«Christian Dior: Diseñador de Sueños» se presenta en el Victoria & Albert Museum de Londres

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El Victoria & Albert Museum de Londres (V&A Museum) abre la exposición más grande y completa que se haya realizado en el Reino Unido sobre la Casa de Dior. Es la exposición de moda más grande del museo desde Alexander McQueen: Savage Beauty. Desde 1947 hasta nuestros días, Christian Dior: Designer of Dreams (Christian Dior: Diseñador de Sueños) sigue la historia y el impacto de uno de los modistos más influyentes del siglo XX, y de los seis directores artísticos que lo han sucedido, para explorar la influencia perdurable de la casa de modas.

Christian Dior con el modelo Sylvie, circa 1948. Cortesía de Christian Dior

Basada en la gran exposición Christian Dior: Couturier du Rêve, organizada por el Musée des Arts Décoratifs de París, la exposición se reinventa para el V&A. Una sección completamente nueva explora, por primera vez, la fascinación del diseñador por la cultura británica.

Retrato Real de la Princesa Margarita en su 21 cumpleaños. Foto por Sir Cecil Beaton (1904–1980)
© Victoria and Albert Museum, Londres

Dior admiró la grandeza de las grandes casas y jardines de Gran Bretaña, así como los transatlánticos de diseño británico, incluido el Queen Mary. También tenía una preferencia por los trajes de Savile Row.

Christian Dior por Maria Grazia Chiuri (b. 1964), Vestido, Haute Couture, Primavera/Verano 2018
Foto © Laziz Hamani
colección Dior Héritage, París

Su primer desfile de modas en el Reino Unido tuvo lugar en el Savoy Hotel de Londres, y en 1952 fundó Christian Dior London.

Desde la horticultura hasta los viajes globales y el historicismo, el espectáculo revela las fuentes de inspiración que definieron la estética de la Casa de Dior.

El diseñador de modas francés Yves Saint Laurent (1936 – 2008) en Londres, 11 de noviembre de 1958. Se está preparando para el desfile de la colección dóe otoño de Dior al día siguiente para una audiencia que incluía a la princesa Margaret en Blenheim Palace. Foto por Popperfoto/Getty Images

Desde los atrevidos diseños de Yves Saint Laurent hasta el estilo racional de Marc Bohan, la extravagancia de Gianfranco Ferré, la exuberancia de John Galliano, el minimalismo de Raf Simons y la visión feminista de la moda de Maria Grazia Chiuri, la exposición muestra cómo cada director artístico exitoso se ha mantenido fiel a la visión de Dior sobre la Alta Costura, al tiempo que aporta su propia sensibilidad creativa a la Casa.

Christian Dior or John Galliano (b.1960), Haute Couture, Otoño/Invierno 2004. Foto © Laziz Hamani
colección Dior Héritage, París

Oriole Cullen, curador de moda y textiles en V&A, dijo: «En 1947, Christian Dior cambió el rostro de la moda con su New Look, que redefinió la silueta femenina y revitalizó la industria de la moda parisina de posguerra. V&A reconoció la importante contribución de Dior a la historia del diseño desde el principio de su carrera, adquiriendo sus bocetos y prendas a partir de la década de 1950 en adelante. La influencia del diseño de Christian Dior fue omnipresente y ayudó a definir una era. En sus formas individuales, cada uno de los sucesivos directores artísticos de la Casa se ha referido y reinterpretado los propios diseños de Dior y ha continuado con el legado del fundador, asegurando que la Casa de Christian Dior se encuentra hoy en la vanguardia de la moda. Más de setenta años después de su fundación, la exposición de V&A celebra la influencia perdurable de la Casa de Dior y revela una nueva investigación sobre la relación de Dior con Gran Bretaña».

Miss Dior edición limitada, cristal azul Baccarat, 1947 © Antoine Kralik para Christian Dior Parfums
Parfums Christian Dior

Nadja Swarovski, miembro de la Junta Ejecutiva de Swarovski, dijo: «Estamos encantados de apoyar la puesta en escena de V&A de esta espectacular exposición de Dior, luego de nuestro apoyo a los espectáculos en París y Denver, Colorado. Las historias de Swarovski y Dior se han entrelazado desde la década de 1950, cuando mi abuelo trabajó junto al propio Monsieur Dior para desarrollar el cristal de Aurora Boreal. Es maravilloso honrar la increíble herencia de la Casa de Dior y celebrar su influencia perdurable, que está bellamente captada en este espectáculo impresionante».

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Entrada. Foto: Adrien Dirand.

Christian Dior: Designer of Dreams trae a V&A un estudio profundo y amplio de las prendas únicas de Alta Costura desde 1947. En 11 secciones, la exposición muestra la exquisita habilidad y la artesanía de los talleres y los sucesivos diseñadores de House of Dior:

Christian Dior ofrece una biografía ampliada sobre Christian Dior (1905–57), desde la vida familiar hasta su carrera temprana como propietario de una galería y la fundación de la Casa de Dior en 1946. Abarca los extensos viajes de Dior, el éxito global de Casa de alta costura y el desarrollo de los perfumes Dior.

 

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección The Dior Line. Foto: Adrien Dirand.

The Dior Line muestra diez looks definidos hechos entre 1947 y 1957, durante la tenencia de Christian Dior en la Casa.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Dior in Britain. Foto: Adrien Dirand.

Dior in Britain descubre el amor personal de Christian Dior por Inglaterra y el amor recíproco de su cliente británico por su moda. Centrándose principalmente en la vida de Dior, destaca los primeros desfiles de moda de Dior que se realizan en casas de campo y grandes hoteles de Gran Bretaña, la compañía Dior London y clientes británicos.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Historicism. Foto: Adrien Dirand.

Historicism examina la influencia de la vestimenta histórica y las artes decorativas en los diseños de la Casa de Dior desde 1947 hasta la actualidad, que abarcan el amor de Dior por el siglo XVIII y las modas Belle Époque de su madre, Madeleine Dior.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Travels. Foto: Adrien Dirand.

Travels explora cómo los viajes y los diferentes países y culturas han inspirado constantemente a los distintos diseñadores de la Casa Dior.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección The Garden. Foto: Adrien Dirand.

The Garden destaca la importancia de las flores y los jardines como fuente de inspiración para la Casa, desde prendas hasta perfumes.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Designers for Dior. Foto: Adrien Dirand.

Designers for Dior destaca el trabajo de los siguientes seis directores artísticos clave desde la muerte de Christian Dior en 1957.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Atelier. Foto: Adrien Dirand.

The Ateliers muestran toiles de los Dior Ateliers en una impresionante instalación de estilo “gabinete de curiosidad”.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Diorama. Foto: Adrien Dirand.

Diorama examina la amplitud de la Casa de Dior, desde accesorios como bisutería, sombreros, zapatos y bolsos, hasta ilustraciones, vestidos en miniatura y un archivo de lápiz labial, perfume, botellas, recolectadas en una exhibición caleidoscópica. Esta sección destaca a los socios creativos clave de la Casa de los últimos 70 años, incluidos Roger Vivier Stephen Jones, René Gruau, Serge Lutens y Swarovski, la primera opción de los cristales de Christian Dior para embellecer sus creaciones.

Exhibición “Christian Dior: Designer of Dreams” en el V&A Museum de Londres. Sección Ballroom. Foto: Adrien Dirand.

The Ballroom celebra la fantasía del baile, evocando los lujosos interiores de las grandes casas de Gran Bretaña. Presentando 70 años de asombrosos trajes de noche formales, esta sección revela la increíble habilidad de los ateliers de Alta Costura.

vam.ac.uk

Poncili Creación mantiene vivo el niño interior

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Pablo del Hierro me recibió con un peluche en la mano. Adentro tenía su celular. «Este es Telefonito» y nos presentó. Me condujo por un laberinto de pasillos, salones enormes, escaleras, techos bajos y espacios escondidos en su taller en la Calle Cerra en Santurce, Puerto Rico. En un área guardan material rescatado para crear sus obras y en otra área pequeña crean sus fantásticas criaturas y personajes que ahora cuelgan de la pared, pero otras veces cobran vida en sus puestas en escena. Los hermanos Pablo y Efraín del Hierro de Poncili Creación nunca dejaron morir a su niño interior. Ahora lo dejan vivir, crear y expresarse con más fuerza que nunca contando historias de la vida, la muerte, la alegría, la tristeza y toda experiencia humana imaginable.

Nos sentamos Pablo, Telefonito y yo en el rincón de trabajo para conversar. Miro al peluche aún sin pintar muerta de la risa y le inquiero.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación
Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

Explícame. 

Este es Telefonito. Es el cover de mi celular. Lo proteje, pero también puede tomar fotos y grabar videos de aquellas personas con las que interactúa. ¿Ves? Por aquí, por el ojo está el lente de la cámara. Tiene su propia cuenta de Instagram, @telefonito12, y ahí documenta todo lo que ve. Es un conversation piece. Yo ando con él por ahí y hablo con la gente: niños, adultos, con quien sea. Lo aprieto, lo muevo y hace expresiones. Me gustaría reproducirlo y que la gente tenga sus Telefonitos por ahí con su propia cuenta de Instagram documentando su vida.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Es la primera vez que haces algo así?

No. Todo comenzó con un sombrero. Hicimos una cámara-sombrero y nos íbamos por las calles de Nueva York a “grabar” todo lo que veíamos. La gente pensaba que estábamos locos, pero no nos importa.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Cómo inició esta inquietud de ustedes por el performance y crear criaturas fantásticas?

Nuestros padres eran bailarines en Nueva York. Así que crecimos en el ambiente del teatro, la danza y el performance. Nos llevaban mucho a obras y conciertos. Crecimos viendo a Deborah Hunt y todo tipo de artes escénicas. Nos gusta esta idea de DIY (Do it yourself) sobre hacer tú mismo todas tus propias cosas: hacer el booking, hacer las obras, y eso viene con lo de ser un puppeteer (titiritero). Tú eres el director, tú eres el escultor, tú eres el coreógrafo, eres la persona que hace el diálogo y quien interpreta todas esas cosas en escena.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

Veo que usan mucho material rescatado.

Sí. Usamos mucho el foam (planchas de espuma) y lo esculpimos. Es liviano, portátil, flexible, se puede mover, lo que transforma y da vida a los personajes. Luego lo pintamos. A veces terminamos de usar uno y usamos las piezas para armar otro. No duran para siempre.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Y qué historias les gusta contar?

Nosotros nos basamos en crear experiencias trascendentales que hablen sobre la vida, la muerte, lo cómico, lo serio. Interactuar con el público y que ellos jueguen también. No se puede tomar la vida tan en serio. Hay que llorar y hay que reír. A veces la gente no nos entiende. ¿Qué es Poncili? Poncili es arte, es escultura, es performance, es muchas cosas.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿En dónde se presentan?

Pues, mira, nosotros empezamos con nuestras novias de aquel tiempo. Nos íbamos por ahí y empezaron a invitarnos a festivales, escuelas, actividades… Luego hicimos un tour por Estados Unidos y nos fue muy bien. “Wow! ¿Podemos vivir de esto?” Y sí, sí se puede. Llegamos hasta Art Basel de Miami. Ya llevamos cinco años.

Exhibición de Poncili Creación en Roberto Paradise en Estados Unidos y Puerto Rico, 2012. Foto: www.robertoparadise.com

¿Qué quieren explorar que aún no han hecho?

Nos gustaría hacer videos. Hemos explorado un poco con la idea y tenemos unos videos cortos en YouTube e Instagram. Las grabamos en el baño, que es todo blanco. En Pedazo a pedazo exploramos el stop motion para ver cómo quedaba la cosa. Hicimos Deja la paja como un statement político. Pero el video sería un buen medio para difundir nuestro trabajo porque no todo el mundo puede estar presente en un performance. Eso nos abriría un campo enorme por descubrir y experimentar.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

www.instagram.com/poncilicreacion

www.facebook.com/Poncili500

 

Cómo diseñar el silencio según Elizabeth Lerich, escenógrafa de Maison & Objet Paris

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La escenógrafa del Espacio de Inspiraciones de Maison & Objet Paris 2017 nos habla sobre cómo diseñó Silence (Silencio), el tema de la expo de este año.

En París el silencio es el rey. Elizabeth Lerich diseñó el escenario para el Inspirations Space en el Salón 7 del Foro Inspiraciones en el Maison & Objet Paris 2017. En este lugar se presenta el libro Silence (Silencio), el tema de este año de la más prestigiosa expo del hogar y los objetos en Europa. Marie-Jo Malait, Jefa de Redacción del libro Silence, asevera: «Un refugio del rugiente choque de palabras e imágenes, el silencio disminuye el impacto de la era alocada, ocupada y ruidosa. El hogar es donde encontramos la tranquilidad que anhelamos, donde saciamos nuestra creciente sed de serenidad. El estilo de vida y las tendencias se dirigen hacia el tratamiento del silencio.» Con esta premisa, encontramos muebles y objetos de líneas minimalistas, limpias y prístinas, libres de ornamentos innecesarios, que inducen a la paz y la tranquilidad en el hogar. Mailait le hace cinco preguntas a Leriche sobre cómo diseñar el silencio.

Libro “Silence” sobre el tema de Maison & Objet Paris 2017, el silencio.

¿Cómo Silence llegó a ser el tema de esta temporada?

Este nuevo tema puede venir como una sorpresa: está más relacionado a los retos sociales que otros temas que el Observatorio Maison & Objet usualmente selecciona para explorar. Pero rápido se convirtió en una elección obvia. En una sociedad en donde el impacto de las imágenes y las conexiones son cada vez más abrumadores, hay una necesidad indiscutible de romper con todo eso. No obstante, no es fácil materializarlo. Esta tendencia ya estaba latente, como se evidencia en el alza de materiales más livianos y el minimalismo que hemos notado por las pasadas temporadas. Estas tendencias eran las señales iniciales que proclamaron esta necesidad vital por la simplicidad y el resurgimiento de valores fundamentales, que ahora constituyen el verdadero lujo de nuestra paradójica era. Para delinear los contenidos del tema, investigamos esta necesidad: Los europeos dicen que cada vez buscan más el silencio.

Secret Collection para Blanche Service de Jules Julien Manufacture. por Francis Amiand. Cortesía de Maison & Objet

En los inicios de nuestra investigación, leímos muchos libros sobre este tema, incluyendo, por ejemplo, el maravilloso Histoire du Silence (Historia del Silencio) de Alain Corbin. «El silencio no es meramente la ausencia del ruido», escribe. «Hoy en día es una noción olvidada. Nuestras marcas auditivas han sido distorsionadas, disminuidas, ya no son sagradas (…). La intimidad de un lugar — un dormitorio y los objetos que lo habitan, o un hogar — solían ser definidos por el silencio que prevalecía ahí.» ¡Es hora de perderle el miedo al silencio!

Moon, un proyecto por Oscar Lhermitte y Kudu. Foto: Sidekick Creatives. Cortesía de Maison & Objet

¿Qué escogiste exponer para ilustrar el tema de Silence?

En un dormitorio, los visitantes verán una pintura de Georges de La Tour. Verán el vídeo claroscuro de una vela centelleante en la oscuridad en un iPad por el diseñador coreano Heewon Kim. Este ejemplo combina consideraciones históricas y digitales. La noche pide silencio. Pero el silencio no debe provocar el miedo, nunca debe ser visto como una fuente de ansiedad. Al contrario, los visitantes encontrarán confort en la contemplación silenciosa de objetos arquetípicos, lisos y simples tallados en mármol blanco: una manera perfecta de relajarse, de desprenderse de las congojas del diario vivir. No obstante, nuestra intención aquí no es tocar la alarma; el mensaje es uno muy positivo. El silencio y el balance son producto de las soluciones que concebimos para nosotros mismos. El silencio es crucial, por la meditación que permite, la perspectiva que obtenemos. El tiempo que tomamos para nosotros mismos es el secreto para nuestro propio balance. Es el estado donde dos fuerzas, a veces contradictorias, se cancelan entre sí y alcanzamos un punto de armonía que todos anhelamos, donde estamos en paz con nosotros mismos.

Meditation Stool por Michael Anastassiades. Cortesía de Maison & Objet

Redescubrirse a sí mismo mientras se contempla la belleza es una experiencia reconfortante. La instalación es una oda al bienestar, un lugar de paz y serenidad, un viaje relajante a la felicidad que nos trae el balance y la conciencia de sí mismo nos traen. Un paraíso develado por el silencio.

Modern Human Tools por Elementary dKotaro Kanai. Cortesía de Maison & Objet

¿Podrías elaborar sobre el itinerario que imaginaste para ilustrar el tema dentro del Espacio de Inspiraciones?
Para nosotros fue obvio que el comienzo de nuestra historia tenía que darse en una habitación que ejemplificara esta sensación de estar saturado con imágenes. Al entrar a un salón cubierto con vídeos y pantallas de televisión, los visitantes se confrontan inmediatamente con el formidable choque de sonido antes de moverse y estar inmersos en silencio y descubrir cuán valioso es. Así que, al principio, estamos rodeados por sonidos de todos los rincones del mundo, el clamor de los cláxones, una explosión de objetos que colisionan con un ruido estruendoso. Un mosaico caótico representa la vida a la que estamos sujetos día a día; una existencia casi insoportable.

«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

Luego, los visitantes salen por un pasillo y escapan a otro salón. Ante sus ojos, la palabra silencio se despliega a lo largo del muro. Para añadir al elemento de humor y anclar la instalación en la realidad, hay tapones para los oídos disponibles. Traumas, una instalación por el artista plástico Dominique Blais, explora una condición médica: tinnitus, un zumbido desagradable en uno o ambos oídos, una patología que se manifiesta en el silencio. Una sucesión de salones y recesos ayuda a los visitantes a alcanzar un estado en donde pueden fantasear, hacer introspección y sentir el lujo del silencio, en donde encuentran una oportunidad para escucharse a sí mismos.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

El itinerario termina en la biblioteca — el ejemplo perfecto de un lugar silencioso — lleno de libros blancos, cada uno con un objeto blanco entre sus páginas, todos hechos a mano por maestros ceramistas.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Celebras el silencio. ¿Tiene el silencio su propio lenguaje?

El silencio formal se puede manifestar de distintas maneras. En un salón cubierto con poliestireno acústico, los visitantes pueden descubrir un vídeo por la artista Cécile Le Talec. Muestra un pianista mudo tocando una pieza musical en perfecto silencio. La historia se cuenta a través del movimiento, con la cámara enfocada en la expresividad de las manos, que hablan de su propio lenguaje silente. Los visitantes se mueven a otro salón en donde pueden ponerse audífonos y escuchar a sonidos que ya no estamos acostumbrados a escuchar. El silencio además expresa la idea de la serenidad. Un vídeo por el artista danés Grethe Sørensen (Maria Wettergren Gallery) nos adentra a un mundo interior. La noción del tiempo y nuestra percepción de lentitud son cuestionadas por un librero hecho de cristal colorido transparente — Deep Sea por Nendo para Glas Italia — que consiste en estantes de cristal creando una gradación de azules. Los visitantes también encuentran objetos misteriosos, como la selección de vasos de cristal soplado.

Deep Sea por Nendo para Glas Italia. Cortesía de Maison & Objet

El lugar completo es una invitación a pausar y observar la escenografía y permitirse sentir el paso del tiempo. Alrededor del espacio central, ocho recovecos, cada uno alojando una pieza, le da a los visitantes la oportunidad de estar cerca de los objetos en exhibición. El artista Matteo Gonet es un mago: encontró la forma de atrapar nubes. Una jarra de luna tradicional coreana, diseñada solo para el placer de contemplación, emite perfección. Otro recoveco muestra utensilios de madera que se usan en la tradicional ceremonia del té en Japón. En otro, un halo borroso evoca la idea de desaparecerse, nieve y hielo. Las sensaciones traídas por el silencio son fuertes y profundas; encuentran sus raíces en lo más profundo del ser. Son simplemente el portal a la serenidad y la felicidad.

De este viaje a través de la tierra del silencio, ¿qué objetos debemos tener en mente para mejorar nuestras vidas?El pabellón Nascondino por el diseñador Pierre-Emmanuel Vandeputte, una estructura de madera de color claro con un taburete, donde los usuarios se sientan envueltos en una cobija fieltro. Es una solución maravillosa para encontrar algo de privacidad dentro de tu propio hogar o alrededor de otros. Lo mismo sucede con las piezas Alain Gilles creadas para Buzzispace.

Nascondino por Pierre Emmanuel Vandeputte. Foto: Miko Miko Studio. Cortesía de Maison & Objet
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

 

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Hay una abundancia de soluciones de aislamiento disponible actualmente, la mayoría hechos de materiales compuestos, para mayor versatilidad.

www.maison-objet.com

BMW Projection Mapping: Donde se unen el arte, la ciencia y la tecnología de innovación

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El BMW Serie 7 es la última incorporación física de la marca BMW en términos de su artesanía de precisión, innovación tecnológica y diseño visionario. Holition es una agencia de tecnología creativa impulsada a reinventar el futuro a través del lente de antropología digital. BMW colaboró con Holition para explorar maneras en que una instalación experiencial podría comunicar la mezcla única de arte y ciencia ejemplificado por la Serie 7.

La humanización de la tecnología es un valor fundamental de Holition y también se convirtió en el
objetivo clave de este proyecto a través de la cartografía de proyección a medida y la aplicación de rastreo de rostro que surgió.

Lanzado el pasado 9 de noviembre dentro del epicentro de la marca BMW, BMW Welt en Munich, los visitantes quedaron hipnotizados por una proyección de 27 segundos di una instalación de mapping que cuenta maravillosamente la historia del proceso creativo de la Serie 7. Holition creó y programó una innovadora secuencia visual que ilustra su intrincada evolución desde el inicio del diseño hasta la fabricación. Lleva a los visitantes a un viaje educativo mostrando el arte humano involucrado en la creación de los planos técnicos y los moldes de arcilla hasta el trabajo de maquinaria envuelto en la ingeniería y construcción de este lujoso y avanzado automóvil.

Cortesía de BMW Group

No conformes con solo diseñar una fuerte declaración creativa, Holition quiso entrar en nuevos territorios con esta colaboración y cuando les dijeron que nadie en el mundo había proyectado con éxito sobre un automóvil de día, aceptaron el reto. Esto es significativo, ya que tradicionalmente la cartografía de proyección (projection mapping) se realiza en un ambiente oscuro, lo que limita dónde la proyección puede mostrarse. El equipo creativo y de desarrollo de Holition trabajó incansablemente para probar la proyección para que en su encarnación final el visitante esté atraído y asombrado cuando comienza la secuencia visual a aparecer sobre el exterior del auto. La proyección da vida efectivamente al carro.

Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group

La segunda parte de la instalación creativa constó de la personalización de la tecnología de rastreo de rostro por Holition para diseñar una experiencia interactiva de augmented reality. El equipo creativo se inspiró en los elementos futurísticos de los materiales y las curvas naturales del BMW 7 Series y eso es lo que aparece en la cara del visitante, resultando en una imagen híbrida humana intrigante que es tanto juguetona como memorable.

Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group

www.bmwgroup.com

El artista Sebastián Vallejo muestra ocho años de su carrera en “Paramnesia”

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) y su Programa de Artes Plásticas inauguraron la exhibición individual del artista puertorriqueño Sebastián Vallejo, Paramnesia.

Sebastián Vallejo. light ballast, 2010, oleo, acrilico, aerosol, pigmento tranferido, plastico, plastico,brillantina sobre lienzo lienco, 20 x24
Sebastián Vallejo. light ballast, 2010, oleo, acrilico, aerosol, pigmento tranferido, plastico, plastico,brillantina sobre lienzo lienco, 20 x24

Paramnesia reseña la prolífica y joven carrera de Vallejo, quien se ha destacado por sus nuevos acercamientos a la pintura abstracta, incorporando la fotografía y materiales diversos al ejercicio de la pintura. Las obras a presentarse en Paramnesia poseen como concepto unificador la relación entre la belleza y el caos, el desorden y lo sistemático, la ansiedad, la nostalgia y la memoria.

Paramnesia, es la primera exhibición individual de Sebastián Vallejo en un espacio institucional. La muestra abarca ocho años de su carrera, incluyendo obras pertenecientes a las series: Caribbean Beat, Methodic Chaos, Dirge & Rivulets, Lüx, Salvoconducto, Taquicardia y Malegría. Paramnesia es un trastorno mental que consiste en tener recuerdos no fidedignos y alterados. Vallejo explora esta condición de realidad e imaginación de una forma metafórica, fantástica y poética, a través de la cual nos invita a revisar su trabajo desde una paramnesia cultural, un fenómeno por el cual la percepción de las realidades tanto observadas, vividas, imaginadas o soñadas, están totalmente ligadas,” nos dice Sofía Reeser, curadora, sobre esta exhibición.

Sebastián Vallejo. Despertar en Enero II, 2013, pigmento transferido, aerosol, textiles y brillantina sobre lienzo, 50x60
Sebastián Vallejo. Despertar en Enero II, 2013, pigmento transferido, aerosol, textiles y brillantina sobre lienzo, 50×60

 

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40
Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

“Las salas del Arsenal de la Marina se han destacado en los últimos años por ofrecer un espacio importante para la exposición del talento local. Exhibiciones tales como la Muestra Nacional y la Trienal Poli/Gráfica de América Latina, el Caribe y San Juan entre otras, han hecho de las salas del ICP un lugar para la reflexión de nuestra tradición plástica y la creación contemporánea. Con Paramnesia continuamos la labor de que estas salas sean una plataforma de intercambio constante para la comunidad de artistas, estudiantes y amantes del arte y la cultura,” dijo Abdiel Segarra, director del Programa de Artes Plásticas del ICP.

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

www.zawahra-alejandro.com/#/sebastian/

 

Olga Lang y la libertad de expresarse

Para la artista, escritora y poeta Olga Lang lo más valioso es el tiempo y la libertad, ambos que utiliza para plasmar su visión en los momentos de ebullición creativa. 

Desde que se cruza la puerta de entrada de la casa de la artista, los visitantes automáticamente se topan con una infinidad de colores, obras y objetos que gritan “¡Arte!”.

Las paredes se revisten con las pinceladas de Lang, tanto en concreto como en el canvas, los estantes exhiben vajillas que tienen su propia personalidad y las mesas invitan al espectador a sentarse y tomarse un café para sumergirse en uno de los libros que ofrecen. 

Olga Lang (Foto: Valeria Falcón Esteras)

Su carrera comenzó desde que era una niña, ya que sabía que su afición se desempeñaría en el artey comenzó a tomar talleres para ir desarrollando su talento. Luego estudió en la Escuela de Artes Plásticas, obtuvo un bachillerato en Ringling College of Arts and Design y también estudió veranos en la Universidad Autónoma de Mexico. 

La mayoría de las obras de Lang tienen un discurso femenino, ya que la mujer es uno de los elementos recurrentes en sus piezas pero también están presente a menudo los animales.

Olga Lang (Foto: Valeria Falcón Esteras)

La paleta de colores la describe como una “alegre y limpia”. Tiende a ser muy suave, con colores pasteles pero que cogen fuerza en la imagen del canvas. En cuanto a lás técnicas y materiales, se caracteriza por utilizar el óleo, acuarela, y en ocasiones pasteles y hasta pirograbados. 

Aunque su medio principal es la pintura, a veces cambia de pincel a pluma con la que derrama sus sentimientos en el papel. La poesía viene casi natural para la artista, en la que describe sus vivencias, sueños, deseos y lo protagoniza su alma libre. 

Pronto la artista espera publicar su libro, en el que las personas podrán sumergirse en el mundo de Lang y disfrutar de sus historias. Lang vende sus piezas originales pero también acepta comisiones al 787 239-3472.

El MADMi es seleccionado como uno de los 10 mejores museos para visitar en los Estados Unidos

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El Museo de Arte y Diseño de Miramar (MADMi) fue nombrado entre los “10 mejores museos de arte de EE. UU. que deberían estar en tu “bucket list”, por la publicación norteamericana Best Life. El artículo reseña particularmente la ubicación del museo dentro de la histórica casa neoclásica francesa y explica cómo el arte y el diseño presentado en las salas sirven de ejemplo de los cambios ocurridos en Puerto Rico bajo los efectos del Modernismo.

“Nuestro museo cumplió cuatro años de fundación hace solo unas semanas. Recibir esta noticia hoy nos valida el trabajo que hemos estado haciendo, y nos llena de motivación para continuar con nuestra misión de inspirar a través del arte y el diseño, y ser motores de bienestar social en nuestra comunidad. Esta distinción, además, es un reconocimiento a la excelencia de nuestro programa de exhibiciones a cargo de nuestra curadora en jefe Marilú Purcell Villafañe, y al alto nivel del arte y diseño que actualmente se está realizando en Puerto Rico”, expresó Nicole Pietri, directora del MADMi.

 



Desde su majestuosa casa rosada, antigua residencia de don Eduardo Méndez Bagur quien legó su casa para albergar el museo, el MADMi ha trabajado por los pasados cuatro años en presentar el diseño desde sus múltiples disciplinas, enalteciendo la funcionalidad cotidiana del buen diseño. Además, el museo está dedicado a presentar una programación variada, inclusiva, accesible y comprometida con los diferentes sectores de su comunidad. Con el apoyo del tercer sector, como Fundación Eduardo Méndez Bagur y Titín Foundation, y compañías privadas como UBS y Merrill Lynch, desde su fundación en noviembre de 2018, el MADMi ha celebrado casas abiertas, talleres sabatinos, talleres para personas de la tercera edad, recorridos guiados para personas con impedimento visual y encuentros de arte y diseño a través de ferias, eventos participativos como el Design Hunt, y mercados estilo “pop up”, que promueven a las industrias creativas en la isla.

“Felicitó al equipo del MADMi por este logro. Desde su conceptualización, el MADMi ha contado con nuestro apoyo siendo un proyecto emblemático de la Fundación. Estamos orgullosos de ser parte medular de la creación desarrollo y mantenimiento de este espacio cultural que armoniza aspectos prioritarios de nuestra misión y visión”, expresó Sofía Martínez Álvarez, directora ejecutiva de Titín Foundation.

Viaja a los 1960 al son del Jazz


Actualmente el museo exhibe TRANSFORMACIONES, una selección de 36 obras de la colección puertorriqueña y Latinoamérica del Museo de Arte de Ponce. La exhibición cuenta con grandes obras de artistas puertorriqueños y latinoamericanos, entre los cuales figuran Claudio Bravo (Chile), Olga Albizú (Puerto Rico), Cundo Bermúdez (Cuba), Angel Botello (España), Agustín Fernández (Cuba), Lorenzo Homar (Puerto Rico), Olga Dueñas y Rafael Tufiño, entre muchos otros artistas de reconocimiento internacional.

‘Universo Miró’ busca conectar con la audiencia en un contexto boricua

Marko Daniel, director Fundación Miró; Elena Salgado, presidenta Fundación Abertis; Sara Puig, presidenta de la Fundación Miró; Juan Carlos López, curador del MAPR; Julián Fernández, director general de Metropistas.

Tras mostrarse exitosamente alrededor del mundo, la exhibición que destaca la última etapa del artista español Joan Miró llega a las salas del Museo de Arte de Puerto Rico (MAPR) con la intención de promover la cultura y crear un diálogo con la audiencia local. 

Entre 2019 y 2022, la Fundación Miró ha llevado la muestra a las embajadas de España en Roma, Berlín, Dublín, Bruselas, París y Nueva Delhi, así como en el Centro Cultural de España en México.

“En todos los lugares que lo hemos llevado ha tenido un impacto matizado por el contexto local”, dijo Marko Daniel, director de la Fundación Miró, en entrevista con 90 Grados. “Cuando llevamos otra exhibición de Miró a Seúl, Corea, allí todo el grupo veía en su obra la relación de Miró como un artista a favor de la democracia en contra de la dictadura. Obviamente es un tema que en Corea tiene mucha exigencia por su pasado dictatorial”.

Marko Daniel, director de la Fundación Miró (Suministrada)

Por otro lado, “en México, el año pasado, me sorprendió mucho como la obra de Miró tuvo otra relación directa con el contexto cultural prehispánico”, añadió. 

La selección de las piezas que ahora revisten la sala del MAPR, recogen la esencia del artista en un punto en el que Miró ya había desarrollado su lenguaje artístico plenamente. El conjunto incluye las pinturas de 1978 Mujer en la noche, Mujer, Personajes y pájaros con un perro y Personajes y pájaros en un paisaje nocturno, las cuales, además de desarrollar el lenguaje sígnico del artista, presentan otro de los elementos capitales de su universo: el uso de los colores vivos. 

Si hay algo que caracteriza Miró es la universalidad, ese lenguaje propio que le llega a los niños, adultos, los que saben de arte y a los que no”, expresó por su parte Juan Carlos López Quintero, curador del museo. 

Joan Miró. Personajes y pájaros con un perro. 1978 (Suminsitrada)

Entre los elementos presentes en el discurso del artista están los personajes como las mujeres y animales; y signos celestes como las estrellas, luna, y sol que representan su relación con el universo. 

“Es difícil a veces hablar de la universalidad pero en el caso de Miró, puedo decir que lo era completamente porque tiene una conexión tan directa e importante con sus orígenes, que puede hablar con un público muy general e internacional”, expresó Marko Daniel. 

Al indagar sobre las actividades que el museo tenía planificadas, el curador López Quintero aseguró que se anunciarán varias actividades en torno a Joan Miró , comenzando con una visita guiada por él.  

“Espero que para el puertorriqueño sea una oportunidad, no solo de ver las obras de Miró, sino de también respirar este espíritu de la relación de un gran artista del siglo veinte con artistas en otros contextos, incluyendo jóvenes artistas que crearan el arte del futuro”, concluyó el presidente de la fundación.

La muestra, que estará abierta al público hasta el 19 de marzo de 2023, es posible gracias al esfuerzo colaborativo entre la Fundación Miró, Fundación Abertis y Metropistas. El horario del Museo de Arte de Puerto Rico –que está ubicado en el #299 de la Avenida de Diego, en Santurce- es los jueves, de 11:00 a.m. – 8:00 p.m. y de viernes a domingo, de 11:00 a.m. – 5:00 p.m.

Instituto de Cultura Puertorriqueña presenta la primera exhibición institucional del artista Jorge González

Bateyes del Chibal detalle de ofrenda foto por Sebastián Meltz Collazo cortesía de Embajada y Protocinema Exh. Jorge González (Suministrada)

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) anunció que la apertura de la exhibición “En la luz como ceniza” del artista Jorge González será este miércoles, 21 de diciembre, a las 6:00pm en el Arsenal de la Marina Española en el Viejo San Juan. La exhibición del artista plástico y artesano es la primera organizada por el Programa de Artes Plásticas de la institución y tendrá como preámbulo una actividad educativa llamada “Una espiral tejiendo la memoria de nuestro suelo” a las 3:00pm. En esta actividad previa a la apertura, González realizará una presentación sonora acompañado por los artistas Alex Hernández Belaval, Daniel Silva, Ibo Arcana y Rafael Trinidad.

“Estamos entusiasmados de apoyar y poder formar parte de esta primera exhibición institucional del artista Jorge González en el ICP. Precisamente en el 2021 se adquirió una de sus obras para la Colección Nacional como parte del proyecto Muestra Legado y nos enorgullece ser testigos de cómo se sigue expandiendo su impresionante trabajo. Los invitamos a acompañarnos en la apertura de esta exhibición especial que destaca el talento de un gran artista puertorriqueño”, expresó Carlos Ruiz, director ejecutivo del ICP. 

Bateyes del Chibal foto Sebastián Meltz Collazo cortesía de Embajada y Protocinema Exh. Jorge González

El trabajo de González tiende puentes entre las formas de vida indígenas y modernas, y estas pueden verse activas desde Escuela de Oficios, la plataforma de investigación y práctica que ha guiado durante pasada década. La escuela-taller encamina maneras para relacionarnos con nuestra historia utilizando procesos naturales y técnicas ancestrales, como parte del desarrollo de un espacio crítico sobre nuestros modos de producción, que se encuentran en precariedad a consecuencia del consumo ilimitado.

“La exhibición “En la luz como ceniza”, se hilvana entre un recorrido desde la Sala Este, hasta la Capilla de los predios históricos del Arsenal, e incorpora las técnicas constructivas de revestimiento de barro, tejido de fibra de bambú, tejido artesanal de los soles de Naranjito, dibujo en hollín, y velas de cebo, que se moldean con sabidurías indígenas de la cultura Yokot’án del estado de Tabasco, en México”, mencionó la directora del Programa de Artes Plásticas del ICP, María del Mar Caragol.

Bobby Sayers cortesía de Under the Mango Tree-Santiniketan – Exh. Jorge González

La exhibición contó con la curaduría de Michy Marxuach y el apoyo de la galería de arte Embajada, co-dirigida por Christopher Rivera y Manuela Paz. Asimismo, la muestra está respaldada por la Puerto Rican Arts Initiative 2, quienes co auspician la programación.

“Las instalaciones in situ serán el resultado de aprendizajes que han sido traspasados por sabedores y que a su vez promueven un respeto a los misterios que solo pueden encarnarse cuando nos distanciamos de las lenguas hegemónicas y las formas occidentales de relacionarnos con el mundo, los seres y la producción. La luz y la oscuridad serán canales de resonancia.”, manifestó Marxuach, sobre la llamativa exhibición.

Michy Marxuach es fundadora de M&M proyectos, y organizadora de exhibiciones junto a Fundación Joan Miró y Museum of Modern Art, entre otros. Por su parte, el Puerto Rican Arts Initiative 2 nace gracias al apoyo económico de The Andrew Mellon Foundation y a través de una alianza entre Northwestern’s School of Communication y la University of Texas at Austin’s College of Fine Arts.

Nueva galería de arte en la sede del ICP

Jorge González es un artista conceptual que investiga el paisaje, su ecología y producción material, y a través de la óptica de la arquitectura moderna manifiesta una práctica escultórica con un profundo contexto socioeconómico. A lo largo de su carrera ha recibido importantes premios y becas de arte como el Davidoff International Art Residency 2017 y la beca de la fundación United States Artists. Además, se ha presentado en distintas ferias y exhibiciones colectivas en múltiples países de Latinoamérica, al igual que residencias de arte internacionales.

Para los detalles del programa educativo de la exhibición puede entrar a CulturalPR.com. 

Si necesita información adicional puede escribir a mcaragol@icp.pr.gov

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