Arquitectura - Page 3

Raytrace de Benjamin Hubert se presenta en Fuorisalone en Milán

/
Please go to your post editor > Post Settings > Post Formats tab below your editor to enter video URL.

Cosentino, líder mundial en superficies innovadoras para arquitectura y diseño, presenta Raytrace, la instalación inmersiva en colaboración con el diseñador Benjamin Hubert de LAYER en Milan Design Week. La espectacular instalación arquitectónica muestra el innovador producto Dekton® de Cosentino y cómo cobra vida.

Raytrace por Benjamin Hubert de LAYER para Dekton. Foto: David Zanardi

Raytrace es una experiencia dramática e interactiva que muestra la armonía entre la naturaleza, la luz y la arquitectura. Ubicado en los oscuros túneles atmosféricos de Ventura Centrale, Raytrace es un paso triangular de 25 metros de largo y 6 metros de altura hecho de superficies ultracompactas Dekton®. Estas superficies, aparentemente equilibradas en un solo borde, crean un enorme pasaje en el que los visitantes pueden caminar y convertirse en parte integral de la instalación.


Benjamin Hubert se inspiró en el proceso de creación de Dekton® al diseñar Raytrace colocando nuevamente el elemento del agua en el material con cáusticos, la refracción de la luz a través del agua. Al entrar en la instalación, un fascinante patrón cáustico baila lentamente sobre la superficie, evocando la sensación serena de estar bajo el agua. El patrón cáustico es impulsado por 29 esferas de vidrio y 87 luces LED. Dos espejos en ambos extremos de la bóveda reflejan la instalación, creando la ilusión de un espacio infinito y ofreciendo vislumbres de los patrones cáusticos que se desarrollan en el interior.

Caustic Spheres – Raytrace por Benjamin Hubert de LAYER para Dekton. Foto: David Zanardi

«Raytrace reúne el tamaño y la gravedad de Dekton®, que cobra vida con una idea poética de devolver el agua a este material con luz, forma y arquitectura, para crear una experiencia sorprendente para el visitante», dice Benjamin Hubert, fundador de LAYER. «Lo más importante de Raytrace es cómo hace que la gente se sienta. Alentamos a las personas a tocarlo, a interactuar y a experimentar realmente las propiedades de Dekton®».

Raytrace utiliza Dekton® Slim, el material más nuevo introducido este año con un grosor de solo 4 mm. Dekton® Slim combina la durabilidad y la tecnología de Dekton® en un formato más delgado y liviano, lo que la convierte en una de las superficies más innovadoras y livianas del mercado, creando nuevas posibilidades para las aplicaciones arquitectónicas. El elemento triangular de Raytrace está hecho de 380m2 de Dekton® Slim en el color Zenith, un color sólido blanco con un acabado mate. El piso de la instalación está compuesto por 365m2 de Dekton® (20 mm) en el color Spectra, un acabado negro brillante de la colección Basiq Xgloss de Dekton®. Alrededor del túnel triangular hay veinte taburetes de Dekton®, que alientan a los visitantes a sentarse y disfrutar de la instalación y los fascinantes patrones cáusticos.

Raytrace por Benjamin Hubert de LAYER para Dekton. Foto: David Zanardi

«Dekton® es increíblemente versátil, y Raytrace muestra no solo las posibilidades de diseño, sino también la resistencia a la flexión y la belleza estética del material. La intención de Raytrace es inspirar a los arquitectos y diseñadores a pensar en el futuro de la arquitectura y utilizar nuestro material de nuevas maneras», dice Santiago Alfonso, Vicepresidente de Marketing y Comunicación de Cosentino Group.

Raytrace se exhibe en los históricos almacenes abovedados debajo de la estación central de trenes de Milán como parte de la tercera edición de Ventura Centrale. El fondo icónico de estos espacios arqueados alberga instalaciones de marcas y diseñadores de renombre internacional, lo que lo convierte en un destino de visita obligada durante la Semana del Diseño de Milán.

www.cosentino.com

London Wall Place construye sobre la historia

El nuevo esquema comercial de Make revela y celebra el Muro Romano original y los restos de saxon por primera vez en décadas.

Make Architects completó su proyecto London Wall Place, un nuevo esquema comercial que ofrece el mayor conjunto de jardines públicos desarrollados en la ciudad de Londres desde el brutalismo de posguerra Barbican en nombre de Brookfield Properties y Oxford Properties.

Paseo que conduce a 2 London Wall Place. Foto: Make Architects.

El esquema comprende dos edificios de oficinas rodeados por un extenso ámbito público que incluye una serie de jardines públicos y senderos peatonales elevados reinventados para unir la vecina Barbican con la Ciudad de Londres.

London Wall Place visto desde jardines elevados. Foto: Make Architects

El concepto del proyecto radica en hacer referencia a la historia profunda del sitio, desde los romanos hasta el modernismo de la posguerra. La geometría del esquema está alineada con las líneas urbanas históricas creadas por la sección del muro de la ciudad romana original en el lugar; sus materiales hacen referencia a aquellos utilizados para construir el muro. Tanto la muralla como la torre de la iglesia medieval de St. Alphage, escondida de la vista pública desde la década de 1960, han sido bellamente restauradas y han sido una parte central del espacio público, mientras que las pasarelas elevadas de la década de 1960 han sido reinventadas y restauradas. La arquitectura está diseñada para ser un telón de fondo de estos puntos de referencia. No compiten sino que simplemente se convierten en el escenario.

1 London Wall visto desde la calle. Foto: Make Architects

Sam Potter, arquitecto principal de Make, dijo: «La belleza de este proyecto radica en reconocer que es simplemente la última capa en la historia de este sitio, el siguiente rastro que debe recordarse. Hemos diseñado oficinas de vanguardia, pero es la combinación con el espacio público la que ha atraído a los ocupantes, no solo a los espacios comerciales per sé. Se trata de traer una escala social, humana y táctil a la ciudad, y la arquitectura tiene más éxito para los espacios que la rodean».

Vista aérea de CGI que muestra el London Wall Place en el contexto de la ciudad. Foto: Cityscape

Tim Wells, Director de Desarrollo de Brookfield Properties, dijo a nombre de la empresa: «La capacidad del esquema para conectar negocios modernos con el histórico Londres y ofrecer nuevas perspectivas desde los pasillos de alto nivel revitalizados lo diferencia de cualquier otro desarrollo en Londres y fortalece aún más a Brookfield Credentials para crear placeres en las propiedades. En London Wall Place, hemos desarrollado espacio de oficinas de clase mundial en un entorno excepcional y único para el beneficio de todos los ocupantes de edificios, vecinos y visitantes por igual».

2 London Wall, lobby de ascensores. Foto: Make Architects

Con la mitad del sitio dedicado al uso público, London Wall Place ha creado un nuevo destino para la ciudad. También ha iniciado planes para reducir el dominio de la autovía del Muro de Londres, que se redujo para priorizar el movimiento de peatones y ciclistas como parte del plan.

El paisajismo está diseñado como una serie de parques de bolsillo. Foto: Spacehub Design

El espacio público está formado por una serie de jardines de bolsillo para que la gente descubra que, junto con el Salters Hall Garden adyacente y el pronto terminado St. Martin Garden, ofrece más de 1.5 acres de espacio público y más de 780 metros cuadrados de muros verdes en múltiples niveles aterrazados. Los pasillos, que incluyen cuatro puentes que cruzan London Wall, Wood Street, Fore Street y Fore Street Avenue, cubren 350 metros y albergan un nuevo jardín elevado. Los variados niveles se conciben como un paisaje tridimensional continuo, proporcionando conexión peatonal, santuario de la ciudad o simplemente un lugar para almorzar.

Fachada de 2 London Wall desde Wood Street. Foto: Make Architects

Los dos edificios encierran los nuevos jardines de London Wall Place.

Las bandas rectilíneas verticales de GRC ocultan los servicios y los ascensores y tienen bordes definidos y afilados. Foto: Make Architects

1 London Wall Place ofrece 310,000 pies cuadrados de nuevas oficinas de última generación y centros comerciales, y una serie de nueve terrazas de 13 plantas. En 2013, 1 London Wall Place fue pre-alquilado por completo a Schroders, marcando un importante punto de inflexión en el mercado de bienes raíces comercial como el mayor acuerdo firmado en Londres desde el comienzo de la recesión mundial.

La red de pasarelas ahora tiene una paleta de materiales de acero para exteriores y madera Iroko. Foto: Make Architects

2 London Wall Place es una torre multiusos de 17 pisos, con una unidad de venta al por menor y restaurante en el Nivel 1 y una cafetería en la planta baja. A finales de mayo de 2018, el despacho de abogados internacionales Cleary, Gottlieb, Steen & Hamilton ocupaba los cuatro primeros pisos, con un total de 48,000 pies cuadrados.

Vista a los jardines, la muralla romana y 2 London Wall Place. Foto: Make Architects

Los dos edificios comparten el mismo aspecto llamativo, con secciones contrastantes de bandas rectilíneas verticales de hormigón armado con vidrio (GRC), y costillas de cerámica azul oscuro que forman una rejilla verticalmente alargada. Los materiales fueron inspirados por la piedra de Kentstone encontrada en la pared romana, con el GRC haciéndose eco de la apariencia suave y mate del exterior calcáreo de la piedra, y la cerámica azul iridiscente que recuerda el interior brillante de la piedra. La verticalidad es una lámina de la forma horizontal de la Barbican vecina.

Las líneas y la escala expresados a lo largo de las fachadas continúan como ‘cintas’ hacia arriba, a lo largo, arriba y abajo de la extensión de la masa del edificio. En 1 London Wall Place forman el plafón en voladizo, algunos de los voladizos más grandes de Londres. Foto: Make Architects

Las secciones de hormigón ocultan los servicios y los ascensores y tienen bordes definidos y afilados, mientras que las bandas de cerámica son curvas y más fluidas y revestidas de las plantas de la oficina. La banda vertical sirve para minimizar la ganancia de calor y atraer más luz solar a las áreas ocupadas. Las líneas y la escala expresados ​​a lo largo de las fachadas continúan formando los sofitos y los cerramientos y barandillas de la planta del techo. De esta manera, el ritmo de las fachadas de los edificios se extiende como “cintas” hacia arriba, a lo largo  y ancho de la extensión de la masa del edificio. En 2 London Wall Place fluyen hacia el edificio para formar las costillas del techo de recepción, mientras que en 1 London Wall Place forman el plafón voladizo, algunos de los voladizos más grandes de Londres, y sus superficies rebotan y se reflejan en los pasillos y paisajismo contiguo.

La cerámica azul fluye en 2 London Wall Place para formar las viguetas del techo de recepción. Foto: Brookfield Properties

El sistema de ‘Highwalk’, un recordatorio del sitio anterior de la década de 1960, era un requisito del consentimiento de planificación. La red de pasarelas ahora tiene una paleta de materiales de acero resistente a la intemperie y madera Iroko como telón de fondo de los jardines en constante cambio y las paredes verdes que unen sin problemas los diferentes niveles.

La característica de agua agrega reflejos y un elemento acústico al esquema. Foto: Make Architects

Miles de plantas, incluidas las fresas, la lavanda y la hiedra, se distribuyen para adaptarse a varios microclimas dentro del sitio, desde la “cascada” de Salters bendecida por el sol hasta el jardín acuático protegido y el “anfiteatro” alrededor de los restos de St. Alphage. Estos espacios brindarán un bienvenido respiro a los 5,000 ocupantes de los nuevos edificios de oficinas, clientes minoristas, residentes de Barbican y futuros viajeros de Crossrail.

Las pasarelas incluyen cuatro puentes. Foto: Make Architects

El edificio es BREEAM ‘Excelente’ y está diseñado de manera flexible para acomodar numerosos inquilinos a lo largo de su vida, mientras que la intención para el espacio público es que perdure, como lo hacen la muralla romana y la torre de la Iglesia St. Alphage, durante el mayor tiempo posible, como parte de el tejido urbano histórico.

Hay 780 metros cuadrados de paredes verdes en todo el lugar. Foto: Make Architects

Hay un enfoque pasivo de la energía en uso, con una proporción de 50/50 de sólido a esmaltado en las fachadas de los edificios, que están todas fuertemente aisladas y con áreas de sofito profundo para reducir la ganancia solar. El manejo del aire es de modo mixto para permitir que ambos edificios tengan ventilación natural si así lo desean.

Los niveles variados se conciben como un paisaje tridimensional continuo, proporcionando una conexión peatonal. Foto: Make Architects

Los materiales, GRC y cerámica, están diseñados para que nunca sea necesario reemplazarlos y se eligió el acero resistente a la intemperie para los puentes, por lo que se requiere un mantenimiento mínimo.

www.makearchitects.com

Sostenibilidad y deleite: Un rascacielos tropical de WOHA y Patricia Urquiola

El Hotel Oasia en el distrito central de negocios de Singapur es, por todos los medios y estándares, un proyecto único que redefine lo que puede ser un rascacielos en climas tropicales húmedos. En contraste con la torre convencional, completamente sellada y con aire acondicionado, este hotel, diseñado por la oficina local WOHA, combina la arquitectura y la naturaleza, los espacios interiores y exteriores de una manera llamativa. Según los arquitectos, el objetivo era «crear una imaginería alternativa para desarrollos comerciales de gran altura». Combina formas innovadoras para intensificar el uso de la tierra con un enfoque tropical que muestra una torre perforada, permeable y verde.

Las áreas de agua y las piscinas juegan un papel fundamental, por ejemplo, en el piso 21. Allí actúan como marcos elegantes para el club lounge del hotel y cuentan con magníficas vistas interiores o exteriores. Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

La torre, que tiene una altura de 190 metros, contiene cuatro grandes espacios al aire libre: tres enormes verandas en el piso 6, 12 y 21, así como una terraza en el piso 27. Esta terraza está rodeada y protegida por una pantalla de 10 pisos de alto, cubierta con el mismo revestimiento de malla de aluminio rojo que el resto de la torre. Esta fachada gradualmente será cubierta por 21 especies de enredaderas y vides, creando un vivo contraste entre rojos vibrantes y verdes exuberantes.

Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

El Oasia está ubicado en Singapur. WOHA fue fundada en 1994 por el singapurense Wong Mun Summ en sociedad con Richard Hassell, oriundo de Australia y trasladado a Singapur en 1989.

La red de aluminio roja estará cubierta con el tiempo por 21 diferentes plantas trepadoras y vides para formar una especie de “jardín urbano vertical”. Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

Si bien la búsqueda de la sostenibilidad a menudo va acompañada de sinceridad sin sentido del humor, WOHA muestra que prefiere mantenerse al margen. Este Hotel Oasia, que forma parte de una cadena del mismo nombre, combina la sostenibilidad con el placer, dos términos que están presentes en la filosofía de diseño de la firma. Además de la fachada roja, que pronto se volverá completamente verde, los jardines del cielo también ofrecen zonas verdes, aire fresco y oportunidades para la ventilación natural cruzada, además de representar los aspectos más visibles y deliciosos del edificio.

El Oasia Hotel Downtown se destaca claramente en el mar de edificios de Singapur. El edificio de diseño sostenible, planeado por la respetable oficina WOHA, impresiona con su simbiosis poco convencional y optimista de la arquitectura y la naturaleza, así como la conexión entre el interior y el exterior. Foto: Infinitudes

Los jardines del cielo surgieron en respuesta al informe del cliente, que pedía partes distintas en el hotel. Dada la pequeña huella, WOHA adoptó lo que llaman «un enfoque de club sandwich al crear una serie de diferentes estratos, cada uno con su propio jardín del cielo». La introducción de estos jardines celestes, que WOHA describe como «niveles elevados del suelo», permitió que «los preciosos pero limitados espacios de la planta baja se multiplicaran, creando áreas públicas generosas para la recreación y la interacción social a lo largo de la torre».

Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

Si bien WOHA se puede atribuir a la arquitectura de la torre y al concepto de apilar capas, el diseño real de los jardines celestes es obra de la diseñadora y arquitecta española Patricia Urquiola, responsable de todos los interiores y espacios al aire libre del hotel. Urquiola agrega una elegancia fresca a la arquitectura deliciosamente peculiar de WOHA.

Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

Para las piscinas en los pisos 21 y 27, ella usó las losas Agrob Buchtal de la serie Chroma.

Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

Cada piscina tiene una personalidad diferente. La piscina en el sexto piso es parte de un gimnasio; en el piso 21, la piscina actúa como una elegante extensión del lounge club.

Detalle de las losas de la piscina. Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

A la izquierda y derecha de la piscina misma, que tiene un patrón de chevron azul claro y azul oscuro, hay una piscina para niños lo suficientemente profunda como para mojarse los pies mientras se bebe un cóctel.

La meseta central del restaurante de la azotea en el piso 27 está rodeada por las piscinas de la azotea. Una vista emocionante desde aquí, en el punto más alto del edificio, fue deliberadamente omitida. En cambio, la firma de arquitectura WOHA creó un área sorprendentemente íntima en medio del bullicio urbano en la metrópolis de Singapur. Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

La piscina de la azotea consta de dos partes a ambos lados del restaurante de la azotea.

Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

A diferencia de la mayoría de los servicios en la azotea de los hoteles, que tienen que ver con la vista, aquí el horizonte de la ciudad está casi completamente oculto por la pantalla con vegetación.

Las piscinas de la azotea en el piso 27 y superior cuentan con “piscinas de poca profundidad” de 0.15 metros de profundidad con sillones. Desde allí, las escaleras conducen a la piscina de 1.20 metros de profundidad. Toda el área del techo está rodeada por una barrera semitransparente de 10 pisos de altura hecha de la misma malla de aluminio rojo que el resto del edificio. Hotel Oasia Downtown en Singapur. Diseño: WOHA y Patricia Urquiola. Foto: Infinitude

Esto subraya la no convencionalidad de la arquitectura de WOHA. En lugar de una vista, este tejado ofrece un lugar de intimidad y tranquilidad inesperadas, un escape, un sorprendente oasis del bullicio de la ciudad.

www.agrob-buchtal.de/en

Garden Module: La forma más fácil de crear un muro verde

//

Las hermanas y arquitectas Luisa y Lilian Parrado recibieron el premio de bronce del European Product Design Award  por su Garden Module (Módulo Jardín), un producto que pretende permitir y promover la creación de muros verdes por medio de un sistema simple y tridimensional.

De acuerdo a las diseñadoras, la meta de este proyecto era crear una opción elegante, flexible y viable a los paneles verdes. Cada módulo tiene una forma irregular que crea una conexión con otro permitiendo todo tipo de composiciones y llenando con plantas una pared vacía.

Garden Module #3
Foto: Bruna Hosti

La estructura está hecha de tubos de acero que no están soldados, sino conectados con una cuerda de polipropileno, lo que la hace flexible facilitando el empaque y almacenaje. Dos bases triangulares de concreto por módulo sujetan las plantas que ajustan de forma natural al marco sin necesidad de tornillos o cualquier otra pieza de interferencia, reforzando el estilo de diseño de las hermanas Parrado.

Garden Module #4
Foto: Bruna Hosti

Lisa + Lilian Parrado repiensa conceptos y procesos tradicionales para crear un diseño limpio en donde cada producto está estructurado únicamente por el diseño de sus piezas.

La pieza puede usarse en exterior o interior y viene de color blanco o negro.

www.luisaelilianparrado.com

Una lluvia de estrellas en Meteor Cinema

/

El Meteor Cinema, localizado en un centro comercial en Guangzhou, rinde tributo a los cineastas, quienes pasan largos meses o años para crear una película que puede disfrutarse en un corto periodo de tiempo. Para capturar este concepto, los diseñadores de One Plus Partnership Limited construyeron escenas inspiradas en una lluvia de estrellas en distintos estilos alrededor de todo el cine.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud

En el vestíbulo, decoraciones largas y rectangulares se extienden del techo, imitando el movimiento de una lluvia de meteoros. Para resaltar la vibrante atmósfera tridimensional, Los cuboides rectangulares apuntan en dos direcciones. Los diseñadores ajustaron una y otra vez el largo y la dirección de estos cuboides en el diseño y en la construcción para asegurarse de que cada pieza estuviera expuesta en el ángulo correcto para el mejor efecto. Para crear un sentido de movimiento, los bordes de los cuboides están ligeramente sesgado.

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

Se seleccionó una paleta de colores de tonos tierra para crear elegancia. En lugar de usar madera, lo cual conflige con regulaciones de fuego, se utilizó aluminio para crear el efecto del techo. Estas planchas de aluminio están cubiertas con patrones de madera en dos tonos de marrón.

 

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

Además de la instalación del techo, otras decoraciones en el cinema, como los letreros y las losas en la pared, son lineales y oblicuos para continuar el efecto en el techo. Los letreros en acero inoxidable que muestran los números del auditorio parecen volar sobre la audiencia.

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

La lluvia de meteoros se transforma en piedras rectangulares planas en el pasillo que parecen crecer del suelo.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud

El concepto de la lluvia de meteoros continúa alrededor del auditorio. Para sorprender a la audiencia, cada sala tiene una versión distinta de la lluvia de meteoros, como por ejemplo, el uso de distintas decoraciones en la pared, los asientos se remplazan por camas para que los visitantes puedan acostarse y disfrutar de la lluvia de estrellas antes de que la película comience.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud

www.onepluspartnership.com

Cómo diseñar el silencio según Elizabeth Lerich, escenógrafa de Maison & Objet Paris

////

La escenógrafa del Espacio de Inspiraciones de Maison & Objet Paris 2017 nos habla sobre cómo diseñó Silence (Silencio), el tema de la expo de este año.

En París el silencio es el rey. Elizabeth Lerich diseñó el escenario para el Inspirations Space en el Salón 7 del Foro Inspiraciones en el Maison & Objet Paris 2017. En este lugar se presenta el libro Silence (Silencio), el tema de este año de la más prestigiosa expo del hogar y los objetos en Europa. Marie-Jo Malait, Jefa de Redacción del libro Silence, asevera: «Un refugio del rugiente choque de palabras e imágenes, el silencio disminuye el impacto de la era alocada, ocupada y ruidosa. El hogar es donde encontramos la tranquilidad que anhelamos, donde saciamos nuestra creciente sed de serenidad. El estilo de vida y las tendencias se dirigen hacia el tratamiento del silencio.» Con esta premisa, encontramos muebles y objetos de líneas minimalistas, limpias y prístinas, libres de ornamentos innecesarios, que inducen a la paz y la tranquilidad en el hogar. Mailait le hace cinco preguntas a Leriche sobre cómo diseñar el silencio.

Libro “Silence” sobre el tema de Maison & Objet Paris 2017, el silencio.

¿Cómo Silence llegó a ser el tema de esta temporada?

Este nuevo tema puede venir como una sorpresa: está más relacionado a los retos sociales que otros temas que el Observatorio Maison & Objet usualmente selecciona para explorar. Pero rápido se convirtió en una elección obvia. En una sociedad en donde el impacto de las imágenes y las conexiones son cada vez más abrumadores, hay una necesidad indiscutible de romper con todo eso. No obstante, no es fácil materializarlo. Esta tendencia ya estaba latente, como se evidencia en el alza de materiales más livianos y el minimalismo que hemos notado por las pasadas temporadas. Estas tendencias eran las señales iniciales que proclamaron esta necesidad vital por la simplicidad y el resurgimiento de valores fundamentales, que ahora constituyen el verdadero lujo de nuestra paradójica era. Para delinear los contenidos del tema, investigamos esta necesidad: Los europeos dicen que cada vez buscan más el silencio.

Secret Collection para Blanche Service de Jules Julien Manufacture. por Francis Amiand. Cortesía de Maison & Objet

En los inicios de nuestra investigación, leímos muchos libros sobre este tema, incluyendo, por ejemplo, el maravilloso Histoire du Silence (Historia del Silencio) de Alain Corbin. «El silencio no es meramente la ausencia del ruido», escribe. «Hoy en día es una noción olvidada. Nuestras marcas auditivas han sido distorsionadas, disminuidas, ya no son sagradas (…). La intimidad de un lugar — un dormitorio y los objetos que lo habitan, o un hogar — solían ser definidos por el silencio que prevalecía ahí.» ¡Es hora de perderle el miedo al silencio!

Moon, un proyecto por Oscar Lhermitte y Kudu. Foto: Sidekick Creatives. Cortesía de Maison & Objet

¿Qué escogiste exponer para ilustrar el tema de Silence?

En un dormitorio, los visitantes verán una pintura de Georges de La Tour. Verán el vídeo claroscuro de una vela centelleante en la oscuridad en un iPad por el diseñador coreano Heewon Kim. Este ejemplo combina consideraciones históricas y digitales. La noche pide silencio. Pero el silencio no debe provocar el miedo, nunca debe ser visto como una fuente de ansiedad. Al contrario, los visitantes encontrarán confort en la contemplación silenciosa de objetos arquetípicos, lisos y simples tallados en mármol blanco: una manera perfecta de relajarse, de desprenderse de las congojas del diario vivir. No obstante, nuestra intención aquí no es tocar la alarma; el mensaje es uno muy positivo. El silencio y el balance son producto de las soluciones que concebimos para nosotros mismos. El silencio es crucial, por la meditación que permite, la perspectiva que obtenemos. El tiempo que tomamos para nosotros mismos es el secreto para nuestro propio balance. Es el estado donde dos fuerzas, a veces contradictorias, se cancelan entre sí y alcanzamos un punto de armonía que todos anhelamos, donde estamos en paz con nosotros mismos.

Meditation Stool por Michael Anastassiades. Cortesía de Maison & Objet

Redescubrirse a sí mismo mientras se contempla la belleza es una experiencia reconfortante. La instalación es una oda al bienestar, un lugar de paz y serenidad, un viaje relajante a la felicidad que nos trae el balance y la conciencia de sí mismo nos traen. Un paraíso develado por el silencio.

Modern Human Tools por Elementary dKotaro Kanai. Cortesía de Maison & Objet

¿Podrías elaborar sobre el itinerario que imaginaste para ilustrar el tema dentro del Espacio de Inspiraciones?
Para nosotros fue obvio que el comienzo de nuestra historia tenía que darse en una habitación que ejemplificara esta sensación de estar saturado con imágenes. Al entrar a un salón cubierto con vídeos y pantallas de televisión, los visitantes se confrontan inmediatamente con el formidable choque de sonido antes de moverse y estar inmersos en silencio y descubrir cuán valioso es. Así que, al principio, estamos rodeados por sonidos de todos los rincones del mundo, el clamor de los cláxones, una explosión de objetos que colisionan con un ruido estruendoso. Un mosaico caótico representa la vida a la que estamos sujetos día a día; una existencia casi insoportable.

«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

Luego, los visitantes salen por un pasillo y escapan a otro salón. Ante sus ojos, la palabra silencio se despliega a lo largo del muro. Para añadir al elemento de humor y anclar la instalación en la realidad, hay tapones para los oídos disponibles. Traumas, una instalación por el artista plástico Dominique Blais, explora una condición médica: tinnitus, un zumbido desagradable en uno o ambos oídos, una patología que se manifiesta en el silencio. Una sucesión de salones y recesos ayuda a los visitantes a alcanzar un estado en donde pueden fantasear, hacer introspección y sentir el lujo del silencio, en donde encuentran una oportunidad para escucharse a sí mismos.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

El itinerario termina en la biblioteca — el ejemplo perfecto de un lugar silencioso — lleno de libros blancos, cada uno con un objeto blanco entre sus páginas, todos hechos a mano por maestros ceramistas.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Celebras el silencio. ¿Tiene el silencio su propio lenguaje?

El silencio formal se puede manifestar de distintas maneras. En un salón cubierto con poliestireno acústico, los visitantes pueden descubrir un vídeo por la artista Cécile Le Talec. Muestra un pianista mudo tocando una pieza musical en perfecto silencio. La historia se cuenta a través del movimiento, con la cámara enfocada en la expresividad de las manos, que hablan de su propio lenguaje silente. Los visitantes se mueven a otro salón en donde pueden ponerse audífonos y escuchar a sonidos que ya no estamos acostumbrados a escuchar. El silencio además expresa la idea de la serenidad. Un vídeo por el artista danés Grethe Sørensen (Maria Wettergren Gallery) nos adentra a un mundo interior. La noción del tiempo y nuestra percepción de lentitud son cuestionadas por un librero hecho de cristal colorido transparente — Deep Sea por Nendo para Glas Italia — que consiste en estantes de cristal creando una gradación de azules. Los visitantes también encuentran objetos misteriosos, como la selección de vasos de cristal soplado.

Deep Sea por Nendo para Glas Italia. Cortesía de Maison & Objet

El lugar completo es una invitación a pausar y observar la escenografía y permitirse sentir el paso del tiempo. Alrededor del espacio central, ocho recovecos, cada uno alojando una pieza, le da a los visitantes la oportunidad de estar cerca de los objetos en exhibición. El artista Matteo Gonet es un mago: encontró la forma de atrapar nubes. Una jarra de luna tradicional coreana, diseñada solo para el placer de contemplación, emite perfección. Otro recoveco muestra utensilios de madera que se usan en la tradicional ceremonia del té en Japón. En otro, un halo borroso evoca la idea de desaparecerse, nieve y hielo. Las sensaciones traídas por el silencio son fuertes y profundas; encuentran sus raíces en lo más profundo del ser. Son simplemente el portal a la serenidad y la felicidad.

De este viaje a través de la tierra del silencio, ¿qué objetos debemos tener en mente para mejorar nuestras vidas?El pabellón Nascondino por el diseñador Pierre-Emmanuel Vandeputte, una estructura de madera de color claro con un taburete, donde los usuarios se sientan envueltos en una cobija fieltro. Es una solución maravillosa para encontrar algo de privacidad dentro de tu propio hogar o alrededor de otros. Lo mismo sucede con las piezas Alain Gilles creadas para Buzzispace.

Nascondino por Pierre Emmanuel Vandeputte. Foto: Miko Miko Studio. Cortesía de Maison & Objet
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

 

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Hay una abundancia de soluciones de aislamiento disponible actualmente, la mayoría hechos de materiales compuestos, para mayor versatilidad.

www.maison-objet.com

Casa flotante y sostenible para relajarse

/

Con el mundo aparentemente al revés debido a las restricciones de viaje pandémicas, los efectos del calentamiento global, los conflictos, una crisis energética y más, el momento nunca parecía más urgente para un refugio con un alto nivel de energía autosuficiente y la capacidad para permanecer móviles a pesar de los crecientes desafíos. Crossboundaries, estudio de arquitectura en Beijing, China, rediseñó una lancha a motor totalmente alimentada por energía solar con características de casa diminuta de alta gama que le permiten funcionar como un nido de viaje en cámara lenta.

La semejanza del exterior con un autobús en el agua despertó el interés de la nueva propietaria, y con suficiente espacio para invitar a familiares y amigos a bordo para una escapada, nombró el refugio personal revitalizante “Fàng Sōng 放松”, que se traduce del chino como “Relajarse”.

Las formas itinerantes de arquitectura se realizaron primero por necesidad y, más recientemente, por voluntad: la agenda arquitectónica actual debate nuestras nociones de público-privado y temporal-permanente. Una casa que alguna vez estuvo vinculada a la propiedad inmobiliaria ahora cambia a una red de productos básicos que se pueden mover a diferentes lugares.

Como ya lo expresó Archigram en 1964 con The Walking City: “Uno de los grandes atractivos de la vida urbana es la noción de poder acceder fácilmente a todos los servicios y bienes que necesita. Pero, ¿y si esos servicios vinieran a ti?”.

Una Casa que flota: Compacta y transformable

Este espacio compacto es una combinación perfecta para Crossboundaries porque permite probar la flexibilidad en microviviendas donde cada habitación asume múltiples funciones programáticas. El atractivo del agua en este proyecto es explorar la posibilidad de adaptarse, desafiando las normas asumidas y convencionales.

Con un largo total de unos 15 m, y una anchura máxima de algo más de 4 m, la embarcación incluye un conjunto de espacios interconectados y polivalentes.

La paleta de colores del barco celebra la creatividad, es altamente personalizable y extremadamente práctica. Las mejoras de funcionalidad incluyen una cama totalmente oculta con función para cerrar el “casco del timón”, que oculta el equipamiento más técnico de la embarcación, consiguiendo una sensación de hogar más tranquila. Además, incluye una mesa emergente para el área de la cocina y un escritorio plegable oculto incluido en un gabinete, lo que brinda un entorno de “trabajo desde casa”.

Una máquina viva: Integración técnica y sostenible

La investigación en la calidad y durabilidad de los materiales llevó el concepto a un nivel artesanal. Con un enfoque orientado a resultados y una gestión virtual del proyecto, algunos actores, incluido el maestro carpintero local, fueron clave en la fase de ejecución. El barco es “inteligente y autopropulsado” debido a un conjunto de soluciones innovadoras en términos de energía solar, fuente de calor, agua y gestión de residuos.

En los días soleados, la casa flotante es completamente autosuficiente con sus paneles solares, con un alcance promedio de 50 km por día. Se instaló una estufa de pellets, controlada remotamente por una aplicación, para satisfacer la demanda de calefacción con una fuente de energía renovable. En el futuro, el propietario planea agregar un sistema de purificación de agua y una unidad biológica de tratamiento de aguas residuales para mejorar el barco para viajes largos.

Esta ‘Tiny Home on the Water’ puede concebirse como una unidad de la ciudad, que contiene un conjunto completo de recursos urbanos.Idealmente, en el futuro, las personas pueden liberarse de demasiadas posesiones y adoptar espacios más densos y de alta calidad que permitan formas de vida más flexibles.

Fuente: v2Newswire

Conoce más sobre CrossBoundaries en  crossboundaries.com/

Florim abre sus puertas en Roma

/

Florim abrirá un showroom en Roma, muy cerca de la famosa Plaza de España y del Palacio Chigi. La tienda, de unos 350 m2, está ubicada dentro del histórico Palazzo di Propaganda Fide, uno de los mejores ejemplos de arquitectura barroca de la capital. La entrada y tres escaparates están en Via dei Due Macelli 50 en el cruce con Via di Capo le Case, en la que continúa la sala de exposición con otros cuatro escaparates. Es un escenario del más alto prestigio histórico para la promoción de los productos Florim y el uso de grandes losas como elemento de diseño.

Un centro mundial indiscutible para la moda y el lujo, la capital de Italia es un destino esencial para los profesionales del mundo del diseño, el mobiliario y la arquitectura. La inauguración supone un paso más en el proyecto de promoción de la imagen de la compañía y establecimiento de vínculos con las mejores ingenierías y arquitecturas que comenzó hace trece años y se ha traducido en una secuencia de nueve inauguraciones de tiendas insignia en los centros de diseño más importantes de Italia y en todo el mundo.

“Seguimos invirtiendo en la apertura de nuevos espacios que nos den una presencia sobre el terreno en las principales capitales mundiales de la arquitectura y el diseño. Es un proceso que comenzó en 2009 aquí en Italia, donde abrimos nuestra primera Flagship Store en Milán, y que continuará en los próximos meses. El objetivo general es establecer vínculos con las grandes firmas de arquitectura y promover las superficies Florim y el uso de grandes losas, tanto para las aplicaciones de revestimiento tradicional como para el nuevo mercado del mueble, que muestra cada vez más interés y conciencia sobre los aspectos de sostenibilidad de los productos ”, explicó Claudio Lucchese, presidente de Florim.

Se une la herencia del pasado en un lujo contemporáneo

Los espacios expositivos mantienen la misma identidad estilística que los demás showrooms: Florim Gallery en Fiorano Modenese (Módena) y Flagship Stores en Milán, Nueva York, Moscú, Singapur, Frankfurt, Londres, Abu Dhabi y París. La tienda insignia de Roma tiene un concepto multifuncional y un diseño de dos pisos. La planta baja cuenta con grandes ventanales por los que la luz natural inunda el interior. Contiene espacios completamente amueblados con las superficies Florim para diferentes usos, junto con un área más técnica dedicada a las grandes losas Magnum Oversize (hasta 320×160 cm). La planta sótano alberga una zona enfocada a aplicaciones de exterior, una zona de trabajo reservada para el uso de arquitectos e interioristas, y una zona de oficinas.

Los recubrimientos por Florim Ceramiche son distribuidos en Puerto Rico por The Tile Shop y The Marble Shop.

La propuesta de Actiu para los espacios del futuro

/
Work From Anywhere Hub es la propuesta de Actiu, fabricante de mobiliario profesional y contract, para los espacios del futuro, según recoge la exposición Escenarios de un futuro cercano”, inaugurada en el Centre del Carme Cultura Contemporánea (CCCC) e impulsada por València Capital Mundial del Diseño 2022, de la que Actiu es promotora.

La
muestra, que podrá visitarse hasta el 19 de marzo de 2023, ha sido comisariada por la periodista especializada en diseño Tachy Mora y busca reflejar los cambios producidos en el estilo de vida en los últimos años a través de espacios y mobiliario en torno a cinco conceptos: flexibilidad, multifuncionalidad, nomadismo, modularidad y sostenibilidad. Todas premisas que cumple la instalación diseñada por Actiu.

La
composición Work From Anywhere Hub de Actiu supone una evolución de los espacios de trabajo más humanos, relajados y casuales que superan el tradicional contexto de la oficina para abrazar otros emplazamientos, tanto en el hogar como en otros entornos híbridos.

Este
hub es una microarquitectura flexible y polivalente, que ofrece funcionalidades híbridas a través de su equipamiento y también puede reubicarse, pues es desmontable. Su diseño proporciona diferentes contextos, tanto para trabajar como para momentos de descanso. Es una estructura concebida para el exterior y, además, está equipada con Gaia, una plataforma IoT desarrollada por
Actiu
que permite monitorizar variables como la calidad del aire, la luz y la temperatura, entre otros, con el objetivo de mejorar la vivencia del espacio a través de soluciones automatizadas. Un espacio inteligente automatizado a través de la domótica.

Este proyecto ha supuesto un gran reto para Actiu, porque pasamos de la escala de un mueble a una microarquitectura. Este hub se ha diseñado poniendo a la persona y al planeta en el centro. La persona es la protagonista, siendo ella la que decide en cada momento cómo utilizar el mobiliario y el espacio según sus necesidades, sin que el entorno sea un condicionante. Además el espacio favorece el movimiento y el bienestar por su diseño, por los materiales, por el equipamiento permitiendo experimentar momentos de trabajo, de ocio y descanso. Es un elemento para el interior y el exterior, ya sea en una casa, en una empresa, una residencia de estudiantes o en el lobby de un hotel. Un proyecto de economía circular donde los materiales utilizados son sostenibles, reciclables y reciclados, ha asegurado durante la presentación la consejera y responsable de Reputación de Marca de Actiu, Soledat Berbegal.

En
Work From Anywhere Hub, Actiu ha colaborado con marcas como Saxun, que ha aportado la pérgola bioclimática, y con la diseñadora Eli Gutiérrez que ha concebido todo el espacio como un lienzo en blanco”. Ha sido un trabajo muy colaborativo en el que hemos optado por los programas de Actiu que más versatilidad nos aportaban para que este entorno pudiera acoger desde una sesión de trabajo, a una comida de equipo e, incluso, una sesión de yoga. Es un espacio modulable, reconfigurable y sostenible en toda su concepción”.

La
comisaria Tachy Mora ha recalcado que la exposición revela propuestas inéditas pero no disruptivas, capaces de encajar ya en los hogares actuales pero, también, seguir resultando útiles y funcionales dentro de diez os. Para el director de Valencia Capital Mundial del Diseño 2022, la exposición Escenarios de un futuro cercano es un buen ejemplo de que el diseño es para todo el mundo y contribuye a una vida mejor, gracias a este ejercicio coral de arquitectos, diseñador y fabricantes que muestran cómo serán los hogares dentro de diez os”. Otras de las compañías que han participado en este espacio son Ecocero, Greenarea, LZF Lamps, Gerflor, Veo Veo y Somfy, En Work From Anywhere Hub, Actiu conjuga sillas y butacas de la colección Noom, el programa de softseating Bend, mesas auxiliares como Tabula, la mesa Prisma, los taburetes Whass, la mesa elevable Talent y el sistema modular Tubbe.

La
muestra reúne una serie de piezas de mobiliario e iluminación, así como escenas domésticas que hacen un zoom sobre partes concretas de la vivienda, concebidas por un grupo de profesionales del diseño y la arquitectura, firmas de equipamiento, de materiales o del ámbito de la construcción, seleccionados por la comisaria. Entre los y las profesionales del diseño y la arquitectura que han participado se encuentran Arqueha, Cambres Design, Silvia Ceñal, Cierto Estudio, Clap Studio, Julia Esqué, Rocío Gambin, Alejandra GandíaBlasco, Eli Gutiérrez, Marc Morro, Nahtrang, Oiko Design, Isaac Piñeiro, Jaume Ramírez y Raw Color. Las empresas que han colaborado impulsando el proyecto son: Actiu, AEmotional Light, Arqueha, Asociación de Mobiliario de Cocina AMC, Estiluz, Expormim, Finsa, Gandia Blasco, Missana, Mobles 114, Momocca, Ondarreta, Sancal y Teulat. Como firmas colaboradoras han participado: Andreu World, AT4, Bitex, EcoCero, Emedec, Foster Spa, Gabriel, Gerflor, Greenarea, KriskaDecor, Logopost, Lzf lamps, Muji, Saxun, Simon, Somfy, Tarkett y Veo Veo. 

CAAPPR anuncia imágenes ganadoras de su Concurso de Fotografía Calendario 2023

El Colegio de Arquitectos y Arquitectos Paisajistas (CAAPPR) anunció cuáles fueron las 12 imágenes ganadoras de su Concurso de Fotografía Calendario 2023, que bajo el lema “Paisaje Urbano”, dio la oportunidad a los participantes, según el Laudo, de definir “qué compone un paisaje urbano, desde una pequeña escala y aquella que proyectamos desde nuestros hogares, hasta la escala de un malecón de la ciudad donde nos perdemos en profundo asombro de la belleza urbana.”

La Arq. Psj. Olga Angueira, presidenta del Instituto de Arquitectos Paisajistas, adscrito al CAAPPR, tuvo el honor de leer el Laudo del Jurado, y explicó que el método de discernimiento para seleccionar las fotos fue determinar cómo cada participante exploró y plasmó a través de la fotografía el tema del Paisaje Urbano.

Las imágenes ganadoras fueron producto de la creatividad de: Diana Serrano Miranda; Javier Olmeda Reya; Edwin Díaz Ramos; José Vázquez Pérez; José Feliciano; Igor Vargas Velázquez; Rainer Leclerec Vélez; Humberto Betancourt y David Acevedo.

Según el Laudo, la foto seleccionada para engalanar la portada del calendario, una vista aérea de la plaza pública de Guayama de Diana Serrano Miranda, logra “explorar artísticamente el entramado urbano y muestra artísticamente una simetría impecable. La misma nos provee una vista poco tradicional de uno de los paisajes urbanos más idiosincráticos de los pueblos de Puerto Rico”.

Las imágenes seleccionadas para ilustrar cada mes del año fueron las siguientes:

  • Enero: “Reflejos Encapsulados”, de Javier Olmeda Reya, refleja el movimiento pedestre en el intersticio del interior y exterior de un edificio, enmarcando a su vez el paisaje exterior.
  • Febrero: “Ciudad de Barcelona”, de Edwin Díaz Ramos, presenta el tejido urbano con su marcada textura en tonos de terracota en contraste con el vasto azul del mar y que gravita hacia el azul pálido del horizonte.
  • Marzo: “Chicago debajo del tren”, de José Vázquez Pérez, donde las luces, las sombras, el ritmo y la perspectiva comunican el movimiento distintivo de una vía urbana.
  • Abril: “Atardecer de otoño en Hato Rey”, creada por José Feliciano, muestra un paisaje urbano contemporáneo de Puerto Rico, capturando las luces del atardecer junto a la iluminación del espacio construido, refuerzan el complemento entre paisajismo y lo edificado.
  • Mayo: “Arboles de aguacate y mata de piña”, de Igor Vargas Velázquez, presenta una estampa cotidiana en cualquier hogar urbano, algo de paisaje folklórico, utilitario y habitual. Mientras que “Comerío, después de Fiona”, de Rainer Leclerec Vélez, es la imagen seleccionada para el mes de junio, la cual evoca la emoción sombría que se siente tras el paso de una tormenta.
  • Julio: con “Paisaje vertical” de Javier Olmedo Reya, presenta un jardín contenido, plantas en tiestos, característicos de un paisaje urbano.
  • Agosto: “Transeúntes”, de Humberto Betancourt, ilustra el mes de agosto con una imagen que captura el estado tal cual de una vía urbana.
  • Septiembre: “Grieta en el paisaje urbano enterrado” de David Acevedo es la imagen de septiembre. La perspectiva de la imagen logra una interacción única entre lo antiguo y lo contemporáneo.
  • Octubre : “Manhattan desde el piso” de José Vázquez Pérez, captura un instante de un concurrido cruce peatonal.
  • Noviembre: “Vanishing Point” de Humberto Betancourt, mes de noviembre, presenta un concurrido espacio urbano comercial cuyo interés radica en la perspectiva y la sutileza con la que su creador observa la multitud.
  • Diciembre: El mes de diciembre le corresponde a la misma foto de portada, “Plaza Pública de Guayama” de Diana Serrano Miranda, la cual explora artísticamente el entramado urbano.

El Jurado estuvo compuesto por los arquitectos José Marchán Sifre y María Gabriela Flores Kearns, la Arq. Psj. en Ent. Mery Bingen y la fotógrafa Paola Quevedo. La iniciativa del concurso fue coordinada por la Comisión de Asuntos Técnico Profesional, dirigida por la Arq. Raquel Marrero.

Para información adicional, puede acceder a: www.caappr.org