Stephanie López Pérez

5 Tendencias de diseño de interiores que se quedan para el 2023

Absolut Ground 4 Cercom por Grupo Romani

Entre los temas de sostenibilidad, bienestar mental y minimalismo que han dominado en los últimos años, el diseño de interiores ha adaptado estilos que están para quedarse este nuevo año 2023.

Estas son algunas de las tendencias que creemos que seguirán en auge este próximo año:

Mármol colorido y extravagante como protagonista

Aunque el mármol es un material atemporal y que nunca ha perdido su presencia en el mundo del diseño, el uso de piezas de mármol más detalladas y coloridas está en tendencia.

En años anteriores predominó el minimalismo, pero algo ha cambiado, y el hambre por el color, la idiosincrasia y el patrón está tomando forma de mármoles vívidamente coloridos, no solo en la cocina sino en todos los rincones del hogar.

Vuelven las texturas en terciopelo 

Lo hemos visto por todos lados, y pareciera que todos quieren tener un sofá verde en terciopelo que alude a la época renacentista. Este nuevo auge por estilo vintage se conoce ahora como Grand Milenial, que podría ser una de las razones por las que el terciopelo está regresando. Esta nueva tendencia popular es audaz, mezcla maderas y muebles modernos, estilos minimalistas con los estilos retro y nostálgicos que verías en la casa de tu abuela.

Espacios renovados con objetos de segunda mano

Por la misma línea de darle vida a tendencias anteriores, continúa aumentando el interés por muebles de segunda mano y objetos vintage. Los temas de sostenibilidad y economía circular son propiedades que tanto diseñadores como las nuevas generaciones consideran a la hora de comprar. 

Por esta razón, comprar en tiendas de segunda mano, plataformas como Facebook Market y ventas de garage han tomado un auge significativo en los últimos meses. Aunque algunos podrán atribuir términos como “viejo” y “usado” a algunos de estos objetos, sabemos que la creatividad es infinita y las transformaciones de interiores que se logran con estos muebles rescatados podrían sorprender. 

Curvas, curvas y más curvas

¿Has notado que los mobiliarios curvados, los arcos y las texturas más suaves han dominado las redes de inspiración como instagram y pinterest?

Ceramica Fioranese Marmorea Intensa Emera Dream

Después de muchos años en los que las líneas rectas inspiradas en el modernismo del siglo XX han sido la norma, además de sinónimo de un estilo contemporáneo, el gusto está cambiando en la dirección opuesta.  Sin duda ha sido una de las tendencias más presentes en el 2022 y creemos que continuará creciendo en el 2023. 

Recubrimiento de piso por Edimax

Apartamentos estilo “Loft”

El estilo de apartamentos loft se originó en París a mediados del siglo XIX como talleres de artistas porque las pinturas de gran tamaño de la época requerían amplios estudios de techos altos: los primeros lofts. El espacio tipo loft llegó originalmente a los Estados Unidos a principios del siglo XX como lofts de almacenamiento cerca de los puertos de embarque en Nueva York y Boston.

Hoy en día, el estilo de interiores tipo loft se ha popularizado como una medida de maximizar los espacios, al igual que la tendencia de los tiny houses. Muchos propietarios optan por combinar sus lofts con planos de planta abiertos para usarlos como áreas adicionales para vivir. 

Junto a las otras tendencias que continuarán este 2023, se puede crear un loft de ensueño manteniéndose a la vanguardia. 

Las marcas de recubrimientos de pisos y paredes en las imágenes son distribuidos en Puerto Rico por The Tile Shop y The Marble Shop.

 

Gerardo Mosquera nos enseña a mirar más allá en el arte

La muestra es la décimo quinta exhibición de la Fundación Cortés y forma parte de la celebración de los diez años de la institución.

Conceptualizada por el cubano Gerardo Mosquera, la exhibición Ojos que tienen vista, Mirar más allá agrupa una diversidad de artistas de la cuenca del caribe y que en su discurso trascienden de los cinco sentidos. 

“Me vino la idea del título Ojos que tienen vista, mirar más allá, que es una frase coloquial cubana vinculada con un texto de las religiones afrocubanas. En ella se habla de una redundancia pero se trata de otra visión, una visión más allá de la superficie de las cosas”, explicó Mosquera, reconocido curador internacional y crítico de arte, en entrevista con 90 Grados.

Gerardo Mosquera (Wang Guofeng)

El arte, aparte de la estética, es también conocimiento. Es una herramienta cognoscitiva que trabaja con un instrumental diferente a la ciencia. Es un instrumental propio, basado en la subjetividad, emociones, recursos simbólicos y estéticos”, dijo , ya que de la misma manera hay artistas que tratan de mirar más allá de un plano realista en sus propuestas. 

“¿Por qué el Caribe? Porque cuando visualizamos la fundación -además de que su misión es inspirar y educar con nuestra pasión por las artes del caribe- el objetivo principal siempre ha sido crear un diálogo entre nosotros los puertorriqueños a través del arte. Acercar el Caribe a Puerto Rico, y viceversa”, explicó Ignacio Cortés, presidente de Cortés Hermanos, LLC. 

A través de su selección, que se compone de 62 obras , por 42 artistas, de 15 países  y que además varían en medios, técnicas y dimensiones, el curador logra crear un discurso cohesivo que abarca cuatro ejes principales. 

Graciela Iturbide (John Betancourt)

Primero, esa mirada que propone se basa en el acervo o en la cosmovisión afro caribeña. Desde el propio título que alude a las religiones afrocubanas, hasta los colores que componen las paredes de la exhibición, está presente la descendencia africana y la historia colonial del caribe. 

El amarillo, verde y negro son los colores de la bandera de Jamaica, que forma parte de la exhibición y también compone uno de los paises a menudo olvidados en la noción de lo que es “caribeño” porque “no lo tenemos en nuestro radar”, según Cortés. Por eso “La exhibición está compuesta por artistas de todas las islas inglesas, holandesas, francesas, paises centroamericanos, México, y el norte de Sudamérica”, añadió.

Eduard Duval Carrie (John Betancourt)

Por otro lado, “había una cantidad de artistas que plantean la botánica artística. Plantas y paisajes de una manera creativa y fabuladora”, explicó el curador. Dichas obras se encuentran distribuidas en las paredes verdes, haciendo juego con el discurso floral. 

El tercero de los ejes habla sobre las miradas que tratan de presentar los sentimientos y emociones. “La ciencia puede tratar de explicar la psicología pero solo el arte puede mostrarla, sintetizada en imágenes”, dijo Mosquera. 

Este eje también alude a uno de los esfuerzos de la fundación de implementar la salud y el bienestar en su oferta educativa, ya que “se está viendo la urgencia que existe actualmente de proveer el apoyo psicosocial a los niños, también a los adultos, pero principalmente a los niños porque a menudo uno no se da cuenta cómo ellos se sienten”, expresó Adelisa González Lugo, directora ejecutiva y educadora de la fundación.  

Por último, muchas de las piezas buscan proveer visiones de la realidad. “Hay veces que se considera el arte abstracto como solamente ornamental, pero no es así. Siempre hay un mensaje que se transmite y una emoción”, según el crítico de arte.

Muchas de las piezas están inspiradas en temáticas históricas, científicas, psicológicas y personales que se desenvuelven ante el espectador tras la interpretación artística. Se trata de mirar más allá del primer plano, para descubrir esos secretos que esconde cada pieza, y que es precisamente lo que busca evocar la exhibición.

Una década de la Fundación Cortés

La exposición es la décimo quinta muestra que ofrece la organización en sus diez años de labor y abre el 8 de diciembre al público. Las salas estarán accesibles libre de costo, los jueves de 11:00 a.m. a 5:00 p.m., y sábado y domingo de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.

“En el marco de la celebración del décimo aniversario de la Fundación Cortés, sobre 15,000 niños y jóvenes han sido atendidos a través del Programa Educa Cortés, ratificando así nuestro compromiso de educar e inspirar a través de las artes y las humanidades”, expresó González-Lugo, en comunicado de prensa.

Por eso “las obras son los libros que usamos en todas las actividades y proyectos”, dijo Ignacio Cortés invitando a la comunidad a estar atentos al sinnúmero de eventos que ofrecerán, basados en la muestra, durante el año. 

Durante el tiempo que el curador estará en Puerto Rico, participará en varias actividades, incluyendo el primer recorrido de la exhibición el 10 de diciembre a las 11 am. 

Para más información puede comunicarse al teléfono (787) 523-4642 o visitar la página www.fundacioncortés.org.

 

Construyen una Garita en Nueva York

En alusión a los paisajes coloniales puertorriqueños y en los omnipresentes sitios de construcción de la ciudad de Nueva York, artistas recrean una garita en Harlem Art Park.

“Quería hacer una recreación de una de las paredes coloniales de San Juan, pero al estilo de un espacio de construcción de Nueva York”, dijo el artista visual Kevin Quiles Bonilla en entrevista con 90 Grados.

La instalación For centuries, and still…(anticipated completion), creada junto a Zaq Landsberg, consta de una garita de 13 pies de alto con una inclinación de 15 grados, como si se estuviera hundiendo lentamente en el suelo. 

Elementos como las paredes de madera verde, las plantillas que leen “Post No Bills” rociadas con pintura e intervenciones cotidianas como grafitis pulidos y carteles comerciales, “representan un lenguaje visual de la ciudad de Nueva York, que crea un vínculo visualmente específico con Puerto Rico, su legado colonial con los EE. UU. y la historia de la migración entre ambos lugares”. 

Al indagar sobre la parte del título que lee entre paréntesis “anticipated completion”, el artista explicó que funge como una metáfora del estatus colonial de la isla. “Esa parte en particular fue intencional porque en los espacios de construcción en Nueva York , siempre hay un póster de la compañía que está trabajando en esa construcción que ofrece información sobre lo que trata el proyecto. Siempre dice “anticipated completion” con una fecha meta para finalizar el proyecto”, explicó añadiendo que a menudo esas fechas no se cumplen y se sigue retrasando al igual que la idea de definir el estatus de Puerto Rico. 

A través de su práctica, Quiles Bonilla busca honrrar su raíces, representar su cultura y continuar la conversación territorial.  “En mi trabajo siempre hablo de las cosas que ya casi no escuchamos pero siguen ocurriendo. Esa relación entre Puerto Rico y Nueva York aún continúa y siguen migrando generaciones a Estados Unidos”, dijo el artista que se mudó a Nueva York en el 2019 para continuar sus estudios graduados en Parsons School of Design.

Aunque su formación académica se basa principalmente en fotografía y video “desde hace varios años he estado experimentando medios de performance”, dijo. Por eso aceptó la invitación de Zaq Landsberg para colaborar y juntos lograron la instalación tras recibir una beca del Lower Manhattan Cultural Council (LMCC).

“Algo super especial de ese parque es la pieza que está detrás de nuestra instalación, que es una comisión permanente por el artista puertorriqueno Jorge Luis Rodríguez titulada ‘Growth’. Esa fue la primera comisión en Nueva York bajo el programa present for arts, donde se reserva un porcentaje del presupuesto de la ciudad dedicado a producir comisiones artísticas”, explicó sobre la pieza creada en 1985. 

For centuries and Still…(Anticipated Completion),  continuará en vista hasta noviembre 2023 en Harlem Art Park. “Algo que me emociona es ver como la pieza se irá adaptando a los cambios del clima, particularmente ver una garita en la nieve”, concluyó Quiles Bonilla, situación que hace una oda a la historia de Doña Fela quien trajo nieve a Puerto Rico en la década de los 50.

Detrás del diseño de las nuevas Banyan Villas del Fairmont: El San Juan Hotel

Desde la década del 1960, El San Juan Hotel ha sido embajador de la arquitectura, diseño y turismo local en Puerto Rico, y su última remodelación no es excepción, pues conserva la esencia original satisfaciendo los nuevos públicos.  

Diseñado por el arquitecto Morris Lapidus en 1958, la hospedería se convirtió en el eje del entretenimiento en la isla durante la década, con una discoteca que atrajo a leyendas como Frank Sinatra y Liza Minnelli.

Con el fin de revitalizar los espacios del hotel, en el 2018, el diseñador Jeffrey Beers modernizó los espacios comunes, los restaurantes y los bares al tiempo que preservaba la historia y la elegancia retro de la propiedad.

Sin embargo, no es hasta ahora en el 2022 que el hotel tiene el placer de presentar sus renovadas Banyan Villas, que disfrutan de habitaciones más espaciosas, con balcón o jardín y la ventaja de que es un edificio más privado en comparación con las demás facilidades.

Banyan Villas en el Fairmont, El San Juan Hotel (Valeria Falcón)

El diseñador y su equipo conservaron el edificio existente, pero agregaron un nuevo toldo en la entrada y reemplazaron las puertas para “darle un aspecto mejorado”. Se aplicó una película opaca a la pared de vidrio de la ducha para mayor privacidad, pero se mantuvo la parte superior despejada para que el huésped disfrute de la vista del cielo mientras está en el baño.

Entre otros cambios que se hicieron, “el patio semiprivado frente a la suite es bastante exclusivo de Banyan Villa. Reorientamos las habitaciones hacia ella, creando una experiencia de estar/comedor junto a la ventana, para aprovechar al máximo la vista”, explicó el portavoz de Jeffrey Beers.

Para el diseñador uno de los elementos que da carácter a la Suite es la capa de diversas texturas. “Desde el revestimiento de lino de las puertas del armario, pasando por la madera acanalada del mueble de TV, el borde de tela de las pantallas de las lámparas y las inserciones de ratán del minibar”, revisten de personalidad al espacio. 

Entre las características del lugar que fueron  favorables para el diseño de los interiores, la firma celebró la sensación tropical autóctona de la región mediante el uso de colores atrevidos como el azul profundo y el verde, asociados con patrones florales dentro de la almohada decorativa y las obras de arte. “La obra de arte de mariposas en 3D sobre el cabecero es una invitación a escapar y relajarse”, dijo Jeffrey Beers.

Banyan Villas en el Fairmont, El San Juan Hotel (Valeria Falcón)

Aportaron a la sensación natural del jardín mediante el uso de materias primas naturales como madera de nogal, hierro negro, ratán color miel, tapicería similar al cuero y motivos florales bordados en cojines decorativos.

Fairmont, El San Juan Hotel (Valeria Falcón)

El Fairmont, El San Juan Hotel continúa su legado como hospedería de alta calidad para sus huespedes,  siendo reconocido como el hotel #1 en El Caribe y Centroamérica por los Reader’s Choice Awards 2022 de Condé Nast Traveler en la categoría de Caribe y Centroamérica.

Nombran al Fairmont El San Juan Hotel el #1 del Caribe y Centroamérica

Conoce más sobre el Fairmont en: sanjuanhotel.com

 

 

Futuros arquitectos impresionan con sus proyectos en los Premios Honor AIA

De Vestigios a Memorias por Zairiangely García Planas

Como parte de la celebración de la convención anual del Instituto Americano de Arquitectos de Puerto Rico (AIAPR), el gremio galardonó a un selecto grupo de estudiantes que se destacaron en sus diseños arquitectónicos.

Conoce un poco sobre los jóvenes y sus proyectos: 

Premio de Honor en la categoría de Teoría e Investigación Categoría Estudiantil

Zairiangely García Planas, egresada de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras, ganó el premio con su diseño “De Vestigios a Memorias: Redesignación del sistema de casillas de los peones camineros”. 

“A pesar de que deberían estar protegidas por ser parte de nuestro patrimonio, la mayoría no lo está. Estas casas o casillas se encuentran en diferentes estados de conservación: algunas rehabilitadas, una pocas restauradas y la mayoría completamente en ruinas”, explicó García Planas en su sinopsis.

El trabajo propone una evaluación del estado de deterioro de las casillas y del programa actual de las que todavía están en uso. El propósito de la investigación era “generar una serie de estrategias a distintas escalas para evitar la desaparición de las estructuras, valorando nuevamente la ruta y aludiendo a la memoria de un pasado casi olvidado, con el fin de garantizar la supervivencia del sistema”, según Garcías Planas. 

Comentario del jurado: “Tanto la investigación minuciosa, el análisis del sitio y la transición fluida de la escala macro a la escala micro del diseño se ejecutaron de manera impresionante en este proyecto reflexivo. Al combinar la preservación, la infraestructura y las nuevas intervenciones arquitectónicas, este proyecto de investigación celebra e imagina un futuro para estas infraestructuras reliquias. Cada propuesta responde a su contexto y a la comunidad que la rodea, lo que sugiere diversos usos programáticos para esta red de edificios. La reprogramación de espacios y lugares reinventados proporcionó múltiples puntos de contacto para involucrar a los viajeros y usuarios finales en todas las escalas. La investigación y la presentación se presentan de manera clara y cuidadosa”.

Conoce los Ganadores de los Premios Honor AIAPR

Premio de Honor en la categoría de diseño de Trabajo Estudiantil

Claudia Crespo Castro, egresada de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras, ganó el premio con su diseño “Mercado Salado”,   una propuesta arquitectónica que parte de su tesis de Maestría en Arquitectura “Villas Pesqueras de Puerto Rico”. 

Su diseño está fundamentalmente inspirado en la cultura de las comunidades pesqueras puertorriqueñas, la historia del lugar y la alteración de la costa tras los efectos del cambio climático. “Para mí fue sumamente importante crear un proyecto que diera voz y representara el sentir de los usuarios principales de este espacio: la comunidad pesquera”, le explicó a 90 Grados.

“Mercado Salado” inserta a las tradicionales Villas Pesqueras puertorriqueñas en confrontación directa con las políticas públicas que excluyen a los locales del acceso a las costas, mientras otorgan acceso a la industria del turismo. De esta manera, cuestiona temas de desplazamiento comunitario, legislación y el derecho que tienen los locales a su tierra. El alza del nivel del mar se utiliza como marco para cuestionar las regulaciones de zonificación actuales para salvaguardar una comunidad pesquera existente, reconociendo que con el tiempo parte de “Mercado Salado” y sus alrededores quedarán bajo el agua.

Comentario del jurado: “Estábamos impresionados por la consideración y minuciosidad de la propuesta: este fue un diseño propuesta profundamente inspirado en la cultura, materialidad y clima del lugar… Los análisis de sostenibilidad y resiliencia fueron muy completos y profundamente integrados en el diseño…Hermosamente concebido y ejecutado: este proyecto es muy merecedor del más alto honor. Es notable para un estudio profesional, y más que nada para un esfuerzo estudiantil”.

Mención de Honor en la categoría de diseño de Trabajo Estudiantil

Orlando Echevarría, egresado de Escuela de Arquitectura de la Universidad de Puerto Rico Recinto de Río Piedras, fue otorgado una mención honor bajo la misma categoría con el diseño “The Reciprocity of TROPICAL Architecture and Rewilding”. 

Como respuesta a la crisis climática, este proyecto explora la reconstrucción como agente catalizador del cambio para la arquitectura tropical y los ecosistemas. Esta crisis se expresa en Levittown a través de los riesgos naturales observados en el agua y sus alrededores, como la intrusión salina, erosión costera, sedimentación, licuefacción y contaminación de cuerpos de agua. Cerca de los dos canales principales que drenan Levittown existe un canal vertedero clandestino que se considera la zona industrial abandonada más peligrosa del área.

“La idea detrás de la propuesta es eliminar este vertedero clandestino y acomodar un espacio verde saludable que le permita filtrar naturalmente esta escorrentía contaminada a través de la fitorremediación. Al mismo tiempo, crear un espacio seguro y agradable para la comunidad de Levittown, enfocándonos en la salud y el bienestar de nuestros adultos mayores”, así lo describe Echevarría en su sinopsis.

Cometario del jurado: “Inteligente y responsable, este proyecto combina la ecologización estratégica con el espacio comunal orientado a las personas mayores. Tanto el sitio como la comunidad objetivo son vulnerables; esta propuesta imagina futuros sostenibles para ambos. La planificación y la investigación claras son la base para hermosos espacios, interiores y exteriores, que encarnan el ideal de reciprocidad imaginado en esta propuesta”.

Por otro lado, Agnes Rodríguez Collazo,  egresada de la Escuela de Arquitectura en la Universidad de Puerto Rico, Recinto de Río Piedras, también recibió una mención honorífica por su proyecto “The Healing Pathway”. Dicho diseño nació de “la necesidad de crear diálogos o plataformas que discutan las realidades de la ciudad puertorriqueña y su contexto”, según la estudiante.

Tomando en consideración los eventos de crisis causados por los fenómenos atmosféricos como el huracán María, los terremotos de la zona sur y más reciente la pandemia del COVID 19, Rodríguez Collazo busca establecer una plataforma y guía de posibles estrategias para solucionar el uso y el propósito de las ciudades que funga como una ciudad post crisis en la isla.

“Esta investigación, no necesariamente es una solución a los problemas actuales de los centros urbanos en la isla pero si crea una gama amplia de posibles soluciones, manuales y diálogos que aspiren a una mejor arquitectura urbana”, así lo describe la sinopsis del proyecto basado en su pueblo natal, Yabucoa. 

Comentario del jurado: “Todo sobre el proyecto evoca “curación”, desde la calidad de las ideas, la presentación y el cuidado en los dibujos. Hay una sensibilidad efímera en el proyecto que brinda compasión por lo que Puerto Rico ha tenido que superar y un regalo muy necesario para ayudar al proceso continuo de revitaliazación”.

Negrura: Una pieza de autoreflexión en honor a la cultura afrolatina

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Con el cuatro como protagonista, la cantautora y cuatrista puertorriqueña Fabiola Méndez presenta su más reciente proyecto audiovisual “Negrura”

Cuando mi sobrina de seis años me expresó que quería que su cabello rizado, afro y voluminoso fuera igual de lacio como el mío, comprendí que esa única vez que alguien le dijo que su pelo era “malo”, cambió su perspectiva para siempre. 

“‘Pelo malo’ es algo que suena tan tonto, pero que se dice constantemente sin saber las repercusiones que tienen esas palabras”, así se expresó conmigo la cuatrista Fabiola Méndez mientras hablábamos de su documental Negrura

La filmación de 20 minutos, narra las historias de cuatro individuos afro-latinos de Boston que exploran cómo su color de piel ha influenciado sus experiencias de vida

Al indagar sobre cómo el color de la piel ha influenciado sus propias vivencias, Méndez describió que, al igual que mi sobrina, por mucho tiempo su mayor problema fue aceptar su cabello. “Yo no vine a aceptarme y amar mi pelo hasta llegar a mis veinte años. Por otro lado, en mi profesión sentía que la imagen de lo que mediáticamente se quiere vender, eran mujeres blancas con pelo lacio. Ya esas cosas están cambiando, por estas conversaciones que estamos teniendo, pero el sentir que no podía formar parte de esa imagen siendo artista porque no cumplo con los estereotipos de lo que tiene que ser un artista, fue persistente”, confesó Méndez. 

La idea para el documental surge tras recibir una beca de parte de la Fundación Boston y escoger a la comunidad de Boston Latin Quarters para protagonizar su pieza, complementada por la dirección y mentoría de la directora Monica Cohen.

 

“Pensando en toda esta temática de la pandemia para acá como las luchas que se vieron en Estados Unidos de Black Lives Matter, luego de que asesinaron a George Floyd, y todas estas conversaciones que comenzaron a surgir, yo comencé a cuestionarme qué es lo que eso representa para mi, porque soy una mujer negra, que dentro de mis propias experiencias he vivido momentos de discrimen y de racismo”, dijo dijo la artista y primera cuatrista graduada de Berklee. 

La pieza funge como apertura de los conciertos del Recorrido de otoño en el que se ha presentado en ciudades como Boston, New York, Connecticut, Chicago, Seattle y ahora en su ciudad natal Caguas, este viernes 18 de noviembre. Luego del documental, la cuatrista junto a su trío interpretará temas de su repertorio original, así como clásicos populares de la tradición boricua. Además, contará con la presencia de músicos del patio e invitados especiales.

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La música, como núcleo del proyecto, conecta y reacciona de manera improvisada a cada historia, buscando evocar en el oyente sentimientos de autorreflexión y empatía.

“Con el cuatro voy tocando piezas musicales a lo largo del documental que intercalan con los individuos y sus historias”, explicó, añadiendo que “la parte del cuatro busca evocar estos sentimientos en la audiencia. Hay momentos nostálgicos, de alegría y hasta de frustración”. 

Además de servir como una pieza de reflexión y educación para la audiencia, la propia artista descubrió cosas que jamás se había cuestionado, “porque lo había normalizado tanto y no tenía las herramientas necesarias o el lenguaje para discutirlo”. 

Como mensaje para las generaciones más jóvenes que experimentan discrimen y prejuicio, aconseja que “no permitan que las opiniones de las demás personas los definan“. 

“Eso es súper difícil porque somos seres sociales y la opinión de las demás personas tienen mucho valor, pero no debemos permitir que nadie ni nada define quienes somos especialmente cuando tiene que ver con nuestras identidades”, manifestó Méndez.

“Al final es una oportunidad para sentir empatía hacia estas experiencias diversas de otros seres humanos… El propósito del documental es, además de sentir orgullo por todo lo afro, es crear esos espacios de conversación”, concluyó. 

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El evento será el viernes 18 de noviembre a las 8pm en el Teatro Luis M. Arcelay. Los boletos comienzan en $25 y están disponibles en PRticket.com.

Sobre Fabiola Méndez

Fabiola es nativa de Caguas y ha llevado la bandera de Puerto Rico a escenarios dentro y fuera de la Isla con importantes agrupaciones, como la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, Filarmónica de Chicago, Danny Rivera, y Pedro Capó, entre otros. 

Fue estudiante del Hogar del Cuatro Puertorriqueño, el Instituto Musical de Humacao, la Escuela Libre de Música Antonio Paoli de Caguas, el Conservatorio de Artes del Caribe, y Berklee College of Music, de donde se graduó en el 2018, siendo la primera cuatrista graduada de dicha institución. 

Sus álbumes Al Otro Lado del Charco y Afrorriqueña están disponibles en todas las plataformas digitales como Spotify, Apple Music, Tidal, etc. El concierto es producido en colaboración con Ágora Cultural Architects. 

 

 

Enoc Pérez narra su historia en pintura

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El pintor y dibujante tendrá en vista su exhibición "Las Islas del Encanto" en el Museo de Arte de Puerto Rico hasta Marzo 2023- Foto por Valeria Falcón

Reseña

Por primera vez en un concepto museístico, el artista puertorriqueño Enoc Pérez llega desde Nueva York a Santurce con su exhibición “Islas del Encanto”, una muestra que refleja la gran influencia del diseño, arquitectura, cultura y la diáspora mediante la pintura. 

A mano alzada en su propio estilo

La Arquitectura y el Diseño son parte de mi propia identidad. Yo no sé si es correcto pero es mi herramienta de expresión”, así lo describió Enoc Pérez en entrevista con 90 Grados, al indagar sobre la frecuente presencia de edificios e interiores históricos en su obra. 

Su primera obra de una representación arquitectónica, fue inspirada en su historia de amor, que dio paso a un nuevo estilo y protagonismo artístico. 

“A mi no me interesa la pintura que hable de pintura solamente, eso es aburrido. Tiene que hablar de algo real”, dijo.  

Tras entablar un relación amorosa con una joven francesa, ahora su esposa, quiso dedicarle una exhibición, pero contaba con el inconveniente de que, en ese momento, estaba casada con otra persona y debía ser discreto en su propuesta. 

Arquitectura Local – Foto por Valeria Falcón

Se inspiró en la historia de Félix Benítez Rexach, ingeniero que construyó el Normandie, quien conoció a su esposa, la cantante francesa Moineau, durante un viaje a bordo del SS Normandie. “Esa primera obra de Pérez, en código secreto, dio pie a una serie de pinturas sobre la llamada arquitectura modernista, funcional o de estilo internacional, que van a marcar la carrera del artista”, según expresa el curador Juan Carlos López Quintero en su ensayo, sobre la pintura del Normandie en honor a la esposa.

Ese momento de ebullición artística fue el empuje para la representación de otros emblemas arquitectónicos, particularmente hoteles que formaron parte de su infancia y que admiraba cada vez que visitaba la isla, como El Conquistador, El San Juan y El Miramar. 

A pesar de pasar mayor parte de su vida en los Estados Unidos, la mancha de plátano del artista está presente, tanto en su ser como en su discurso artístico. “Él está afuera pero el caribe no se pierde“, aclaró López Quintero.

Pero además de esta admiración por el diseño y nostalgia personal, Pérez invita al espectador a profundizar sobre estos espacios que aportan a la venta del sueño de “La isla del Encanto”.

“Me doy cuenta de que yo me veo a mi mismo en estos hoteles, pero que son símbolos de colonialismo a la misma vez”, explicó. 

Así fue que surgió el título de “Las Islas del Encanto”, que hace alusión a las seis secciones en las que se divide la exhibición. “De repente pensé en ese eslogan que surgió a principios de los años 40, La isla del encanto”, dijo  López Quintero  sobre su investigación para la exposición. “Viendo y analizando la obra de Enoc, hay momentos en que esa promesa de felicidad, que era la Isla del Encanto, la era del modernismo y el progreso están presentes”, añadió. 

Foto por Valeria Falcón

Estos edificios, que desde afuera figuran casi perfectos, fuertes, simétricos y que plasman su huella son casi como se intentaba, y aún se intenta, vender la idea de una isla encantadora. 

De afuera hacia adentro

Por otro lado, el artista explora más tarde otra perspectiva a través del diseño de interiores. Estos espacios dan esa otra visión a la personalidad íntima de cada individuo, personificado en pintura, y en los que a menudo se reflejan las formas de ser. López Quintero las describe como unas de las más poéticas, atractivas e intrigantes. 

Interiores – Foto por Valeria Falcón

“Es arquitectura, pero es casi como un pulmón”, expresó el artista y el curador describió el proceso  “como hacer un retrato de la persona desde la tercera piel”. 

Pero no son interiores cualquiera, sino que se tratan de espacios de diversas figuras públicas, que ha tenido el placer de visitar. Como si fuera poco, son espacios que contienen piezas del arte del siglo XX como Picasso, Léger, Warhol y otros, dándole una oportunidad a Pérez de reproducirlas, en oda a sus maestros. 

“Me gusta visitar casas, encontrarme con la ocasional pintura importante, ir al baño y ver un Warhol, por ejemplo”, describió Pérez sobre su análisis conceptual de los interiores. 

Paisajes – Foto por Valeria Falcón

La pintura es el lenguaje de mayor dominio para Enoc, y su forma de expresión favorita. “Es lenguaje. Tu extiendes tu lenguaje y se puede extender de varias maneras. Lo mismo con la pintura, el medio siempre es la pintura pero el tema es la vida real”, manifestó.

La pasión es evidente, tras visualizar la magnitud de las obras, la profundidad del discurso y su incesante dedicación para dejar su huella en los Estados Unidos, sin perder su cultura. 

La arquitectura y el diseño son solo una parte de lo que motiva a Pérez a crear y que protagonizan su muestra. “Las Islas del encanto” explora diversas etapas de su vida como creativo, como individuo, como puertorriqueño en la diáspora y sobre todo como humano.

Sobre el artista

Enoc Pérez obtuvo su bachillerato en artes en el Pratt Institute de Nueva York en 1990 y prosiguió estudios de maestría en el Hunter College, del cual se graduó en 1992.  Vive en Nueva York y ha tenido innumerables exposiciones individuales y colectivas en Puerto Rico, Estados Unidos y Europa. Su técnica pictórica ha llamado la atención de curadores y coleccionistas locales e internacionales por su innovador paralelismo con la técnica gráfica del monotipo y por el uso de la fotografía como punto de partida para hacer un comentario sobre el predominio de la tecnología en el mundo y el arte contemporáneo, según describe El Museo de Arte de Puerto Rico. 

Está exhibición fue posible debido al respaldo del galerista Alberto Rigau, la curadoría de Juan Carlos Quintero, el montaje de Miguel Torres y la acogida del Museo de Arte de Puerto Rico. La muestra estará en vista hasta Marzo del 2023 en las Galerías Bertita & Guillermo Martínez y McConnell Valdés  en el cuarto piso. El museo opera los Jueves de 11: 00 a.m. a 8:00 p.m. y de  viernes a domingo de 11:00 a.m. a 5:00 p.m.

 

 

Viaja a los 1960 al son del Jazz

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En colaboración con el Museo de Arte de Ponce (MAP), el Museo de Arte y Diseño de Miramar (MADMi) trajo de sur a norte una selección de la colección Latinoamericana, transportando a sus espectadores a una época de cambios significativos en el mundo del diseño. 

El junte surge con el propósito de seguir exhibiendo la extensiva muestra de arte del MAP, a raíz del cierre indefinido tras los efectos sufridos por los terremotos del 2019,

Realismos Mágicos , en el MADMi – Foto por Valeria Falcón Esteras

Se escogió la muestra latinoamericana con piezas de los años 1955-1975, otorgándole protagonismo a los años 1960, ya que “fue una época de mucho cambio político, económico, y de migraciones a consecuencias de la industrialización”, dijo Marilú Purcell, curadora del MADMi, en entrevista con 90 Grados. 

La colección es una que la gestora conoce extensivamente, debido a que se encargó por más de una década de estas piezas durante su previa labor en el MAP. La muestra surge como una oportunidad de compartir la colección más contemporánea del museo y una de las pocas que destaca la cultura latinoamericana, pues principalmente se destaca por su extensiva muestra europea. 

El título Transformaciones, honra los cambios paradigmáticos que se convirtieron en norma y cómo los artistas vanguardistas comenzaron a explorar nuevos estilos culturales. 

Esta selección se alínea con el enfoque principal del museo en Miramar, que se distingue por destacar la época industrial y el auge de los cambios en el mundo del diseño.

El Jazz en su “peak” 

Entre las diversas obras por destacar, Purcell tiene un espacio especial en su corazón para “La botella de Tufiño”. 

La pieza hace referencia al popular bar de Jazz La botella, ahora Nono’s en Viejo San Juan, que fungía como espacio de intercambio cultural y galería para artistas como el propio Tufiño. 

La Botella, 1963  – Foto por Valeria Falcón Esteras

La curadora destaca como la obra nos “ata al presente”, pues representa un lugar aún querido en la actualidad, y que además ata al movimiento de otros artistas como Olga Albizu, quien trabajó en las carátulas de varios discos de jazz en la época, y quien es parte de esta exhibición.

Inclusive, el MADMI creó un “playlist” para acompañar el recorrido, con una selección de éxitos de la década del 1960 que incluye una diversidad de géneros musicales desde el jazz y la bossa nova hasta la marimba y el rock. 

Rompiendo esquemas clásicos

A pesar de las obras complementarse y ser parte de la misma época, hay una diversidad de tecnicismo, colores, influencias y significaciones detrás de cada pieza. Este fue un tiempo en el que los artistas salieron de lo tradicional y apostaron por intentar cosas nuevas. 

Este movimiento fue grandemente influenciado por la migración a la ciudad, que se convierte en el “patio de juegos” de los artistas y en donde comienza la ebullición creativa. 

“Una de las cosas que recalcamos en los textos es que en los 60 cuando ellos (El MAP) estaban coleccionando, fue bien atrevido escoger esas piezas cuando su colección base era arte occidental tradicional. De momento, comprar estas figuras fue bien visionario de ellos”, dijo Purcell.

Foto por Valeria Falcón Esteras

“Una cosa bien curiosa de las tres esculturas es que son radicalmente diferentes a nivel de materialidad, pero del mismo momento”, dijo la curadora sobre las tres esculturas que forman parte de las 36 piezas en la exhibición. Sus materiales individuales figuran madera, acero y una combinación entre acrílico y metal. 

“Estas obras abarcan no solo movimientos de arte sino, movimientos históricos”, concluyó Purcell,  invitando a la comunidad a descubrir la infinidad de historias detrás de cada pieza. 

La exhibición Transformaciones está abierta al público en el MADMi hasta el 20 de mayo de 2023 en un horario de martes a sábado de 10 am – 5:00 pm. 

Justicia climática VS patrimonio cultural

Opinión

¿Es peor la profanación de un cuadro que la destrucción deliberada del planeta? 

Esto se cuestionaron los jóvenes del grupo Just Stop Oil luego de tirar sopa de tomate en la reconocida pieza “Sunflowers” de Vincent Van Gogh en Londres. El grupo argumentó que mientras la pintura está protegida por un cristal, la población no lo está. El evento fue parte de una ola de protestas en el Reino Unido tras el anuncio de que el gobierno está dando luz verde a nuevas licencias para la exploración petrolera,

Sin embargo, esta no ha sido la única intervención realizada en la industria del arte en los últimos meses. 

Activistas ambientales han adoptado una nueva estrategia para abogar por la conservación del ambiente mediante la destrucción de obras de arte. En julio, miembros de una organización italiana de activistas climáticos llamada Ultima Generazione, se pegaron a una pintura de Botticelli en Florencia, Italia. Por otro lado, la “Mona Lisa” fue objeto de un intento de vandalismo en mayo cuando un visitante lanzó un pastel en el vidrio protector de la pintura. 

La estrategia propone llamar la atención para que las personas se cuestionen si una pintura vale más que sus vidas y aboguen por la protección climática. Aunque la acción sin duda llama la atención, no creo que sea la atención que más les beneficie a estos grupos ambientales.  Al desfigurar una obra de arte universalmente querida, es posible que hayan hecho más daño que bien a su propósito. 

Existe un término llamado Eco-Ansiedad que se define como el temor crónico a un cataclismo ambiental y el estrés causado por observar los impactos aparentemente irrevocables del cambio climático, según la Asociación Americana de Psicología. Investigadores de psicología han descubierto que tratar de asustar a las personas para que actúen suele ser contraproducente. Debido a que las probabilidades de supervivencia parecen estar en nuestra contra, la mayoría opta por huir y despreocuparse del asunto. 

Sin duda la crisis climática cada día es más alarmante y no hay otro ser responsable que los propios seres humanos. No obstante, este tipo de discurso de culpabilidad con acciones tan arbitrarias como la intervención de una pintura en un lugar público, sobre un artista que no hizo más que elogiar a la naturaleza en su obra, que no tiene nada que ver con el movimiento político, simplemente me parece un acto de odio. La estrategia de la salsa de tomate, ha causado más conversación sobre la destrucción de la pieza que la supuesta razón del acto. 

Más que nada, La Galería Nacional de Londres, donde exhibe la pieza, ha demostrado estar comprometida con la conservación del ambiente por los ultimos años. Su objetivo de sostenibilidad es “ahorrar energía y reducir nuestra huella de carbono”, según destacan en su reporte anual 2020-2021. Durante ese año logró reducir sus emisiones de carbon un 12%. Por otro lado aspira reducir los residuos y garantizar que se reutilice o recicle la mayor cantidad posible de residuos. Además, detalló un plan para 2025-2030, que se centrará en la reducción de las emisiones de gases de efecto invernadero mediante la instalación de plantas y equipos energéticamente eficientes.

Creo fielmente que la educación es uno de los agentes fundamentales más importantes para abordar el problema del cambio climático, sino el más importante. La Organización de las Naciones Unidas incluso destaca cómo la educación puede alentar a las personas a cambiar sus comportamientos y ayudarlos a tomar decisiones informadas.

Claro está que, aunque muchos hacen su parte por educar y concientizar sobre el asunto, perpetúan las acciones poco conscientes con el planeta. Sin embargo, no creo que la destrucción se combate con más destrucción, aunque para algunos parezca irrelevante el artículo que se interviene, en este caso el arte y cultura. 

Nuevo récord para Olga Albizu en Subasta Internacional

El pasado 30 de septiembre la obra “UNTITLED” de la reconocida artista puertorriqueña Olga Albizu alcanzó un nuevo récord de ventas en la Subasta de Arte Latinoamericano de la prestigiosa casa de subastas Christie’s en la ciudad de Nueva York.

El lote #73 de esta subasta fue este espectacular óleo sobre canvas de Albizu del año 1972 de 45½“(alto) x 35” (ancho) con precio estimado de $40,000 a $60,000.00. Esta obra logró alcanzar un precio de venta final de $151,200.00 triplicando así el valor estimado y estableciendo un nuevo récord de venta para esta artista.

Olga Albizu es reconocida como una de las mujeres artistas más importantes del Expresionismo Abstracto Americano y como una de las artistas puertorriqueñas de este movimiento artístico más sobresalientes a nivel internacional. Sus obras forman parte de importantes colecciones de arte locales e internacionales.

Conoc más sobre Olga Albizu en: biaggifaure.com/artists/olga-albizu/

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