatoria
alentaba a los diseñadores latinoamericanos a “usar materiales y métodos de construcción locales”, presentando así una visión del diseño latinoamericano que promovía la evolución de las tradiciones artesanales locales. Los ganadores del concurso, como Clara Porset y Michael van Beuren (ambos de México), fusionaron influencias modernistas con materiales y saberes locales en sus diseños. Esta sección incluye material de archivo de la exposición
de 1941, y algunos de los diseños ganadores, como el sillón Alacrán de van Beuren (c.1940).

Oscar Niemeyer (Brazilian, 1907–2012). “Modulo” Low Table. 1978. Imagen Suministrada.

Otro núcleo versará sobre los interiores domésticos, lugares de experimentación para la vida moderna que fueron fundamentales para fomentar el diseño en la región. Estudios de caso hogares de distinguidos personajes como la Casa de Vidrio de Lina Bo Bardi (Brasil, 1951), la “Casa Sobre el Arroyo” de Amancio Williams y Delfina Gálvez en Mar de Plata, Argentina (1943–1946) así como la casa de Alfredo Boulton en Pampatar, cuyo mobiliario
fue diseñado por Miguel Arroyo (Venezuela, 1953), servirán para señalar cómo el diseño impactó las distintas maneras de vivir. Otra sección explorará el surgimiento de la profesión de diseñador en América Latina examinando los círculos creativos que ayudaron a fomentar nuevas oportunidades para el crecimiento industrial en la región. También se examinará el papel de los diseñadores como empresarios y su participación con marcas internacionales
como Knoll y Herman Miller. A lo largo de la exposición, se enfatizará el papel que desempeñaron las mujeres y los inmigrantes en la configuración del diseño profesional y el desarrollo de un vocabulario de diseño nacional en América Latina, incluído el trabajo de diseñadores como Clara Porset en México, Cornelis Zitman en Venezuela y Susi Aczel en Argentina.

Lina Bo Bardi (Brazilian, born Italy. 1914–1992). Bowl Chair. Imagen Suministrada.

Crafting Modernity considera el desarrollo de las industrias nacionales en varios países de la región, particularmente Argentina, Brasil y Chile, y el impacto de la Industrialización por Sustitución de Importaciones (ISI) en la era de la posguerra, cuando los modelos de producción respondían a condiciones específicas del mercado y a gustos locales. La exhibición mostrará la intersección de las tradiciones locales y artesanales con el modernismo, utilizando ejemplos clave como la Silla de tres patas de Joaquim Tenreiro (Brasil, 1947) y la Silla Ovejo de Jaime Gutiérrez Lega (Colombia, 1972). Esta sección también señalará cómo algunos diseñadores de objetos vernáculos que, si bien formaron parte de la modernidad latinoamericana, no fueron acreditados en su momento. Muchos hogares vivieron con estas piezas significativas, tal es el caso del trabajo textil de Luis Montiel (Venezuela), y Madalena Santos Reinbold (Brasil). A lo largo de las diversas crisis que enfrentó América Latina, la artesanía y el trabajo hecho a mano permanecieron como una práctica resiliente y persistente en la región, y se convirtió en una forma de identidad en
sí misma.

En el periodo que abarca la exposición, América Latina no era de ninguna manera, un territorio homogéneo, y los diseñadores activos en la región propusieron visiones a veces contradictorias de la modernidad. Para algunos, el diseño fue una evolución de las tradiciones artesanales locales, lo que condujo a un enfoque que combinaba técnicas
manuales centenarias con métodos industriales. Para otros, el diseño respondía a las condiciones del mercado y a los gustos locales, y se basaba en tecnologías y procesos mecanizados disponibles. Propusieron diseños arraigados en nuevos repertorios visuales utilizando tecnologías propias, que se habían desarrollado como resultado de las crecientes industrias nacionales. Rechazaron el historicismo y abrazaron los movimientos internacionales de vanguardia. Crafting Modernity trazará estas diferencias entre países y explorará cómo los diseños para entornos domésticos reflejaron ideas de identidad nacional, modelos de producción y formas de vida modernas.

Saul Bass: El Artista Que Revolucionó El Cartel Publicitario

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A mediados del siglo XX, Saul Bass, quien se podía jactar de haber tenido de maestro a uno de los grandes pedagogos de la Nueva Bauhaus (György Kepes), soñaba con revolucionar el mundo de la publicidad en su nuevo trabajo como artista gráfico de Warner Brothers.  Sin embargo, en muy poco tiempo, Bass chocó con la cruda realidad del negocio en el que había puesto todas sus esperanzas. El titan de la cinematografía no necesitaba un artista de vanguardia, sino aumentar sus ventas taquilleras, y para lograrlo Bass debía adherirse a las viejas fórmulas de la industria.

Con el transcurrir de los meses, Bass abandonó su optimismo ingenuo y se adaptó a las demandas de su nuevo trabajo. Con impresionante diligencia, el joven artista se convirtió en un estudiante modelo, y sus carteles cada vez satisfacían más a sus jefes, pero se alejaban de su visión personal.  Sus creaciones, que con el pasar del tiempo comenzó a detestar, no eran más que imitaciones trilladas de un estilo que perdía su eficacia para mover al público amante del cine.

Saul Bass

El exceso de creatividad se convirtió en el mayor obstáculo de Bass durante este periodo. El joven artista comenzó a sentir aversión contra su profesión, y la monotonía no tardó en instalarse en su trabajo diario en el despacho de los hermanos Warner.

El tedio, que pudo haber pulverizado la creatividad de Bass, terminó por impulsarlo a tomar la decisión de abandonar Nueva York en busca de nuevas oportunidades. Afortunadamente, el cambio de clima y los nuevos proyectos que surgían en California, le permitieron explorar nuevas ideas en vez de restringir sus dotes artísticos. Las agencias de publicidad de Los Ángeles acogían y alentaban las novedosas propuestas de Bass, quien todavía no alcanzaba en aquellos días el prestigio por el que sería reconocido el resto de su vida.

En la carrera de un artista siempre existe una obra que marca un antes y un después en su producción creativa; una pieza definitoria que abre un mundo de posibilidades que anteriormente permanecían ocultas bajo un velo. Una vez cruza el umbral de lo desconocido, se le hace muy difícil dar vuelta atrás, pues el genio ha transformado para siempre su propia conciencia y la de sus contemporáneos.

La secuencia de eventos que catapultó a Bass a la fama surgió con una propuesta de diseño como cualquier otra. El artista neoyorquino debía crear un afiche publicitario para Champion; un filme protagonizado por Kirk Douglas y Marylin Maxwell, quienes, en la cúspide de su juventud, ejercían una influencia hipnótica sobre su fanaticada. Esta era una nueva oportunidad en la que Bass podría, finalmente, integrar su visión creativa con la mercadotecnia de Hollywood.

Champion narraba la apasionada historia de un boxeador poseído por una ambición de hierro que lo impulsa a hacer lo indecible para alcanzar la gloria en el deporte. Si bien Douglas y su compañera de reparto triunfarían como super estrellas del cine de Hollywood, Saul Bass haría lo mismo en la historia del diseño gráfico. La ilustración de Bass rompió para siempre el viejo esquema y las convenciones que regulaban el diseño de la época, y lo catapultaron a la fama internacional

Utilizando una técnica contraintuitiva hasta entonces, Bass potenció el impacto de su cartel enfocando la mirada del espectador hacia el centro de su composición.  Kirk Douglas y Marilyn Maxwell se convierten en un pequeño logotipo a mediatinta, mientras una explosiva tipografía roja salta a la vista anunciando el nombre de la película. A través de un amplio uso del espacio negativo y la simplificación de sus figuras, los afiches de Bass causaban un gran impacto con un reducido número de elementos.

La década de los cincuenta representó un despunte para la carrera artística y profesional de Saul Bass. Luego de este éxito sin precedentes, Bass continuó su carrera profesional como ilustrador independiente. Libre y sin las restricciones que limitaban su potencial para proyectar e impactar con las imágenes, Bass desarrolló un nuevo lenguaje simbólico que a sus colegas artistas no les quedó más remedio que imitar. La nueva filosofía pictórica de Bass consistía en representar de manera sucinta y contundente las cualidades esenciales de las películas.

Utilizando el rico recurso del modernismo del arte europeo, Bass supo aprovechar, como ningún otro ilustrador, las técnicas del arte abstracto, incluyendo el collage y los juegos tipográficos del dadaísmo. El resultado fue una serie de diseños emblemáticos que acompañaron algunos de los mayores éxitos taquilleros de la pantalla grande. Los afiches de The Man With The Golden Arm (1955), Anatomy of a Murder (1955), hasta la secuencia de los créditos móviles de la película Psycho (1960) del maestro del horror, Alfred Hitchcock surgen de la mente visionaria de Bass.

Gracias a las innovaciones de Saul Bass, el diseño gráfico ha escrito un nuevo e importante capítulo en la historia y desarrollo del arte. Sus afiches para películas se convirtieron en un manual de estilo del buen diseño, y en fuente de inspiración para las generaciones futuras. Luego de su gran éxito en la industria del cine, Bass desarrolló logotipos para Geffen Records, Hannah Barbera, AT&T, United Airlines, y para su antiguo patrono -ahora bajo un nuevo nombre-, Warner Bros.

Unique Marble Presenta Lo Mejor De Los Dos Mundos

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La serie Unique Marble de Provenza extiende las posibilidades creativas de la belleza clásica con una estética moderna y flexible para todo tipo de proyectos.  El encanto distintivo de sus diferentes tipos de mármol se integra armoniosamente con la informalidad refrescante de la resina, para crear una diversidad sorprendente de estilos dentro de una misma colección. Los juegos perceptuales que ofrece Unique Marble en su combinación de materiales extienden el lenguaje del diseño para integrar experiencias nuevas a través del contraste.

La versatilidad de Unique Marble consiste en su capacidad para crear piezas funcionales y novedosas en sus distintas modalidades. La paleta de posibilidades que Provenza integra en esta colección la consistencia de una superficie monocromática con las combinaciones fascinantes de sus cinco colores de mármol. Ambra posibilita la creación de magnitudes impresionantes que resaltan la solidez tonificante del color claro de la resina.

Modelo Ambra Para El Recubrimiento Del Piso

Los cortes distintivos y los patrones de vetas que destacan la elegancia del mármol se reflejan en los modelos Paonazzetto, Calcatta Regale, Bianco Siena, Moon Grey y Sahara Noir.

Sahara Noir

Mezclando lo mejor de los dos mundos, el color solido de Ambra se potencia aún más través de la coherencia unitaria que Decoro Ambra ofrece a los espacios con su combinacion de resina y mármol. Las piezas que inspiran este diseño crean impresionantes opciones complementarias que se integran armoniosamente en ambos formatos.

Modelo Decoro Ambra Para El Recubrimiento De La Pared

Unique Marble ha desarrollado un punto de anclaje común que permite la integración de dos estilos distintos mientras elimina las tensiones naturales de cada material. La reinterpretación del mármol utilizando materiales contemporáneos ofrece soluciones novedosas que se ajustan a todo tipo de gusto. La combinación magistral entre las propiedades del mármol y la resina hacen de esta colección de Provenza la opción predilecta para creación de interiores cautivantes. La eficacia creativa de las piezas en esta colección ofrece un lenguaje común entre dos materiales que proveen opciones armoniosas entre sí.

Combinación de Mármol & Resina

Los productos de Unique Marble de Provenza son distribuidos en Puerto Rico por The Tile Shop y The Marble Shop

Liderando A Través Del Diseño: Renombrados Arquitectos Puertorriqueños Cuentan Su Historia

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El pasado sábado, 21 de octubre, se celebró en La Concha Resort el panel titulado «Leading Through Design» a cargo de los renombrados arquitectos puertorriqueños Segundo Cardona, José Marchand-Sifre, Fernando Abruña y Jorge Rigau. La actividad fue moderada por los arquitectos José David Mejías y Adriana Ostolaza, como parte de la celebración de la Convención Anual del capítulo de Puerto Rico del Instituto Americano de Arquitectos (AIAPR).

Durante el panel los invitados de honor tuvieron la oportunidad de compartir importantes anécdotas acerca de su desarrollo profesional en el mundo de la arquitectura. Llevado a cabo en un formato ameno y conversacional, el panel les permitió a los cuatro arquitectos compartir su visión personal de la profesión, además de obsequiarle al público la vasta experiencia acumulada durante sus carreras de más de 40 años.

El arquitecto Fernando Abruña, considerado una autoridad en el diseño y la construcción sostenible en Puerto Rico, narró las experiencias personales que marcaron para siempre el rumbo de su vida personal y profesional. Abruña destacó que no siempre tuvo clara su vocación, pues llegó a interesarse por materias tan diversas y remotas como la psicología y la economía doméstica. «Fui bastante diletante, en el sentido de que yo cogí cursos de todo lo que se pueden imaginar, porque yo, realmente, ni sabía lo que quería estudiar», recalcó. Sin embargo, el estudio de estas disciplinas y una profunda reflexión acerca del impacto del ser humano en la naturaleza lo encaminaron finalmente hacia el diseño sostenible.

Los invitados tuvieron la oportunidad de hacer preguntas al panel. Imagen: Valeria Falcón

José Marchand-Sifre relató cómo, debido al limitado mercado laboral en Puerto Rico, se enfrentó con la dificultad de encontrar trabajo tan pronto salió de la universidad. Luego de ejercer la profesión varios años en los Estados Unidos, Marchand regresó a Puerto Rico en donde comenzó a colaborar con colegas de Atlanta para un proyecto del Hyatt en la isla. Acerca del origen de la fundación de su firma de arquitectos junto a Marvel, Marchand relató entre risas que en una reunión el representante del Hyatt les dijo «…sabes que nos vas a simplificar la vida a nosotros si ustedes dos trabajan juntos en una misma oficina».

Por su parte, el arquitecto Jorge Rigau compartió con el público el proceso de investigación y los retos que enfrentó para fundar la escuela de arquitectura de la Universidad Politécnica. Rigau expresó que esta «fue una oportunidad única porque la Universidad Politécnica me dejó, primero que nada, plantear un currículo con el que uno creía que podía formar arquitectos para Puerto Rico». Rigau relató que uno de los logros principales de esta escuela fue lograr integrar en su oferta académica las destrezas de un grado de maestría al programa de bachillerato, además de enfatizar la historia de la arquitectura en el caribe con el fin de democratizar su estudio en la isla.

Segundo Cardona, miembro de la primera clase de arquitectura de la UPR, confesó que su amor por la profesión se remonta a los años de su juventud. «Siempre quise ser arquitecto… incluso llegué de niño a jugar a ser arquitecto sin saber en qué consistía», expresó Cardona. A pesar de que en su familia nadie había ejercido la profesión, tuvo la oportunidad de desarrollarse plenamente gracias a sus mentores -entre los que se encuentra el arquitecto alemán Henry Klumb– y a la experiencia enriquecedora de viajar a Europa en donde tuvo la oportunidad de visitar el taller del arquitecto finlandés Alvar Alto.

Recepción en el La Concha Resort. Imagen: Valeria Falcón

La presentación de estos importantes arquitectos formó parte de las actividades que se llevaron a cabo durante en la edición 2023 de la convención anual de la AIAPR en formato virtual y presencial. Bajo el título «Leading Though Design», el evento se celebró desde el 18 al 21 de octubre con un programa educativo dirigido a arquitectos y profesionales de las industrias creativas y de la construcción.

Para obtener más información acerca de las actividades futuras de la AIAPR, no olvides visitarlos en su página oficial y redes sociales.

Página web :  www.aiapr.com

Instagram: www.instagram.com/aiapr

Facebook: www.facebook.com/aiapr

 

Las Piedras Exóticas Inspiran A Unique De Portobello

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Unique de Portobello se inspira en la piedra de las regiones más remotas del mundo para la creación de una colección de recubrimientos ecléctica que se mantiene fiel a su diseño natural. Tal como lo indica su nombre, la variedad de opciones en esta serie única ofrece opciones flexibles que se adaptan a las necesidades y a las exigencias de todo tipo de interiores.

Or de Cacau

Exhibiendo una sutil mezcla que deleita los sentidos, Portobello apuesta por la unión inusual entre los matices del oro puro y el cacao. En las losas Or de Cacau, la sensación de lujo del oro se realza sobre el intenso tono achocolatado de sus recubrimientos. Su delicado diseño simula el efecto de líneas doradas sumergiéndose en una superficie de dulces colores complementarios. Influenciada por el estilo de los mármoles españoles, este modelo transmite una experiencia sensorial rica en alusiones lujosas y exóticas.

Classic Marquinia

De fondo negro con vetas blancas, Classic Marquinia recrea el contraste de un mármol intenso elaborado en el norte de España.  Su color blanco, distribuido irregularmente a través de sus líneas, sirve de contrapunto a la intensidad opaca de su superficie. La coherencia armónica de estos dos elegantes tonos revitaliza la combinación clásica entre el negro y el blanco.

Nero Ventano

Nero Ventano posee las asombrosas propiedades de un popular mármol pakistaní que ha extendido su fama hasta las costas de Italia. La variedad bien proporcionada de su diseño y la intensidad de sus vetas blancas y doradas le ha ganado su fama internacional. Sus líneas, sofisticadamente asimétricas, se asemeja a la fina agua que grácilmente cae sobre la superficie de las piedras de los ríos.

Black Supeme

Para la creación de Black Supeme, Portobello se inspira en Adalya, una hermosa piedra negra con sobreposiciones en dorado importada desde Turquía. Su encantador efecto minimalista se recrea en todo su esplendor a través unas vetas claras y sencillas que preservan los rasgos distintivos de la piedra original. Los detalles plasmados en la superficie de sus imponentes capas en negro demuestran la ambición y el esfuerzo creativo de Portobello en la creación de este diseño.

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