Arte

Autor: Pablo Rubio

Movido por su inquietud hacia un nuevo nacimiento escultórico, el cemento es su respuesta. Modelando y tallando, al final nace una escultura abstracta dentro de un mundo de moléculas, esferas, curvas orbitales, triángulos, rectángulos y cuadrados; negativos y positivos que juegan y vibran con el conocimiento de una ecuación. Pero con la magia del arte plástico, en el mundo sin fin, de la escultura contemporánea.

La magia de la escultura permite diversas interpretaciones. Por ejemplo, en “Monolito del Pensamiento”, hay tres esferas intercaladas en curvas orbitales donde los espacios son protagonistas. En su búsqueda de una escultura sincera, me recuerda al Maestro Jorge Oteiza (1908-2003), quien, en su insaciable búsqueda de tridimensionalidad, afirmaba que “el volumen despierta el surco en la tierra” (1935). Nuestro artista, Méndez Robles, logra esto modelando, tallando y puliendo.

A mis ojos, interpreto sus obras como esculturas abstractas de madonas y personajes en distintos movimientos, como en “El Último Glacial”. En otras, veo símbolos sin perder de vista el nuevo renacer escultórico que el artista propone. Al vuelo de mi imaginación, recuerdo los movimientos mágicos de los Maestros Rafael López del Campo (1936-2009) en algunas de las madonas; así como la obra “Composición” (1967) de Eduard Serra (1911-2002), Prats Ventós (1925-1999) con su escultura “Virgen y Niño” (1978), y Pablo Serrano (1908=1985), quien sostenía que “todo el mundo tiene una interpretación y un recuerdo al referirse a una obra de arte que surge de la participación activa del espectador” (1968).

Cielo y cosmos representan sinceridad y universalidad. En su escultura, como en todos los movimientos abstractos, la interpretación depende del espectador. El escultor habla de su trabajo como distintos momentos en el tiempo. No tengo ninguna duda de que su escultura nace de su pintura. Este nuevo mundo de modelar y tallar lo lleva, con pasión, logrando al final una escultura sincera y presencial. Es notable destacar en algunas de sus piezas el pulido del cemento, el diseño de sus bases y, en ciertos casos, el cambio de color y textura, logrando un acabado exquisito.

Otra de mis observaciones sobre algunas de sus obras es la magia de la monumentalidad, como se puede apreciar en “Umbral”. Su escultura evoca raíces ancestrales de un pueblo que no ha muerto, el movimiento de las nubes en el cielo, el ritmo de las olas de nuestras playas, las montañas, los valles y los bosques. Es una interpretación completa y moderna que captura el movimiento, los círculos y la gracia de sus curvas, constituyendo una composición personal. En este recorrido por sus piezas, no tengo la menor duda de que domina las técnicas de modelado y tallado en cemento. Su obra escultórica es el resultado de una búsqueda sincera y una revolución.

El Museo de Las Américas presenta en octubre una programación que invita al público a acercarse a sus exposiciones y eventos culturales a través de conversaciones, recorridos guiados y actividades especiales. La agenda del mes reúne encuentros en torno al arte y la creación, nuevas muestras que rescatan la memoria cultural puertorriqueña y la esperada celebración dedicada a la tradición de las Catrinas. 

La programación especial comenzará el jueves, 8 de octubre, a las 6:00 p.m., con el conversatorio; El cuerpo: entre las texturas de la vida y de la muerte, dedicado a la obra de la artista Amanda Carmona Bosch. El encuentro, que tendrá lugar en la Sala 3, reunirá a Nora Rodríguez Vallés, Rubén Alejandro Moreira y Emanuel Torres, bajo la moderación de Laura Bravo. La actividad propone un espacio de diálogo en torno a la obra de Carmona Bosch y las ideas que surgen de su exploración del cuerpo, la vida y la muerte. 

El 15 de octubre abrirá al público la exposición, La colección de carteles de la FPH: Memoria gráfica de las humanidades públicas puertorriqueñas, presentada con motivo del 50 aniversario de la Fundación Puertorriqueña de las Humanidades. A través de estas piezas, el público podrá acercarse a distintas iniciativas, temas y momentos vinculados con la promoción y divulgación de las humanidades en Puerto Rico, convirtiendo el cartel en un documento de memoria cultural. La muestra, que incluye obras de Lorenzo, Homar, Jack Delano, Rafael Tufiño, José Alicea, Rafael Rivera Rosa, Nelson Sambolín, Consuelo Gotay, Antonio Martorell, Isabel Bernal, José Luis Díaz de Villegas, Poli Marichal, Lyzette Rosado y Carmelo Sobrino, entre otros maestros y maestras de la gráfica puertorriqueña, podrá visitarse hasta el 24 de enero de 2027. 

El miércoles, 21 de octubre, a las 6:00 p.m., el público tendrá la oportunidad de conocer más de cerca la exposición, PRetrospectiva: 20 años de Jorge ‘Rito’ Cordero, mediante un recorrido guiado con la Dra. Lydia Platón Lázaro. La actividad se llevará a cabo en la Sala 2 y permitirá profundizar en la trayectoria de dos décadas del artista a través de su exposición. 

La programación especial del mes culminará el 29 de octubre con la siempre anticipada, Noche de Catrinas, que en esta ocasión se le dedica a Catalino “Tite” Curet Alonso en su centenario. 

Cabe destacar que, como parte de su programación regular, el museo ofrecerá además recorridos guiados de sus exposiciones todos los días a la 1:00 p.m., una nueva alternativa para que visitantes locales y turistas puedan conocer las muestras en sus salas, acompañados por una mirada contextualizada a las obras y sus contenidos. 

Durante este mes el público podrá disfrutar de la exposiciones temporales: El cuerpo, entre las texturas de la vida y de la muerte, de la artista Amanda Carmona Bosch y PRetrospectiva: 20 años de Jorge “Rito” Cordero, y de las exposiciones permanentes: Las Artes Populares en Las Américas, Santos de Palo de Puerto Rico, colección Alegría-Pons, El Indígena de Las Américas, Conquista y Colonización y Herencia Africana.  

El costo regular de entrada al Museo es de $8.00 para adultos y de $5.00 para estudiantes, seniors (con ID) y niños.  

Los programas públicos del Museo de Las Américas son posibles gracias al auspicio de: Mellon Foundation, Fondo Flamboyán para las Artes, la Compañía de Turismo de Puerto Rico, Humanidades Puerto Rico y la Comisión Especial Conjunta de Fondos Legislativos para Impacto Comunitario.  

Para información adicional y reservaciones para grupos puede llamar al 787-724-5052, escribir a [email protected] o visitar www.museolasamericas.org. Para conocer información actualizada del Museo de Las Américas pueden unirse a su comunidad virtual a través de Facebook e Instagram como @museolasamericaspr.

El colectivo artístico puertorriqueño Y No Había Luz, presentado por Arte y Maña, y apoyado por la iniciativa Maniobra, del Centro de Economía Creativa, anuncia el evento Construcción de Máscaras, un taller intensivo de construcción de máscaras que se llevará a cabo del 17 al 22 de octubre de 2026. 

Durante 21 horas contacto, las personas participantes entrarán en un proceso práctico de diseño y construcción que recorrerá distintas etapas de creación: desde la concepción de una idea y la exploración de materiales hasta la construcción, pintura, terminaciones y detalles que dan identidad a una máscara. 

Más que aprender a fabricar un objeto, Construcción de Máscaras propone descubrir lo que sucede cuando una idea toma forma, se coloca sobre el rostro y comienza a transformar el cuerpo. 

El taller nace de la experiencia de Y No Había Luz, colectivo que por más de dos décadas ha desarrollado un lenguaje artístico interdisciplinario en el que convergen el teatro, las máscaras, los títeres, los objetos, las artes visuales, el movimiento y la creación colectiva. Su práctica entiende la construcción no como un elemento separado de la escena, sino como parte fundamental del proceso creativo: pensar con las manos, investigar haciendo y permitir que los materiales también propongan caminos. 

Aunque el énfasis del Taller estará en la construcción de máscaras, el proceso abrirá momentos para explorar el objeto creado desde el cuerpo, el movimiento y el espacio teatral. De esta manera, cada participante podrá comenzar a descubrir cómo una máscara deja de ser únicamente una pieza visual para convertirse en presencia, personaje y posibilidad escénica. 

La experiencia está dirigida tanto a personas con experiencia artística como a quienes sienten curiosidad por acercarse por primera vez a la construcción y al universo de la máscara. Cada participante podrá desarrollar una pieza relacionada con sus propios intereses: desde una máscara teatral hasta una creación pensada para una celebración, actividad carnavalesca u otro contexto artístico. 

Seis días para imaginar, construir y transformar 

El taller Construcción de Máscaras se desarrollará del sábado 17 al jueves 22 de octubre. 

El sábado 17 se trabajará de 10:00 a.m. a 4:00 p.m. y el domingo 18 de 11:00 a.m. a 4:00 p.m. Del lunes 19 al jueves 22, los encuentros serán de 6:00 p.m. a 9:00 p.m., para completar un total de 21 horas de contacto. 

El jueves 22, último día de la experiencia, culminará con los detalles finales de las máscaras y una sesión fotográfica, enfocada en documentar las máscaras terminadas y explorar la relación entre máscara, cuerpo, personaje e imagen. 

Una semilla para continuar creando 

La Construcción de Máscaras  forma parte del interés de Y No Había Luz por continuar generando espacios de formación, intercambio de saberes y experimentación artística. La experiencia permitirá, además, recoger información sobre los intereses y necesidades de sus participantes con miras al desarrollo de futuros talleres y un laboratorio teatral de formación continua. 

La propuesta busca crear un espacio donde personas con distintos niveles de experiencia puedan encontrarse alrededor del Hacer: construir, probar, equivocarse, observar, transformar y volver a intentar. 

Porque antes de habitar la escena, la máscara también se imagina, se toca, se construye y se descubre. 

Inscripción y costo 

El costo de participación es de $200, con un depósito de $25 no reembolsable para reservar el espacio. Las personas que completen su pago en o antes del 5 de octubre recibirán un 15 % de descuento, para un costo total de $170. La fecha límite para completar el pago regular será el 12 de octubre de 2026. Becas disponibles. Cupo limitado.

La artista y educadora puertorriqueña Aurelis Lugo, integrante de Wake County Public Schools, ha sido reconocida como Special Needs Art Educator of the Year por la North Carolina Art Education Association (NCAEA), como parte de los 2027 State Art Education Awards. 

El reconocimiento distingue su labor en la educación artística y su compromiso con estudiantes con necesidades especiales, una dimensión de su práctica profesional que ha trascendido el salón de clases para convertirse también en una plataforma de exhibición, representación y participación artística. 

Para Lugo, el arte constituye una herramienta para que cada estudiante pueda desarrollar su voz, comunicar sus experiencias y descubrir nuevas posibilidades. 

“Todos los estudiantes merecen tener un espacio donde puedan ser escuchados, crear y sentirse parte de una comunidad. Para mí, enseñar arte significa abrir ese espacio y ayudar a que cada estudiante pueda descubrir su propia voz.” 

El reconocimiento de NCAEA se suma a una serie de experiencias que han marcado la trayectoria reciente de Lugo como artista y educadora. 

En 2025, fue seleccionada entre miles de educadores de todo el país como una de solo 25 participantes de la cohorte 2025 del School of Art Leadership Cohort (SALC) de la National Art Educators Association (NAEA). El programa nacional desarrolla competencias de liderazgo, colaboración y transformación dentro del campo de la educación artística. 

Como parte de esta experiencia, Lugo participó en la 2026 NAEA National Convention, celebrada en Chicago del 5 al 7 de marzo de 2026. Allí formó parte de la presentación “Cultivating Connection: Art as a Tool for Reflection, Collaboration, Leadership, and Community Building”, una sesión enfocada en el arte como herramienta para la reflexión, la colaboración, el liderazgo y la construcción de comunidad. 

Su desarrollo profesional también la llevó a participar en la 2025 NEA Global Learning Fellowship, experiencia que le permitió obtener una oportunidad de aprendizaje internacional y realizar un viaje educativo a Sudáfrica en julio de 2026. 

A estas experiencias se suma su selección como North Carolina Equity Fellowship Educator Fellow, donde continúa desarrollando estrategias relacionadas con prácticas educativas más equitativas, culturalmente afirmativas e inclusivas. 

Uno de los proyectos que mejor refleja la filosofía de Lugo es “We Can Too”, exposición en la que se desempeñó como curadora y que presentó obras realizadas por niños y jóvenes con necesidades especiales. 

La exposición, presentada en el Diamante Arts & Cultural Center en Raleigh, convirtió el espacio cultural en una plataforma para reconocer las capacidades creativas de estos estudiantes y colocar sus obras frente a una audiencia más amplia. 

Para Lugo, este proyecto representó una extensión natural de su trabajo educativo: no solamente enseñar a crear, sino crear las condiciones para que el trabajo de sus estudiantes sea visto, valorado y reconocido. 

“El arte no termina cuando el estudiante termina una obra. También tenemos que preguntarnos dónde puede existir esa obra, quién puede verla y qué sucede cuando reconocemos al estudiante como artista.” 

La historia personal de Lugo también forma parte de su visión como educadora. Nacida y criada en Puerto Rico, ha hablado sobre haber crecido con acceso limitado a oportunidades relacionadas con las artes y cómo esa experiencia influyó en su deseo de crear para otros las oportunidades que ella misma hubiera querido tener. 

Hoy, desde Carolina del Norte, su trabajo conecta educación artística, identidad cultural, inclusión y liderazgo, mientras continúa desarrollándose simultáneamente como artista y educadora. 

Recientemente, Lugo también tuvo la oportunidad de representar a artistas hispanos durante una celebración del Mes de la Herencia Hispana en la Governor’s Mansion de Carolina del Norte, donde compartió su obra Inmarcesibles y las historias de mujeres afro-puertorriqueñas que han contribuido a la historia de Puerto Rico. 

Estas experiencias reflejan una trayectoria que conecta su identidad puertorriqueña con su trabajo educativo y artístico en Carolina del Norte. 

Además de sus responsabilidades como educadora, Lugo ha participado en residencias, conferencias, proyectos comunitarios y espacios profesionales de desarrollo artístico. Entre ellos se encuentra su participación en la Artist Educator Residency de Moore College of Art & Design en Philadelphia, donde profundizó en su propia práctica artística y exploró la relación entre creación, reflexión y educación. 

También ha presentado “Creative Access: Designing Meaningful Learning for Diverse Learners” en la NC Comprehensive Arts Education Conference, compartiendo estrategias para diseñar experiencias de aprendizaje significativas para estudiantes con diferentes necesidades y formas de aprender. 

Para Lugo, continuar creciendo como artista es inseparable de crecer como educadora. 

“Como educadores, damos muchísimo de nosotros a nuestros estudiantes. Pero también necesitamos continuar creando, aprendiendo y desarrollándonos. Cuando crecemos como artistas, llevamos esa energía, esa curiosidad y esa libertad de regreso a nuestros estudiantes.” 

El reconocimiento como Special Needs Art Educator of the Year representa así un nuevo capítulo en una trayectoria que continúa creciendo a través del arte, la educación y el compromiso con la inclusión. 

Desde las aulas de Wake County hasta escenarios estatales, nacionales e internacionales, Aurelis Lugo continúa construyendo espacios donde el arte se convierte en una herramienta para escuchar, conectar, representar y transformar. 

Para más información sobre Aurelis Lugo y su trayectoria como educadora y artista, visite: www.aurelislugo.com 

Una lectura de la exhibición de Luis Gabriel Sanabria, curada por Raquel Pérez Puig, en Nuestro Barrio Warehouse.

Texto por: Arq. Javier De Jesús Martínez

Puerto Rico está lleno de lugares que guardan las huellas de aquello que alguna vez imaginamos como progreso. Infraestructuras que prometieron desarrollo, instalaciones que tuvieron un propósito y luego fueron abandonadas, paisajes transformados por decisiones industriales, militares, urbanas y económicas cuyos efectos permanecen mucho después de que desaparecieran las circunstancias que las produjeron. Son fragmentos dispersos de una historia territorial que conocemos, aunque pocas veces tenemos la oportunidad de mirar juntos.

Biotopías, del artista Luis Gabriel Sanabria, bajo la curaduría de Raquel Pérez Puig, los aproxima y los hace conversar. En Nuestro Barrio Warehouse, la exposición construye una geografía en la que máscaras, vestuario, cerámica, fotografía, video y performance conectan lugares distantes y revelan algo que comienza a hacerse evidente mientras recorremos la sala: cuando las huellas se colocan unas junto a otras, dejan de parecer episodios aislados y comienzan a revelar patrones.

El propio título contiene una clave. Biotopías surge del encuentro entre biotopo y utopía, entre el territorio que sostiene la vida y nuestra capacidad para imaginar otras maneras de habitarlo. Esa posibilidad, sin embargo, se enfrenta aquí a un paisaje atravesado por décadas de ocupación, industrialización, deterioro y abandono. El territorio que encontramos no es una superficie vacía sobre la cual proyectar nuestras aspiraciones. Es un organismo cargado de memoria.

Y sobre ese territorio aparece el vejigante. Su presencia resulta particularmente poderosa. Una figura profundamente vinculada a nuestra cultura popular y al imaginario carnavalesco puertorriqueño abandona momentáneamente el espacio de la fiesta para internarse en otro paisaje. Junto a él aparecen criaturas provenientes de relatos y mitologías locales, transformadas por Sanabria en una nueva constelación de personajes. Ya no están allí solamente para representar una tradición. Están allí para mirar. Para señalar. Para advertir.

En las fotografías, estas figuras comparecen frente a antiguos espacios militares, complejos industriales, vertederos, infraestructuras abandonadas y territorios afectados por contaminación o deterioro. El paisaje deja entonces de ser fondo. Se convierte en evidencia. Ese desplazamiento es fundamental.

Porque al reunir estas geografías, Biotopías permite comprender como patrón aquello que aisladamente podríamos interpretar como accidente. Una instalación abandonada aquí. Una infraestructura obsoleta allá. Un terreno contaminado. Una escuela que dejó de funcionar. Un cementerio de automóviles. Un vestigio militar. Una operación industrial cuyo protagonismo económico desapareció mientras sus consecuencias permanecieron inscritas sobre el suelo. Vistos individualmente son lugares. Vistos juntos, cuentan una historia.

Es la historia de una relación con el territorio construida demasiadas veces desde modelos que se posan sobre él, en lugar de emerger de sus condiciones. Modelos económicos, industriales, urbanos y de movilidad que en algún momento fueron presentados como signos de progreso y que, décadas después, permanecen entre nosotros convertidos en ruinas, contaminación, superficies impermeabilizadas, estructuras vacantes o paisajes profundamente alterados.

El automóvil ofrece quizá una de las imágenes más elocuentes. Durante generaciones organizamos buena parte de nuestro territorio alrededor de él. Construimos carreteras, estacionamientos, urbanizaciones y patrones de ocupación que privilegiaron su movimiento. Pero el ciclo no termina cuando el automóvil deja de funcionar. También queda su cuerpo. Y esos cuerpos acumulados terminan produciendo otro paisaje, el del junker, donde aquello que alguna vez representó movilidad termina convertido en inmovilidad territorial.

Ahí reside una de las fuerzas de la exposición: hacer visible la acumulación. El territorio acumula nuestras decisiones. Acumula aquello que construimos y aquello que abandonamos. Acumula las consecuencias de modelos que tuvieron un comienzo, un período de auge y eventualmente un final, aunque sus impactos ambientales nunca hayan terminado realmente con ellos. El paisaje se convierte así en archivo de nuestras prioridades.

Frente a ese archivo, las criaturas de Sanabria adquieren otra dimensión. El vejigante parece reconocer algo que nosotros todavía estamos intentando comprender. Su aparición puede leerse como alerta, pero también como anticipación. Mira hacia las ruinas del pasado mientras parece advertirnos sobre las ruinas que todavía podemos evitar. Porque Biotopías no habla únicamente de aquello que ocurrió. Habla también de nuestra extraordinaria capacidad para repetir.

Cada generación recibe nuevas promesas. Nuevas infraestructuras. Nuevas inversiones. Nuevas maneras de nombrar el desarrollo. Algunas transformarán positivamente nuestra vida colectiva. Otras podrán esconder, detrás de su condición prometedora, relaciones con el territorio cuyos verdaderos costos solamente serán visibles cuando haya desaparecido el entusiasmo que las acompañó.

Por eso mirar las ruinas importa. No como ejercicio de nostalgia ni como contemplación del deterioro, sino como instrumento para imaginar el futuro. Las ruinas contienen información. Nos permiten reconocer patrones, entender consecuencias y preguntarnos qué decisiones estamos tomando hoy cuyos efectos permanecerán mucho después de nosotros.

Es ahí donde encuentro quizás la dimensión más profundamente biotópica de la exposición. La utopía que propone no parece ser la imagen de un territorio perfecto. Es algo más complejo y, quizá, más urgente: la posibilidad de aprender a coexistir. Reconocer que territorio, comunidad, cultura, infraestructura y naturaleza forman parte de una misma ecología y que intervenir una de esas dimensiones inevitablemente transforma las demás. El vejigante se convierte entonces en algo más que una referencia cultural. Se convierte en defensor del territorio. Su máscara no oculta. Revela.

Su presencia carnavalesca introduce humor, extrañeza e imaginación allí donde podría haber solamente denuncia. Y esa operación es importante porque Sanabria no nos conduce exclusivamente hacia el desastre. Nos devuelve también la capacidad de imaginar. Frente al deterioro, inventa criaturas. Frente al abandono, construye relatos. Frente a territorios heridos, activa cuerpos capaces de recorrerlos, habitarlos y confrontarlos. La imaginación aparece así como una forma de conciencia territorial.

También Nuestro Barrio Warehouse se transforma con la exposición. La sala demuestra su capacidad para dejar de ser simplemente espacio expositivo y convertirse en dispositivo de interpretación. El visitante transita entre objetos, cuerpos, imágenes y paisajes mientras recorre, simbólicamente, distintas geografías del archipiélago. La sala se convierte en Puerto Rico por un instante.

Un Puerto Rico fragmentado y simultáneo, donde territorios distantes comienzan a conversar porque comparten las huellas de decisiones que, vistas en conjunto, revelan algo sobre nosotros. Esa posibilidad resulta particularmente significativa para Nuestro Barrio. Un espacio cultural alcanza otra dimensión cuando permite que el arte no solamente sea mostrado, sino que produzca preguntas sobre el lugar que habitamos. Cuando una sala puede convertirse en mapa, archivo, foro, paisaje y provocación, también amplía las posibilidades de aquello que entendemos como infraestructura cultural.

Quizás por eso Biotopías reviste tanta importancia. Porque Luis Gabriel Sanabria y Raquel Pérez Puig nos colocan frente a una geografía que conocemos, pero que pocas veces contemplamos simultáneamente. Y al hacerlo, algo cambia. Los lugares dejan de ser excepciones. Las ruinas dejan de ser anécdotas. Los abandonos dejan de estar aislados.

Aparece el patrón. Y en medio de ese paisaje aparece nuevamente el vejigante. Nos mira. Reconoce lo que hemos dejado atrás. Recorre aquello que todavía permanece. Y parece adelantarse hacia un territorio que aún no existe, recordándonos que cada futuro que prometemos termina, inevitablemente, convirtiéndose en el paisaje que alguien tendrá que habitar.