Diseño

Arte sublimado en telas de material reciclado

Obras de arte de pintores puertorriqueños como José Campeche, Francisco Oller, Lorenzo Homar, Arnaldo Roche, Antonio Martorell y Ramón Frade, estarán plasmadas en piezas de vestir confeccionadas en Puerto Rico por el diseñador de moda Joseph Da’Ponte, en su próximo desfile.

“Lo que queremos con este evento es exaltar la industria textil local y mostrar telas de calidad que se elaboran con material reciclado de botellas de plástico y que son desarrolladas en Puerto Rico por la microempresa EmProm Sublimación de Textiles“, precisó el también productor de eventos con preparación en arte teatral, lingüística y comunicaciones.

Joseph Da’Ponte – Imagen Suministrada

Joseph Da’Ponte resaltó lo significativo que ha sido para él tener una empresa local de sublimación de textiles “porque me ofrece una versatilidad increíble y la oportunidad de producir en yardas la cantidad de tela que necesito y mejor aún con diseños personalizados sin tener que viajar fuera para conseguirlas”.

Será el próximo 2 de julio a las 6:30pm uno de los salones del Capitolio de Puerto Rico para presenciar la nueva colección de moda otoño/invierno 2022 de Joseph Da’Ponte, In honor of Art, inspirada en piezas icónicas de la historia del arte.

Da’Ponte prometió llevar su experiencia y espíritu innovador a prendas de vestir hilvanadas en textiles ecoamigables que muestran piezas clásicas de pintores internacionales como La Piedad y la Capilla Sixtina, de Miguel Angel; La Última Cena y La Mona Lisa de Leonardo da Vinci; Noche Estrellada de Vincent van Gogh, El grito de Edvard Munch; el Sueño de Cristobal Colón de Salvador Dalí y Las Meninas de Diego Velázquez, entre muchas obras de reconocidos artistas plásticos.

Imagen Suministrada

“Quiero demostrar cuánto talento tenemos en la Isla en el quehacer de la moda, con esta empresa podemos regresar a la época de oro. Si hacemos una retrospectiva, la industria textil local se ha destacado siempre. En 1870 se fabricaban telas en la Isla y según documentos históricos, eran una de las mejores y se exportaban a Inglaterra, Francia, España e incluso Alemania”, sostuvo.

Por su parte, Mariana Vázquez, gerente de la empresa netamente puertorriqueña líder en sublimación de textiles, precisó que EmProm, inaugurada hace más de un año a pesar de los obstáculos que ha enfrentado para levantarse en medio de la pandemia, hace la diferencia por su compromiso con el medioambiente, ya que es casi que incalculable la cantidad de botellas de plástico que contaminan los cuerpos de agua y nuestras telas se realizan con el reuso y el reciclaje de esas botellas plásticas.

“Puedo decir con orgullo que el equipo humano de EmProm ya tiene las herramientas para ofrecer un paquete completo que incluye arte, diseño, costura, y además, pensando en la protección del ambiente, porque ayudamos a reducir las botellas plásticas, las reciclamos y las convertirlas en telas”, recalcó.

“Es una oportunidad increíble poder ver el nombre de EmProm en una de las colecciones de Joseph y, estamos seguros que será una alianza que perdurará”, dijo Vázquez, al mencionar que en el desfile, EmProm no sólo trabajó en la sublimación de telas sino también de alfombras, cojines y otros accesorios que se usarán en el evento.

Además, indicó que aún cuando existen compañías en Puerto Rico que trabajan la técnica de la sublimación, EmProm es única, porque ofrece estampados personalizados por yardas, a gran escala. “La misión de la compañía es atraer a nuevos consumidores y que estén conscientes de que pueden producir en Puerto Rico cualquier longitud de tela sin tener que viajar fuera de la Isla”, aseguró.

Como para Joseph Da’Ponte la moda siempre debe ir acompañada del elemento filantrópico, se informó que la entrada a ‘In honor of Art’ será libre de costo y sólo se está solicitando a los asistentes que lleven juguetes y artículos escolares para niños de 0 a 12 años que serán donados a entidades sin fines de lucro dedicadas al cuidado de menores. 

Ruta espontánea hacia el diseño industrial

Sin conocer mucho sobre la disciplina, Elena Cabiya Font entró al mundo del diseño industrial casi dirigida por el destino; una carrera que cambiaría su rol artístico y daría paso a su primera colección.

“Desde pequeña siempre he sido aficionada con el arte”, dijo la cialeña, Cabiya Font, en entrevista con 90 Grados. Durante su infancia exploró distintas destrezas como la pintura, escultura e inclusive costura.

Disenadora Industrial Elena Cabiya Font – Imagen Suministrada

De manera autodidacta aprendió a arreglar y crear piezas, y en ese tiempo nació su interés por el Diseño de Modas. Originalmente era la carrera soñada de Cabiya Font pero, a la hora de decidir su línea de estudios, optó por Arquitectura tras ser aceptada en la Universidad Politécnica. No obstante, aunque disfrutó de su primer año estudiando la disciplina, le despertó un interés por otro ángulo de diseño.

Para su clase de Historia de la Arquitectura, tuvo como tarea crear un mobiliario que representara la historia arquitectónica. Al presentar su pieza al jurado, uno de sus miembros, que era diseñador industrial, destacó la pieza y le dio una retroalimentación positiva. Esto hizo cuestionar a la estudiante y decidió orientarse sobre la carrera en la Escuela de Artes Plásticas y Diseño (EAPD).



Elena no solo escogió el diseño, sin duda el diseño reciprocó y la escogió a ella. Cabiya Font se lanzó ante la oportunidad de cambiar de concentración y comenzó el año subsiguiente en EAPD. En esa institución, nació la pieza que inspiró la colección actual de la -recién graduada- diseñadora industrial.

“A mi me gusta, como diseñadora, inspirarme en el entorno cultural puertorriqueño y de lo que veo alrededor”, dijo Cabiya Font. Ese fue el caso durante una de sus clases en la que tuvo que elegir un material para resaltar en un mobiliario de su creación.

Mesa GAIA – Fotos por Adriana Vázquez Acevedo

“El terrazo lo veía desde pequeña en casa de mi abuela donde el piso estaba cubierto de él”, dijo sobre el material que escogió. Se inspiró en la naturaleza para la selección de la forma y optó por un triángulo curvo, o Triángulo de Reuleaux. Con la idea, creó una mesa de tres patas en acero y una base de concreto que enmarca las piezas de terrazo asimétricamente como un mosaico. La diseñadora enmarcó lo tradicional otorgándole un giro moderno y original.


Inspirado en la mesa, nació la primera colección de Diseños ELENA, titulada GAIA. La misma cuenta con objetos como espejos, ceniceros, portadores de incienso, porta vasos y mesas. Además, también incluye prendas como pantallas y anillos en el mismo material y en la forma GAIA.

Colección GAIA – Fotos por Adriana Vázquez Acevedo

La diseñadora ha participado de ferias artesanales como el Arqui Bazar dirigido por la Fundación por la Arquitectura y tiene piezas disponibles en instituciones locales. Entre ellas, sus piezas se encuentran en el Museo de Arte y Diseño de Miramar (MADMi), Cordillera Concept Store en Orocovis y en el coffee shop Isla Made.

Su éxito le ha confirmado a Cabiya su pasión por el diseño y cada vez más crecen sus metas y ambiciones. Entre ellas, aspira seguir implementando medidas sostenibles en el proceso de diseño y distribución.


Cabiya reconoce los efectos de la industria en el cambio climático, y está comprometida a minimizar su impacto mediante el uso de materiales menos dañinos y procesos sustentables. “A mi me gusta que mis procesos sean ecofriendly desde el proceso hasta los materiales que uso”, destacó. Es por eso que reutiliza todo material de sobra e inclusive conserva las piezas fallidas para romperlas y darles otro uso. También, utiliza acabados en base de agua, en vez de aceite para evitar esa contaminación.

“Mi mayor meta como diseñadora es tener un impacto con lo que haga”, expresó Cabiya. La diseñadora está determinada a maximizar su carrera para aportar a la solución de problemas de una manera ingeniosa y útil. Por esta razón, confirmó que seguirá explorando otras técnicas y buscando métodos eco conscientes para seguir creciendo dentro de la industria.

“El arte es resolver problemas que no pueden ser formulados antes de ser resueltos. Formar la pregunta es parte de la respuesta”, -Piet Hein.

Para más información sobre Diseños ELENA, puede visitar la página web www.disenos-elenapr.com y su instagram como @di.elenapr





Cayo Caribe encuentra su arrecife de coral en nuevo concepto estético

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Tras repetir el mismo patrón de diseño desde el 2015, la cadena de restaurantes Cayo Caribe decidió darle la oportunidad a un cambio de imagen, en la que la artista Verónica González trajo la vida marina a la ciudad. 

“Under the sea”, fueron las palabras que usó la propietaria de V Studio, para describir el nuevo ambiente del restaurante ubicado en Galería San Patricio. La cadena, que cuenta con un total de 6 locales en Puerto Rico, siempre ha presentado los mismos elementos de madera oscura, soga, mallas de pesca y alusión a la vida marina. 


Cuando los propietarios convocaron a Verónica González para que creara un nuevo concepto, la artista no abandonó los elementos anteriores pero, le otorgó un giro diferente.

Columna con losas de la colección Wide & Style Mini de ABK Group. Disponible en The Tile Shop Puerto Rico – Foto por Valeria Falcón

El punto de partida para la creación de la estética, fue un papel tapiz, o wallpaper, de peces en tonos corales , azules y verdes que implementó el estudio creativo en la pared del medio del local. El mismo es uno que, según González “nunca lo vas a poner en tu casa pero, para eso funciona el lugar comercial” El tapiz fue la inspiración para escoger los colores y materiales como la tradicional madera y soga, pero integrando otros colores, losas, piedras y mucho más. 

Según la Real Academia Española, se conoce como cayo a “cada una de las islas rasas, arenosas, frecuentemente anegadizas y cubiertas en gran parte de mangle, muy comunes en el mar de las Antillas y en el golfo mexicano” que a menudo suelen formarse sobre arrecifes de corales.  El trabajo que realizó V Studio en el restaurante, permitió descubrir el arrecife de coral de Cayo Caribe en el medio de la ciudad. Precisamente la elección de materiales e implementación, aluden al vibrante ecosistema marino.

Verónica González junto a la Barra de Cayo Caribe ubicado en Galería San Patricio – Foto por Valeria Falcón

Entre las aplicaciones más inusuales, V Studio integró otro wallpaper azul con un diseño marmoleado en el techo de la barra. “Yo nunca he entendido por qué los techos siempre son blancos por default’’, dijo González, aclarando que es una costumbre que ella no practica a la hora de crear nuevos espacios. El mismo alude al movimiento y color del mar y es reflejado igualmente en la barra cubierta por material epóxico en el mismo color y patrón similar.

Recubrimiento de la colección Mood por Apavisa en color Green Natural. Disponible en The Tile Shop Puerto Rico – Foto por Valeria Falcón

Otra de las cosas que distingue el espacio es el uso de mobiliarios diferentes en cada espacio, otorgando una personalidad única, pero cohesiva, a cada sección del restaurante. En total cuenta con 9 diferentes tipos de sillas, 7 tipos de mesas, 2 tipos de taburetes, 10 tipos de lámparas, 4 tapiz mural y varias losas. 

González opina que la variedad le da la oportunidad a los clientes de escoger en dónde les gustaría sentarse y experimentar los diferentes nichos dentro del mismo lugar. 

Cava en Cayo Caribe de Galería San Patricio remodelada por V Studio – Foto por Valeria Falcón

Aunque Verónica dirigió el proyecto de remodelación, no pudo haberlo hecho sin la asistencia de Adryana Gómez y Alaniz Vélez. Las futuras arquitectas, que estudian en la Universidad Politécnica en Hato Rey, expresaron su satisfacción de trabajar por primera vez en un restaurante. 

“A mi me encantó hacer la parte de la pérgola, que creo que es la parte principal”, dijo Vélez y añadió que uno de los retos fue combinar los materiales.“ Tuvimos muchas losas distintas y una variedad de colores. De esa parte aprendí mucho porque fue algo fuera de lo usual”, dijo. 

Por su parte, Gómez expresó que “además de la selección de materiales, fue interesante formar parte del proceso y tomar decisiones. Al estar en medio de lo que está pasando ahí puedes ver el fruto de lo que estás diseñando”. 

Stephanie López, editora de 90 Grados, y Verónica González hablan sobre la selección de materiales para Cayo Caribe en Galería San Patricio- Foto por Valeria Falcón

Sobre el posible impacto que pudiera tener en la cadena de restaurantes, González piensa que “puede aumentar la clientela simplemente por tener un espacio más agradable y lujoso”. El servicio y oferta culinaria de Cayo Caribe seguirá siendo la misma, pero con una estética ambiental nueva por explorar. 

Para más información sobre V Studio puede visitar su página web vdesignstudiopr.com y su instagram como @vstudiopr. Cayo Caribe en Galería San Patricio ya está abierto al público de 11 a.m. a 10 p.m. de domingo a jueves y de 11a.m. a 11 p.m. de viernes a sábado.  

¿Te atreves a darle un cambio de look a tu negocio? Inspírate aqui: TheTileShopPR.com

Ingenioso diseño otorga oportunidad salubrista a refugiadas

¡Waveee Design se complace en anunciar que Loopop es el ganador del Premio de oro del Design Educates Award 2022 en la categoría Diseño de productos!

Loopop es un kit de limpieza para lavar las toallas sanitarias reutilizables dirigido a reducir la pobreza menstrual de las menstruadoras. Como refugiados en regiones con escasez de agua, solicitantes de asilo con dificultades financieras o personas que quieren menstruar de manera sostenible. Uso de la fuerza de flotabilidad para reducir el agua necesaria para el lavado. Con el modelado por inyección, el costo total es de alrededor de £3 para todo el conjunto, incluidas las piezas de lavado y las almohadillas hechas de PP reciclado. Espera tener una vida útil de 5 años que cubre el tiempo mínimo que un refugiado permanece en el campamento esperando la aprobación de la identidad.

Artista de renderizado: Rubymaky

“Looop es un buen ejemplo del nivel de calidad y pasión, nuestros nominados están contribuyendo a un futuro más sostenible”, dijo Nils Bader, Director Premio Producto Verde.

Inspiración y objetivo de Loopop

Looop Can es el proyecto de diseño de productos de último año de Cheuk Laam que se llevó a cabo entre septiembre de 2020 y marzo de 2021 en Central Saint Martins. En ese momento, acababa de enterarse de la noticia de un incendio que destruyó el campamento de Moria y dejó a 130 mil personas sin techo en Grecia. Este es el campo de refugiados más grande de la isla de Lesbos y la gente se desborda en el campo de refugiados de Kara Tepe, lo que aumenta la escasez de recursos allí.

Imagen por Joanna Kakissis

Captar el propósito de Looop Can es garantizar la movilidad espacial de las mujeres con dignidad y derechos humanos fundamentales, en particular: (1) el derecho al agua y al saneamiento, (2) el derecho a la salud y (3) el derecho a la no discriminación, incluida la no Barreras para recibir educación. Por lo tanto, Looop Can es un kit de limpieza asequible para lavar toallas sanitarias reutilizables para reducir la pobreza menstrual en regiones con escasez de agua. Sabiendo que casi el 60% de las mujeres refugiadas sufren problemas de pobreza durante el período, ya que prefieren gastar el apoyo financiero en alimentos o pañales para bebés. La mayoría de ellas provienen de países estrictamente religiosos que ven la inserción de tampones como un tabú. Esto la inspira a diseñar un producto que pueda proteger los derechos humanos fundamentales al agua, el saneamiento y la salud para las mujeres menstruantes de 12 a 24 años, que sufren barreras culturales y de idioma y tienen una capacidad financiera limitada.

Al principio, Cheuk Laam estudió elementos como un yoyo, una pseudoesfera, un movimiento perpetuo, un giroscopio y una aceleración centrípeta. Luego descubrió que la fuerza de flotación reducirá el uso de agua según el tamaño de un objeto sumergido en líquido. Esta inspiración en realidad proviene de observar cómo sus compañeros de piso británicos empapaban sus tazas manchadas de té. Verlos superponer una taza sobre otra taza para mojar la pared interior con menos agua. La alteración de la paleta de lavado y la adaptación de latas son sugerencias de su amado tutor KC y Mike.

Creadores del pad : Rose Wei y Larry Turner

Sobre el diseño de la almohadilla, a través de la investigación del material utilizado en las almohadillas reutilizables que tienen menos probabilidades de causar alergias en la piel. Cheuk Laam diseñó la almohadilla para tener capas separables para que se sequen más rápido sin importar el clima. La tela de bambú de secado rápido se convirtió en una opción ideal, ya que tarda medio día en secarse en el interior y mantiene la temperatura para el invierno y la frescura para el verano.

Un diseño de forma rectangular reduce el desperdicio de tela y se parece menos a los productos relacionados con la menstruación desde la distancia que a la reducción del estigma de género en los campos de refugiados. El Pad puede ser hecho por voluntarios y distribuido a los refugiados. O puede ser una oportunidad para brindar seguridad financiera a las mujeres refugiadas mediante el pago de salarios dignos por la fabricación de toallas higiénicas.

Conoce más sobre Looop en waveeedesign.com

 

Nuevas oportunidades académicas de diseño en Sagrado Corazón

Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko) - Foto por Valeria Falcón

La Escuela de Artes, Diseño e Industrias Creativas de la Universidad del Sagrado Corazón comenzará el próximo semestre, en agosto 2022,  con una nueva oferta académica en bachilleratos de diseño.

La escuela recién inagurada en enero, ahora contará con bachilleratos en  Diseño Gráfico, Diseño Industrial y Diseño y Gerencia de Modas. La líder académica de diseño y cultura visual, Aurorisa Mateo Rodríguez diseñó el currículo, asegurando que cumplan con las herramientas necesarias y siguiendo las tendencias actuales. 

Conoce sobre la escuela en: Nueva escuela en Sagrado fomenta la dignificación de las carreras artísticas

“En los tres programas de diseño que abren ahora en agosto tenemos el concepto de sostenibilidad presente”, dijo Mateo Rodríguez. En el caso del diseño industrial el programa enfatizará en la creación de productos duraderos y reparables, para contrarrestar el desecho de materiales y disminuir el impacto ambiental. 

Bachillerato en Artes en Diseño Industrial – Imagen Suministrada

“En un momento cuando estuve trabajando el programa de diseño industrial pensé en el tema de lo reparable. No hacer productos puede resultar contradictorio”, dijo sobre el proceso de estructurar el bachillerato. Sin embargo, reconoció que “no solamente es hacer menos producto, sino que ese producto sea de calidad óptima” para crear una relación con el cliente. 

Diseño de modas – Imagen Suministrada

Por otro lado, en el programa de Diseño y Gerencia de Modas se evitará fomentar la moda rápida o “Fast fashion”.  Según un artículo de The Good Trade, la moda rápida “es un método de diseño, fabricación y comercialización centrado en la producción rápida de grandes volúmenes de ropa. La producción de prendas de moda rápida aprovecha la replicación de tendencias y los materiales de baja calidad (como telas sintéticas) para llevar estilos económicos al consumidor final”. 

A cambio, el programa se enfocará en visibilizar la opción de crear piezas de buena calidad, duraderas, y con materiales rescatados o reutilizados. 

Además, el currículum es el único en Puerto Rico, que además del diseño, abarca destrezas de gerencia en la que los estudiantes aprenderán a abastecer materiales y manejar el ciclo completo de producción hasta llegar al mercado final. 

Bachillerato en Artes en Diseño Gráfico – Imagen Suministrada

Mateo Rodríguez, ha trabajado en otras ocasiones en programas de diseño de otras universidades y aseguró que Sagrado contará con las herramientas necesarias para, no solo aprender y trabajar en sus piezas, sino de presentarlas. 

La escuela contará con un simulador en el que los estudiantes podrán exhibir sus piezas y a menudo contará con eventos especiales para atraer inversionistas reales.

Esto lo contó mientras dialogaba con la revista en el Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko). Precisamente en este espacio de la universidad, los estudiantes pueden desarrollar sus ideas creativas y  de emprendimiento. Una de las áreas que lo permite es el Fab Lab, un “ centro de exploración enfocado en descubrir materiales y tecnologías emergentes que puedan ser aplicadas en el mundo de las artes, el diseño y el empresarismo”, según destacan en su página web

El espacio cuenta con máquinas especializadas que permiten crear prototipos de alta calidad, además de un equipo de trabajo compuesto por diseñadores comprometidos a educar y orientar a la comunidad estudiantil o externa sobre materiales, tecnologías y métodos de fabricación innovadores.

Centro de Innovación colaborativa de Sagrado (Neeuko) – Foto por Valeria Falcón

Aunque en un principio el espacio estaba dirigido a los estudiantes de Administración de Empresas, actualmente está disponible para que lo aproveche toda la comunidad universitaria. 

La matrícula para agosto en la Universidad del Sagrado Corazón ya está abierta, y actualmente hay estudiantes matriculados en los nuevos programas de diseño, siendo el de Diseño y Gerencia de Modas el más exitoso al momento de publicar esta nota. Conoce más sobre la oferta académica en Sagrado.edu 

 

Nueva plataforma digital para desmitificar la reforma de cocinas

No hace falta decir que la pandemia ha sacudido nuestra vida cotidiana, nuestros hábitos e incluso nuestra relación con los espacios que nos rodean. ¡Después de todo, hemos pasado muchas, muchas horas en nuestros hogares! Esto ha estimulado la industria de la renovación, ya que cada vez más propietarios planean remodelar sus espacios habitables.

 A la luz de esta tendencia actual, Miralis, un fabricante de gabinetes de cocina personalizados con sede en Rimouski, Canadá creó E-SPACE3. Se trata de una nueva plataforma digital que tiene como objetivo desmitificar todos los aspectos de la renovación y construcción de cocinas.

¿Qué es E-SPACE3?

Desde el diseño hasta las especificaciones técnicas y las preocupaciones ambientales hasta los problemas de estilo de vida, E-SPACE3 responde a una gran cantidad de preguntas comunes: ¿Cuánto costará renovar mi cocina? ¿Cuáles son los pasos clave en el proceso? ¿Qué opciones de materiales están disponibles? ¿Qué es un diseñador-especialista en cocina?

“Era importante para nosotros crear un espacio no comercial donde las personas puedan obtener buena información al principio de su proceso. Un consumidor bien informado con las herramientas adecuadas está mejor preparado para asumir un proyecto y tomar buenas decisiones en cada paso del camino”, dice Valérie Brière, gerente de marca de Miralis. En línea, no hay mucho contenido disponible para quienes buscan información que les ayude a planificar su nuevo proyecto de cocina de principio a fin.

El lanzamiento de E-SPACE3: de abrumador a inspirador

Florence, una joven profesional amiga de Miralis, rehizo su cocina hace unos años. Dejando escapar un largo suspiro, nos dijo que se sentía un poco abrumada y que no tenía idea de por dónde empezar. Tenía una gran colección de fotos de la cocina en su tableta, todas asombrosamente hermosas. ¿Pero entonces, qué? ¿Dónde debería mirar? ¿Por dónde debería empezar? Su reacción instintiva fue ir a una gran tienda conocida.

La experiencia de Florence es el tipo de experiencia que los inspiró a crear ESPACE3. Su historia suena cierta para muchos otros que se adentran en el vasto mundo de la renovación y la construcción. “Eso es lo que nos impulsó a aprovechar la experiencia de Miralis para ofrecer a las personas un recurso relevante”, dice la Sra. Brière. E-SPACE3 es un entorno en línea donde los consumidores pueden explorar con confianza para encontrar información fidedigna, no comercial y precisa. 

En definitiva, es un primer paso que guiará a los consumidores decididos en su viaje desmitificando las múltiples facetas de una reforma de cocina.

 

Nueva exhibición de NASA en el Observatorio de Arecibo

El Observatorio de Arecibo (OA) será anfitrión de la nueva exhibición de NASA titulada “Observando con la NASA” (OWN por sus siglas en inglés). Esta es una de 10 exhibiciones creadas, para ser compartidas entre 30 museos afiliados al Smithsonian, que estará disponible por el espacio de tres meses en el Centro de Ciencias y Visitantes Fundación Ángel Ramos.

“Observando con la NASA” es una exhibición interactiva con pantalla táctil que ofrece una introducción a las herramientas, los datos y las habilidades que los científicos espaciales de la NASA y los expertos en visualización de datos utilizan para crear las imágenes de los objetos del espacio profundo que todos conocemos y amamos.

La exhibición permitirá a los visitantes controlar telescopios robóticos, recibir sus datos de imágenes por correo electrónico y comparar sus propias imágenes con datos reales de la NASA. Los científicos de la NASA transforman los datos crudos de los telescopios en asombrosas astrofotografías para observar las formas, los colores y el movimiento de objetos en el universo. Incluso, la luz que es invisible para los ojos humanos, como la infrarroja o los rayos X, se puede convertir en imágenes coloridas.

“Esta exhibición provee la oportunidad de, no tan solo solicitar a uno de los Micro Observatorios de NASA en tierra que tomen una foto dirigida por el visitante, sino que les brinda la oportunidad de editar fotos tomadas por otros telescopios de NASA,” destacó Yasmin Santiago, Directora Asociada del componente educativo en el OA. “Utilizando las herramientas que provee, permite resaltar áreas en los cuerpos celestes que no se ven a simple vista, facilitando el proceso de aprendizaje de nuestro público, cuando hablamos del espectro electromagnético.”

De igual manera, la exhibición interactiva Sol, Tierra y Universo está de vuelta en el Centro de Ciencias y Visitantes, luego de estar un año en el Centro Criollo de Ciencias y Tecnología del Caribe (C3Tec) como parte de una colaboración educativa con el mismo.

“Estamos muy agradecidos del C3TEC y la Fundación Ángel Ramos por el apoyo y compromiso con el OA, que luego del colapso del telescopio, nos abrieron las puertas para continuar la misión educativa que el OA tiene con Puerto Rico.” Dijo el Dr. Carlos Padín, Director Ejecutivo del componente educativo del OA.

Sol, Tierra y Universo incluye exhibiciones interactivas para visitantes de todas las edades. Sigue la secuencia de diseño-construcción-prueba de ingeniería para construir un modelo de nave espacial para tu propia misión al espacio. Puedes girar un cilindro que contiene 10,000 piezas, representando todas las estrellas que podemos ver desde la Tierra para localizar nuestro Sol, al igual que, revelar imágenes ocultas con las mismas herramientas que los científicos de la NASA utilizan para explorar la fuerza y la energía del universo, que de otro modo serían invisibles. Incluye también, el juego de mesa “Tu Misión al Espacio”, o ayuda a los más chicos a conducir “rovers” a través de la mesa de la superficie de Marte. Estas divertidas experiencias presentan a los visitantes la investigación en curso de la NASA en los campos de heliofísica, ciencia de la Tierra, ciencias planetarias y astrofísica, además, ayudan a los visitantes a imaginar lo que podría deparar el futuro de la ciencia de la Tierra y el espacio.

El Observatorio de Arecibo es operado por la Universidad Central de Florida (UCF) en alianza con la Universidad Ana G. Méndez, y Yang Enterprises Inc., bajo un acuerdo cooperativo con la Fundación Nacional de las Ciencias (NSF, por sus siglas en inglés).

Para más información sobre reservaciones, campamentos de verano y visitas de público general puede comunicarse al 787-878-2612 ext. 341, 312 o 346. Puede encontrarlos en las redes sociales: Facebook- Arecibo.Observatory, Instagram – @thearecibo.observatory y en Twitter- @NAICobservatory.

Reuso creativo revive sillones desgastados

Massproductions presenta su tercera interpretación en la serie “The Crown Jewels”, donde se le pidió a cuatro creadores que renueven los desgastados Crown Armchairs. En esta edición, la artista sueca Åsa Stenerhag creó dos Joyas de la Corona a partir de textiles parcialmente reciclados.

“Quería enfatizar la forma distintiva de la silla. La idea surgió directamente de trabajar con forma versus anti-forma, aunque el proceso tomó muchas vueltas para la silla negra antes de que finalmente volviera a lo básico. En el pasado, trabajé mucho con la forma, ya sea ropa o escultura, por lo que me pareció natural trabajar a partir de esas experiencias de diferentes maneras con Crown.

Massproductions y Åsa Stenerhag han colaborado previamente en la exposición “Alien Autopsy” en 2018, donde esculturas de gres en formas y texturas orgánicas del artista decoraron la serie de mesas Landa. Esta vez el tema de la colaboración es el reciclaje, en una versión Stenerhag reutiliza la tela de un sofá que se iba a cubrir, en la otra versión la silla está tapizada con una tela de jersey elástica.

“Elegí enmarcar y reforzar la silueta de la silla colocando una cinta negra a lo largo de todos los bordes. Fue una actualización simple pero elegante y atemporal. La otra se vuelve más como un objeto, una escultura. La suave tela de jersey “oculta” el forma al mismo tiempo que emerge una silueta completamente nueva. Es cómodo para sentarse y da una sensación envolvente.

La creatividad ha estado con Åsa desde la infancia, pero ha adquirido diferentes expresiones. Åsa Stenerhag trabajó durante varios años en la moda como directora de diseño para marcas destacadas como Filippa K y Toteme. Durante los últimos tres años, sin embargo, su enfoque ha estado en el arte y principalmente en la cerámica, donde su lenguaje de diseño táctil, abstracto y orgánico caracteriza los objetos que produce. En su estudio en Vasastan, Åsa trabaja con su cerámica, donde está rodeada de sus esculturas. Pero cuando empezó a trabajar con Massproductions, volvió a otro ámbito que conocía bien, el textil.

“Quería reutilizar los materiales tanto como fuera posible y, por lo tanto, usé la tela para la silla con borde de banda de un viejo sofá de Massproductions que iba a ser tapizado. La otra silla se convierte en un contraste, como una sombra de la silla”.

Conoce mós sobre Massproductions en massproductions.se

Primer centro comercial en que incorpora el Metaverso

Como parte de su 30 aniversario, el centro comercial Céntrico en Guayama anunció la incorporación de nuevas tecnológicas Web3, como NFT y su entrada al Metaverso. De esta forma, se convierten en el primer centro comercial del mundo en entrar a estas plataformas digitales de innovación.

El anuncio se hizo durante la celebración del evento Puerto Rico ComicCon 2022 (PRCC) en el Centro de Convenciones de Puerto Rico. La empresa introdujo sus nuevas tecnologías creando el POAP (Proof of Attendance Protocol) oficial de la convención PRCC 2022. POAP es un token coleccionable disponible en pocas cantidades para añadir valor. Esto se convierte en una pieza de memorabilia y a su vez certifica a la persona como asistente de la actividad, enlazando la presencia física al evento a través de este token digital coleccionable. Las personas deberán registrar el POAP y guardarlo en una crypto wallet. Una vez adquieren esta pieza de colección, son elegibles para participar de eventos exclusivos futuros (Whitelist).

Céntrico es el primer centro comercial en Puerto Rico y el mundo en entrar al metaverso – Imagen Suministrada

Asimismo, la empresa desarrolla su presencia en el metaverso, y gracias a tecnología blockchain las personas podrán adquirir Tokens no fungible (NFT) y obtener beneficios y privilegios tanto en el espacio físico como digital.. Básicamente, blockchain es una tecnología que, sin la intermediación de terceros, nos permite llevar a cabo transacciones digitales de forma segura, rápida y descentralizada.

“Céntrico tiene como misión participar de la revolución del mundo digital y su impacto en la industria de los centros comerciales incorporando tecnología Web3, mientras seguimos creciendo y diversificando nuestra comunidad. Estamos comprometidos con el desarrollo cultural y artes digitales de nuestra isla, que pueden expandirse con los NFT. Creemos que el futuro pertenece a una comunidad descentralizada y esta nueva comunidad le hemos llamado DeCéntrico”, explicó el abogado César Vázquez Morales, representante autorizado y portavoz de Céntrico, sobre la incursión de la empresa en el mundo Web3.

La Web3 pretende recuperar la descentralización de los primeros tiempos de internet, reducir la dependencia de los usuarios de las grandes tecnológicas, devolverles el control de sus datos y que la red sea más segura, libre de ciberdelitos y caídas generalizadas del servicio. Basada en ‘blockchain’, es además la tecnología que da vida a los mundos inmersivos en 3D.

Céntrico busca auspiciar y promover artistas locales y proyectos nativos de NFTs como parte del compromiso con el desarrollo cultural y artes digitales. Además, creará una exhibición permanente de NFT’s en el centro comercial.

Los NFT, o token no fungible, es un activo criptográfico que tiene la capacidad de ser único e irrepetible. Gracias a la tecnología blockchain las propiedades de este tipo de token se pueden almacenar y, de esta manera, se vuelve posible certificar tanto la originalidad del activo como su propiedad.

Conoce más sobre los NFT en: Emerge el arte NFT entre la comunidad creativa

“Céntrico entra en el metaverso, con todas las posibilidades que esto representa. En un metaverso las personas pueden desde asistir a conciertos virtuales, viajar, interactuar con usuarios hasta ir de compras. Prácticamente todo lo que hacemos de manera física será posible hacerlo en este espacio virtual. Revolucionaremos la forma de hacer compras en Puerto Rico”, puntualizó Vázquez.

El Metaverso es un mundo virtual, al que nos conectaremos utilizando una serie de dispositivos que nos harán pensar que realmente estamos dentro de él, interactuando con todos sus elementos.

El centro comercial Céntrico, antes conocido como Plaza Guayama, lleva 30 años sirviendo directamente a los pueblos de Guayama, Salinas, Arroyo, Patillas, Maunabo y pueblos limítrofes. Céntrico, como destino comercial, reúne sobre 80 comercios de diversas categorías, en un ambiente seguro y familiar.

La noche estrellada llega al mundo de LEGO

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Imagen cortesía de MoMA Design Store. Foto de Heidi Bohnenkamp.

El Museo de Arte Moderno anunció el lanzamiento de un nuevo Set LEGO® Ideas inspirado en una de las obras más icónicas de la colección del MoMA, La noche estrellada de Vincent Van Gogh (1889).

El conjunto tridimensional reinventa la renombrada pintura, que ha estado en la colección del MoMA desde 1935, en forma de LEGO, enfatizando las llamativas pinceladas y opciones de color del artista. El conjunto estará disponible el 1 de junio para el público en general en store.moma.org, en MoMA Design Stores en Nueva York y en ubicaciones de LEGO a nivel mundial.

Vincent Van Gogh. La noche estrellada. Saint Rémy, junio de 1889. Óleo sobre lienzo. 29 x 36 1/4 pulg. (73,7 x 92,1 cm). El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Adquirido a través del legado de Lillie P. Bliss. Fotografiado por Jonathan Muzikar.

Inspirado por la vista desde su ventana en el asilo del Monasterio de Saint-Paul de Mausole en Saint-Rémy, Francia, donde Van Gogh pasó 12 meses, La noche estrellada es una de las obras posimpresionistas más conocidas del mundo. Al crear esta imagen del cielo nocturno, Van Gogh anunció el abrazo de la pintura moderna al estado de ánimo, la expresión, el símbolo y el sentimiento.

El nuevo set de LEGO fue concebido originalmente por el fanático de LEGO Truman Cheng, de 25 años procedente de Hong Kong, a través de una presentación en la plataforma LEGO Ideas, y se desarrolló cuando se dio cuenta de que apilar diferentes piezas de LEGO capturaba el aspecto de las icónicas pinceladas de Van Gogh.

Imagen cortesía del Grupo LEGO. LEGO, el logotipo de LEGO y la Minifigura son marcas comerciales de LEGO Group. ©2022 el Grupo LEGO

Con este set, los fanáticos de LEGO pueden traducir la pincelada vibrante y expresiva de Van Gogh en tres dimensiones y traer una pieza de la colección del MoMA a su hogar. Además de elementos que comprende la luna y las estrellas icónicas de la pintura arriba y el pueblo debajo, el set LEGO también incluye una minifigura de Van Gogh, completa con un pincel, una paleta, un caballete y una mini pintura sobre un azulejo impreso.

“En el MoMA, celebramos la oportunidad de conectar el arte y el público, y estamos encantados de ser parte de una nueva forma de experimentar el trabajo de Van Gogh y de inspirar el impulso creativo en personas de todas las edades”, dijo Sarah Suzuki, directora asociada del Museo de Arte Moderno.

“En LEGO Group, queremos inspirar al mundo a ser creativo, por lo que estamos increíblemente orgullosos de haber dado vida a este set en asociación con una institución tan icónica como el MoMA, permitiendo a los fanáticos ser artísticos con ladrillos y crear y exhibir su propia obra maestra”, dijo Federico Begher, Jefe de Marketing Global.

El set LEGO Ideas The Starry Night estará disponible a principios del 25 de mayo para los miembros del MoMA y LEGO VIP, y el 1 de junio para el público en general en store.moma.org; en el MoMA Design

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