Stephanie López Pérez

Exhibición Platanal: Una reflexión sobre lo que estamos cosechando

Reseña

Dicen por ahí que el boricua nace con la mancha de plátano bien marcá’, pero ¿hasta cuándo podremos contar con ella cuando cada vez más carecemos de su presencia?

La nueva exhibición en la Galería SPACE se titula Platanal, nombre que juega un papel contradictorio tal como el nombre del propio país: Puerto Rico.

Etimológicamente, la palabra platanal hace referencia a la fruta, pero cabe resaltar que el sufijo al hace referencia a la abundancia y que indica “lugar donde hay”, según la Real Academia Española (RAE). “Es un título irónico como un sitio donde abunda el dinero. Cuando realmente Puerto Rico está pasando por una crisis económica” , expresó el artista Marcos Medina, recién graduado de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico.

Marcos Medina junto a sus profesores de Bachillerato de la Escuela de Artes Plásticas y Diseño de Puerto Rico – Foto por Valeria Falcón

La obra revisita  la historia que parte de los artistas de la generación del 50, como Lorenzo Homar, Carlos Raquel Rivera, Rafael Tufiño quienes incorporaron los diferentes problemas que comienza a enfrentar Puerto Rico, particularmente la crisis económica y la dependencia política. 

Según un artículo del Centro de Periodismo Investigativo (CPI) “Puerto Rico produce sólo alrededor de 15% de lo que consume, cifra que no ha aumentado al menos en la última década y el paso del huracán María incluso redujo a 0% esa producción por alrededor de un año”. 

La muestra de Marcos Medina hace cuestionarse por qué no se están maximizando los recursos que tiene el país. Mientras tanto, se siguen redirigiendo asuntos que nos dejan en un vacío, como el estatus político, que muy bien recalca el artista que “la agricultura es algo que puede estar presente bajo cualquier administración y puede ayudar a resolver muchos de los problemas económicos que estamos enfrentando actualmente”.

Aquí algunos de los símbolos, de los tantos,  presentes en la muestra:

1. Ala de águila

 Aunque hay varios símbolos presentes , uno de los más explícitos es el ala del águila que simboliza la presencia de Estados Unidos en Puerto Rico.

La primera obra presente al entrar a la exhibición “trata sobre cómo el proceso de transculturación ocurre  tras la llegada de Estados Unidos a Puerto Rico en 1898”. A diferencia de la  aculturación, en la que se asimila la otra cultura y se adapta a ella pero mantiene la propia identidad cultural, en la transculturación se asimila una cultura y se crea una identidad nueva. 

Exhibición El Platanal por Marcos Medina en la Galería SPACE ubicada en Galería San Patricio – Foto por Valeria Falcón

2. Hongo Fusarium oxysporum raza 4

La producción mundial del plátano se encuentra amenazada por la raza del hongo Fusarium oxysporum  que ocasiona síntomas de marchitez y muerte de la planta, permaneciendo por décadas en el suelo y haciendo difícil su manejo.

La introducción del hongo en la muestra funge como analogía del estatus en Puerto Rico, en el que  “por años llevamos arrastrando una crisis económica que no sabemos cómo solucionarla, al igual que hongo que no tiene cura. Los agricultores simplemente pueden prevenir que llegue, pero una vez llega es bien difícil tratarlo”, explicó Medina. 

Fusarium R4T/ Medio Mixto/ 2022 – Foto por Valeria Falcón

3. Sistema eléctrico

¿Estamos cosechando plátanos o cosechando industria? 

Medina introduce el sistema eléctrico como símbolo de industrialización, haciendo referencia a la planta eléctrica de Palo Seco, en una de sus obras. Sin embargo, no ejemplifica un sistema sostenible, ni que ha sido exitoso, ni que nos identifica, como pueblo. En la pintura todavía los plátanos están en el primer plano porque “la agricultura debería ser la respuesta”, dijo Medina. 

“También existe esta dualidad conceptual en la que hay tantas personas que enfrentan crisis económicas ,que en los casos más precarios, tienen que escoger entre pagar el bill de la luz o pagar sus alimentos”, añadió, porque aunque la cosecha simboliza un posible progreso, la situación actual imposibilita el sueño de poder autosostenerse para muchos ciudadanos.  

No son Gigantes, Son Molinos (Terreno Baldío) / Medio Mixto / 2022 – Foto por Valeria Falcón. En la obra se hace referencia a la instalación de Molinos en Naguabo, deteriorada tras el paso del Huracán María. La pieza simboliza el deseo de progresar a sistemas eléctricos más sostenibles y ambientalmente sustentables, pero que carecen  de diligencia e instalación que cuente con los recursos necesarios.

Cuestionemos

El Platanal lleva al espectador por una montaña rusa de sentimientos, introspección y cuestionamientos. Los elementos, antes mencionados, son solo algunos de los temas que incorpora  el artista.

Además de deliberar con un mensaje interesante, Medina logró incorporar diferentes destrezas en sus obras creando una muestra en medio mixto que a la vez crea una atracción estética.

“Es muy diferente dentro de lo que existe, porque no es nuevo, pero el le dio una perspetiva contemporánea, atractiva y a la misma vez es una excelente propuesta. La muestra es muy intelectual, ya que utiliza mucho la investigacion para presentar su trabajo”, expresó Manuel Vázquez, director de la Galería SPACE y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte, en Puerto Rico.

“Además de seguir esa conversación que iniciaron esos artistas, quisiera que se lleven que debemos buscar una alternativa económica para Puerto Rico y que a la vez tenemos que fomentar nuestra cultura, y ¿qué mejor que hacerlo con la agricultura que nos caracteriza tanto?”, concluyó Medina. 

La exposición estará en sala hasta el sábado, 3 de septiembre de 2022 (martes a sábado de mediodía a 6:30 p.m.) en SPACE, el centro comercial Galería San Patricio, Guaynabo, Puerto Rico. Durante las fechas de la exhibición el artista ofrecerá visitas guiadas que serán anunciadas en: Facebook @SanPatricioArtCenter e Instagram @spacePR

Detrás de las flores que llevaba Frida Kahlo

Los labios rojos, la uniceja inolvidable, la corona de flores y los vestidos largos son algunos de los elementos que destacaron a Frida Kahlo en su época como artista, pero mucho más significativos de lo que imaginamos. 

Tras un éxito sin precedentes en España, la exposición “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva”, recorrerá los Estados Unidos, Canadá y América Latina. Siendo Puerto Rico, el primer lugar donde comenzó la exhibición, el pasado 5 de agosto en el Coliseo Pedrín Zorrilla.  

Una de las salas de la exhibición destaca a Frida Kahlo como un ícono de la moda, por su seguridad y estilo particular.

Frida Kahlo: Icono de la moda – Foto por Valeria Falcón

Debilitada por el polio y un accidente en autobús que cambió su vida, esta valiente artista siempre fue independiente y atrevida rompiendo los esquemas. Kahlo fue su propia musa, pues un 80% de sus obras son autorretratos, y la ropa se convirtió en parte de su narrativa de amor, dolor, transformación y fantasía. 

La moda “era una forma de terapia para ella”,expresó Beatriz Alvarado, representante de la fundación Frida Kahlo, pues mientras más enferma estaba era cuando más se adornaba.

Beatriz Alvarado de la Fundación Frida Kahlo

“Frida representa uno de los símbolos más importantes de ser feliz contigo misma, de ser única, de llevar tu cultura por todo el mundo y sentirte bien en tu propia piel”, añadió. Para Alvarado, el mensaje de Frida era “Te amo México” ya que siempre llevó su cultura en alto por las calles de Detroit, París y Nueva York. 

Flores eternas

“Pinto flores para que no mueran”, decía la artista, y no solo las pintaba sino que siempre las llevaba con ella. 

Frida Kahlo

Kahlo tenía un aspecto andrógino para esos años, tabú que apenas se acepta en la actualidad, que desconcertaba con sus coloridos vestidos y estampados floreados. Solía usar orquídeas, símbolos de elegancia y feminidad, o rosas en tonos cálidos, con los que pretendía plasmar la esencia y cultura de México. La artista logró darle un toque único, introduciéndolas en sus peinados, algo que la destacó y se ha convertido en un símbolo de su esencia. 

Atuendos que gritan “¡Viva México!”

Frida vestía faldas largas para ocultar su pierna debilitada por la polio. La vestimenta típica era el traje de Tehuana, que a menudo era formado por tres partes: una blusa geométrica, una falda larga con enaguas, y un tocado floral, muchas veces complementado con pendientes y collares.

La colección de ropa exhibida en la biografía inmersiva de Frida Kahlo, fue confeccionada en la ciudad de Oaxaca por mujeres que continúan creando las piezas tradicionales, y que es la ciudad reconocida por crear esos trajes en la época de Frida. 

Colección para Frida Kahlo: La Biografía Inmersiva – Foto por Valeria Falcón

La uniceja Frida Kahlo

Seguramente, una de las cosas que recordamos de Frida es su distinguible uniceja y su aceptación del vello facial.

No, no se trata de un descuido ni de falta de importancia, sencillamente era algo que usaba para rebelarse contra la sociedad que le tocó vivir. Inclusive, utilizaba mucho el maquillaje para destacar su particular apariencia, incluyendo sus cejas, siendo el lápiz de cejas de la marca Revlon uno de sus favoritos. 

Frida Kahlo: La Biografía Inmersiva – Foto por Valeria Falcón

“Muchos dicen que nació antes de su época, pero para mí nació en el momento perfecto para dejarnos su legado y que dejó huellas en todos los lugares que pisó”, comentó Ricardo Arjona Torres de Sophisticated Minds. 

Su apariencia resultó tan sensacional que en 1937, la revista Vogue publicó una fotografía por Toni Frissell de la artista de pie frente a una planta de yuca gigante con una blusa azul cielo una falda blanca rematada con un característico volante en el suelo y sosteniendo en alto sobre su cabeza su preciado chal color ciruela. 

Frida Kahlo – Foto por Toni Frissell

En general, Frida siempre fue una mujer bien arreglada, pero que retrataba su imagen de una manera tan particular que desafiaba las expectativas sociales. Siempre usaba lápiz labial y se pintaba sus uñas con colores vivos, pero sin el miedo de mostrarse con elementos a menudo asociados con la masculinidad. 

“Hoy vemos que todas las mujeres llevamos un poquito de Frida, a lo mejor no usamos el mismo vestido largo con las polleras y el bordado pero si llevamos esa rebeldía y esas ganas de ser únicas”, concluyó Alvarado.   

Altar para Frida Kahlo – Foto por Valeria Falcón

El horario de la exhibición “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva” será de miércoles a domingo, de 11:00 a.m. hasta las 8:30 p.m en el Coliseo Pedrín Zorrilla. Los boletos están disponibles a través de Ticketera.com y está disponible la opción para grupos. 

Para más información de “Frida Kahlo, La Biografía Inmersiva” visite  fridakahlopuertorico

Festival de arquitectura redescubre los hitos históricos de Montpellier

La edición 2022 del Festival des Architectures Vives (FAV) recibió una respuesta muy positiva del público con un número de visitantes de alrededor de 10 mil personas.

El objetivo del festival  es sensibilizar al público sobre el amplio campo de la arquitectura. Se esfuerza no solo por resaltar el trabajo de una joven generación de arquitectos, arquitectos paisajistas, urbanistas, sino también por descubrir territorios urbanos inesperados.

Paysage en Suspense BoON Architecture + mock up : Jean-Nicolas Bouchard, Julie Bradette, Hugo Thibeaudeau, Thierry Thibaudeau, Véronique Côté – Fotos por: photoarchitecture

Algunas instalaciones permiten la interacción con el público. Sin dejar huellas físicas, el FAV busca marcar los espíritus, iniciar una reflexión global sobre la arquitectura y su desarrollo en un contexto urbano existente así como crear un diálogo entre la creación contemporánea y el patrimonio. Mediadores, estudiantes de la Escuela de Arquitectura de Montpellier están presentes en cada lugar y permiten a los visitantes apreciar mejor el recorrido. El evento es gratuito, lo que demuestra este deseo de estar abierto a la mayor cantidad de personas posible.

Aquí algunas de las instalaciones presentes: 

 

Caeloscope por Alek Rokosz
Fotos por: photoarchitecture festivaldesarchitecturesvives
Fragment por Chiara Vigneri & François- Fotos por: photoarchitecture festivaldesarchitecturesvives

 

Conoce más sobre el festival, organizado por los arquitectos Elodie Nourrigat and Jacques Brion, en Festivaldesarchitecturesvives.com

Fuente: V2Newswire

 

5 estrategias para el color blocking en el interior

El contraste de colores vivos y audaces está en tendencia. Probablemente has visto atuendos de moda inspirados en el “color blocking”, donde tomas dos o tres (si no más) colores llamativos y, a menudo, contradictorios en un conjunto para crear una pieza de declaración emocionante. 

¡El diseño de interiores no se queda atrás! Utilizando piezas de diseño industrial, pinturas, obras de arte, recubrimientos y texturas, es posible crear un espacio llamativo pero cohesivo. Conoce las diferentes maneras de lograrlo en el interior.

Half N’ Half

Una de las formas más populares de integrar el color blocking es usando dos colores en la misma pared. Salga de lo tradicional y contraste colores en la parte superior e inferior.

Colección Am Glass por Imola – Imagen Suministrada

Vete monocromático

¿No sabes qué colores combinar? ¡No te preocupes! El color blocking también es posible utilizando un solo color. Escoge uno que vaya con tu visión, e implementa diferentes tonalidades y variaciones del mismo. También puedes añadir texturas para diversificar el espacio y crear áreas de acento. 

Colección Fio Biscuitt color Cirpria por Ceramica Fioranese – Imagen Suministrada

Colores opuestos

Otra manera de escoger los colores es dejándote llevar por la rueda de colores. Usala como referencia para contrastar colores en lados opuestos como azul y amarillo; rosa y verde; naranja y violeta; o atrévete a combinar espontáneo. 

Colección Sensi Signoria Santuario color Light Lux por ABK

Figuras geométricas

El bloqueo de colores se trata de ser audaz y resaltar los espacios, y ¿qué mejor manera de integrar figuras? El uso de figuras geométricas, líneas o hasta las curvas son una forma divertida de integrar los colores que se desean destacar. Diseñar una sola pared de acento puede ser la clave para enaltecer el estilo. 

Colección Nuances por Italgraniti – Imagen Suministrada

Destaca el piso

La tendencia no solo se refleja en las paredes, también puedes usar el piso como tu “statement piece” y decorar el resto en base a ello. El color en los suelos puede ser elegante y diferente. Luego de escoger tus recubrimientos, moldea el diseño alrededor de él y escoge muebles que lo complementen. 

Colección Shegge Porpora por Ceramica Fioranese – Imagen Suministrada

¿Te atreves a crear tu estética a base de esta tendencia? ¡Inspírate! Los recubrimientos de pisos y paredes son distribuidos en Puerto Rico por The Marble Shop y The Tile Shop

 

Primer modelo crossover totalmente eléctrico de MINI

La marca británica presenta el MINI Concept Aceman, un primer adelanto del nuevo diseño de su futura generación de modelos. En este concept car podemos ver innovaciones tecnológicas y basadas en el diseño de MINI que perfilan el placer de conducir típico de la marca del futuro. Llama la atención el primer modelo crossover de MINI para el segmento de coches pequeños premium, con propulsión puramente eléctrica, un lenguaje de diseño claro y sobrio que se ha denominado “simplicidad carismática”, una nueva experiencia digital del espacio interior y un concepto de materiales que no utiliza absolutamente nada. cuero o cromo.

En la próxima generación de modelos, al MINI Cooper con la icónica forma de carrocería de tres puertas, que ha sido reinterpretada una y otra vez a lo largo de sus más de 60 años de historia, se unirá por primera vez un modelo crossover. “El MINI Concept Aceman ofrece una visión inicial de un vehículo completamente nuevo, cerrando el espacio entre el MINI Cooper y el MINI Countryman en el futuro de la familia de modelos”, dice Stefanie Wurst, directora de la marca MINI. “Este prototipo refleja cómo MINI se está reinventando para su futuro completamente eléctrico y lo que representa la marca: una sensación de kart electrificado, una experiencia digital inmersiva y un fuerte enfoque en una huella ambiental mínima”.

El comienzo de una nueva era de diseño MINI.

“El lenguaje de diseño del MINI Concept Aceman anuncia el comienzo de una nueva era de diseño para MINI”, explica Adrian van Hooydonk, Director de Diseño de BMW Group. Las características de diseño típicas de la marca MINI siempre han sido inconfundibles, continúa diciendo Hooydonk. “Estamos volviendo a estos ahora, pero al mismo tiempo combinándolos consistentemente con tecnología innovadora”. Con este enfoque, estamos rediseñando los íconos del diseño MINI, con todas sus fortalezas analógicas, para el futuro digital.

Junto con el diseño exterior e interior claro y reducido, la experiencia holística del usuario de la luz, el movimiento, la interacción y el sonido también se combinan para definir este estilo. Las superficies construidas con tejido reciclado con contrastes de colores frescos se combinan con controles digitales continuos con una nueva pantalla OLED como interfaz central. Todo esto crea una experiencia interior única que sigue siendo inconfundiblemente MINI. Los modelos totalmente eléctricos de la próxima generación también cuentan con un diseño de sonido independiente por primera vez, lo que brinda sonidos de manejo emocionalmente convincentes y un fondo auténtico para los nuevos modos de experiencia.

Interior de MINI Concept Aceman – Suministrada

El MINI Concept Aceman se presentará públicamente por primera vez en el evento de juegos más grande del mundo, gamescom 2022, en Colonia. El evento comienza la tarde del 23 de agosto de 2022, con el gran espectáculo inaugural de la gamescom, Opening Night Live. Este evento se puede experimentar en el sitio de eventos de gamescom, así como desde cualquier parte del mundo a través de una transmisión en vivo.

Lee más sobre Mini: MINI celebra éxitos de mujeres fuertes con la Edición Pat Moss.
MINI Concept Aceman – Suministrada

Del 24 al 28 de agosto de 2022, los fanáticos de los juegos se reunirán en Koelnmesse de Colonia, Alemania para experimentar juegos y ofertas de varios desarrolladores y editores, así como un extenso programa marco que abarca muchas áreas de gamescom (como juegos indie y retro o cosplay). El programa gamescom también se puede acceder en línea hasta finales de septiembre.

 

Fundación le dice “¡Wepa!” al reciclaje artístico

Mural en Juana Díaz en colaboración con con Vital Market, diseñado por el artista Ferdinand G.Rosario

El arte incide en el cambio. Estas fueron las palabras que usó Vanessa Pérez Pacheco sobre su proyecto para impactar a cada municipio con murales de arte, creados con tapas plásticas. 

La tejana-mexicana, ahora residente en Puerto Rico, comenzó la organización sin fines de lucro Fundación Wepa, en el 2021 para fomentar la conservación ambiental en la isla.

“Puerto Rico tiene bien accesible toda la capacidad para ser un país sustentable comparado con otros países, por lo tanto  no deberíamos dar nuestros recursos  por sentado y valorar lo que se nos ha dado”, expresó la presidenta Pérez Pacheco.

Cuando la fundadora comenzó a residir en Borinquen, vivió en Juana Díaz en el barrio Guayabal, donde su casa quedaba frente al lago. “Mientras residimos en la casa del lago nos percatamos de los escombros que flotaban en la orilla diariamente. Se convirtieron en una tarea diaria para nosotros y eso me hizo pensar en cómo llegaron esos escombros al lago, pero tenía claro de que venían de los ríos”, contó. 

Playa La Plata en Dorado – Imagen Suministrada

Por otro lado, observó como se acumulaba una montaña de escombros en la cancha recreativa de la comunidad. Describió sentirse “incrédula” ante la falta de comunicación de los residentes con el municipio sobre la contaminación que los rodeaba.

“Sentí que tenía que hablar sobre este asunto porque mi hijo  de ocho años iba a jugar baloncesto ahí”, dijo Pérez Pacheco al respecto. 

Es por eso que ahora, la organización rige su misión y visión en las 3 R’s verdes: Reducir, Reusar y Reciclar, siendo la primera la más importante. 

“La reducción debería ser nuestra principal prioridad porque cuando practicamos la primera R, reducimos los gases de efecto invernadero y desempeñamos un papel importante en ayudar a disminuir residuos en los vertederos de Puerto Rico”, explicó. 

En segundo lugar, “Trabajamos el arte para demostrar los efectos de la segunda R,el reuso. Queremos mostrarle a las comunidades que la reutilización puede ser divertida y creativa”, dijo Pérez Pacheco. La meta de la organización es unir a las comunidades para recolectar tapas de plástico  y cumplir con su misión de impactar a los 78 municipios con un mural que represente al pueblo. 

El pasado 21 de abril, día de la tierra, presentaron su primer mural en Juana Díaz. El mismo fue posible gracias a la colaboración de el negocio local Vital Market y el diseño por Artista Ferdinand G. Rosario, propietario del taller Arte Gallina De Palo.

El mural consta de la imagen de los tres reyes magos ilustrados con tapas plásticas de colores y diferentes tamaños. Esto es porque el pueblo se reconoce como uno de los más antiguos y primeros en celebrar el día de reyes. 

Próximamente estarán trabajando en murales para pueblos como Manatí, Río Grande, San Juan, Humacao y  Cabo Rojo. 

Por último, el reciclaje como tercera opción para reducir la producción de plásticos, es algo que promueve la organización a través de infografías informativas en las redes sociales.  Actualmente en Puerto Rico solo se recicla el plástico tipo 1 y tipo 2, minimizando las posibilidades de desviar esos desechos de los vertederos. No obstante, Pérez Pacheco opina que las comunidades están tomando otras medidas sustentables cada día más y pueden tener un impacto positivo. 

“A lo mejor las personas quieren llevar sus productos reusables pero creo que muchos aún tienen vergüenza. No debían tener vergüenza. Deberían pensar que son un ejemplo y que quieren demostrar que son el cambio”, concluyó.

La Fundación Wepa acepta tapas plásticas de todos tamaños, colores y tipo de plástico para crear sus murales de arte. Para más información visite sus redes sociales como @fundacion.wepa en Instagram y @fundacionwepa en Facebook. También puede escribir un correo electrónico a fundacionwepa@gmail.com 

 

Interiores revestidos por la escencia del bosque

I ROVERI, la nueva colección de Serenissima, se inspiró en la madera de roble albar, comúnmente utilizada en arquitectura y diseño. El gres porcelánico crea una superficie de efecto madera natural caracterizada por una extraordinaria abundancia de detalles visuales y táctiles.

El nombre plural, I ROVERI, deriva de las cuatro variaciones de color de la textura que reflejan los tonos que adquiere la madera de roble como resultado de los diferentes tratamientos y el proceso de envejecimiento.

I Roveri Intenso – Imagen Suministrada

Rovere Intenso es el color con los tonos más cálidos, marcado por gráficos distintivos con llamativos nudos, agujeros y grietas que crean un agradable efecto de contraste. La superficie de aspecto envejecido recupera el característico efecto de suelo de roble albar. Con los años, el color de esta madera se aclara de forma natural, por lo que Rovere Antico añade este color específico a la colección. El grano suave enfatiza la presencia de partes más oscuras que se asemejan a las llamas y el tono gris particular que realza el aspecto antiguo.

I Roveri Antico – Imagen Suministrada

Rovere Naturale es el color más claro de la colección, inspirado en la madera de roble albar natural. Es una combinación perfecta de reflejos de colores brillantes y tonos neutros que resalta los gráficos intrínsecamente refinados y versátiles.

I Roveri Naturale – Imagen Suministrada

El color más oscuro del proyecto es Rovere Decapé, inspirado en el efecto de la técnica del acabado decapado sobre la madera. Esto produce un tono avellana fuerte y contemporáneo que resalta el grano blanco.

I Roveri Decapé – Imagen Suministrada

La colección I ROVERI de Serenissima crea un proyecto amplio y práctico, adecuado para cumplir con los requisitos técnicos de la arquitectura contemporánea gracias a la disponibilidad de superficies interiores y exteriores. I ROVERI combina las formas clásicas de los tablones, que permiten los típicos patrones de colocación de los suelos de madera, con Decoro Cassettone (decoración con motivos artesonados), un precioso elemento de diseño de interiores inspirado en auténticos cofres hechos a mano.

Los recubrimientos por la marca Serenissima son distribuidos en Puerto Rico por The Marble Shop y The Tile Shop 

Mármol expresa ligereza en nuevo Mobiliario por Lithos Design

La experimentación, la funcionalidad y la sostenibilidad juegan un papel fundamental en el concepto de la colección Lithos Design que se presentó al mundo de diseño en Salone del Mobile.Milano 2022. Volúmenes esenciales, diseño funcional, optimización de materiales, expresividad de piedra transmitida a través del concepto de ligereza, esto es lo que caracteriza a la tres nuevas series de mesas diseñadas por Raffaello Galiotto: Origo, Gessato y Filo.

Lithos Design, Fillo Table

Todos los elementos comparten la misma visión de diseño, pero se distinguen por diferentes técnicas de procesamiento de tapas de mármol: efecto natural para Origo, trabajo de incrustaciones para Gessato y Fillo.

Lithos Design, Gessato Table

Concreto y esencial, el diseño de los diferentes modelos en el comedor y versiones de mesas de café con múltiples tamaños, perfila el alma del proyecto: un sistema fácilmente transportable y colocable, diseñado para satisfacer las necesidades de arquitectos e interioristas en los proyectos de residencias privadas, lugares de trabajo o mobiliario contract para hostelería y restauración.

Lithos Design, Origo table

Las piezas de recubrimientos por Lithos Design son distribuidas en Puerto Rico por The Marble Shop.

Más que moda, una fusión artística que fomenta la conservación ambiental

Joseph Da'Ponte - Imagen Suministrada

En honor al arte, el diseñador Joseph Da’Ponte logró integrar la historia, la museología  y el diseño sostenible en su más reciente colección de moda. 

“Yo siempre he dicho que si la moda sirve para educar, yo voy a estar ahí presente”, así lo expresó Da’Ponte en entrevista con 90 Grados, al indagar sobre la selección de materiales para su colección de otoño/invierno, In Honor of Art. La muestra, que se presentó el pasado 2 de julio en el Capitolio de Puerto Rico , consta de obras de arte sublimadas en textiles creados con plástico reciclado. 

Historia del arte a través de la moda

El diseñador y presidente del Concilio de la Historia de la Moda, estuvo siete años sin producir nuevas piezas, tiempo que dedicó a estudiar historia del arte y museología. “A pesar de que tuve una pausa en la moda, fue un crecimiento en el arte y fue lo que desarrollé para hacer la colección”, dijo al respecto.  Durante su hiato tuvo la oportunidad de trabajar en 12 exhibiciones y dar cursos, entre ellos uno de historia avanzada que influenció la nueva colección.

“El reto principal fue encajar la diversidad de arte en una misma colección”, expresó Da’Ponte.  Movimientos y estilos  artísticos como el impresionismo, romanticismo y el arte griego, por ejemplo, están presentes en las piezas.

Sin embargo, logró crear unicidad con el uso de materiales repetitivos como los zippers, la presencia del estilo urbano con chaquetas y piezas oversized y los cortes similares. “A pesar de que había una variedad, los patrones y los cortes era lo que ataba todo el show”, dijo. 

Entre algunas de las obras plasmadas se encuentra La Piedad y la Capilla Sixtina, de Miguel Angel; La Última Cena y La Mona Lisa de Leonardo da Vinci; Noche Estrellada de Vincent van Gogh, por mencionar algunas. Tampoco dejó de exponer el arte puertorriqueño, pues pintores como José Campeche, Francisco Oller, Lorenzo Homar, Arnaldo Roche, Antonio Martorell y Ramón Frade estuvieron presentes. 

Diseño sostenible

Además de fungir como un medio educativo para el arte, la colección sirvió para visibilizar las posibilidades de crear moda consciente con el ambiente. 

“Si tenemos que orientarnos sobre los efectos de la contaminación y podemos, además, orientar sobre la contaminación de la moda y seguir ese ciclo de crear piezas con lo que ya tenemos, voy a estar presente en eso”, dijo Da’Ponte. 

Como diseñador, está consciente de los efectos negativos que puede tener la industria en el medio ambiente. Para mitigar los efectos de la moda rápida o Fast Fashion, decidió unirse con la compañía de sublimación de textiles EmProm, quienes cuentan con una variedad de telas, entre ellas 15 hechas con material reciclado.

“En este campo de textil, en el que estoy ahora, muchas de las marcas que están trabajando están buscando cultivar esa parte de proteger el ambiente. Para mi fue bien impactante cuando comencé aquí porque muchas personas vienen buscando telas eco amigables.”, explicó Mariana Vázquez, gerente de la empresa puertorriqueña. 

Polímero luego del proceso de trituración convertido en gránulos

Según detalló en entrevista, las telas contienen entre 8 a 12 botellas de plástico aproximadamente. Las botellas pasan por el proceso de trituración, luego se convierten en gránulos de polímero y finalmente en textil.

Textil con material reciclado – Imagen Suministrada

Vea el proceso aquí.

Es un mercado emergente y a la vez  las nuevas generaciones están buscando implementar el mensaje de reciclar y proteger el planeta para el beneficio de las futuras generaciones. Por lo tanto, para nosotros es súper importante tenerlas disponibles en nuestro inventario”, añadió Vázquez.  

Tras presentar las piezas en el espectáculo de moda, el equipo espera que “sea un gran paso para fomentar el manejo del reciclaje en Puerto Rico y el reciclaje en el área del textil”, concluyó Da’Ponte.

Transforman terraza de museo en un espacio comunitario programable

Con el propósito de servir como un espacio programable abierto para la comunidad de Chapel Hill y el Museo de Arte Ackland, The Urban Conga creó pARC ubicado en la Universidad de Carolina del Norte. El estudio diseñó la intervención espacial a través de una serie de talleres de diseño participativos con partes interesadas de la comunidad y representantes del museo.

El color magenta actúa como un trozo de cinta que crece desde el suelo y guía a las personas hacia la terraza y el museo. – Foto por Tom Waldenberg

The Urban Conga es un estudio de diseño multidisciplinario galardonado internacionalmente con sede en Brooklyn, Nueva York, que comprende un grupo diverso de creativos enfocados en estimular la actividad social y la interacción comunitaria a través del juego abierto.

Conoce sobre otros proyectos por de Urban Conga en: Arte interactivo inicia conversación sobre el aumento del nivel del mar
Un grupo de estudiantes utiliza el espacio como un lugar para pasar el rato y almorzar. – Foto por Tom Waldenberg

Los comentarios, las aportaciones de la comunidad y los representantes del museo condujeron al diseño final del espacio, así como a las aportaciones sobre la futura programación pública. El Museo de Arte Ackland es un museo gratuito en Chapel Hill que alberga un excedente de programación diversa dentro de sus puertas, pero parecía que muchos miembros de la comunidad desconocían el museo y lo que tenía para ofrecer.

Una actuación espontánea de sombras se lleva a cabo en la terraza por miembros de la conferencia de Jane Austen. – Foto por Tom Waldenberg

pARC fue diseñado para sentarse en la terraza abierta del museo, sirviendo como un puente para conectarlo a la calle como una extensión programable de las conversaciones, eventos, enseñanzas y otra programación que existe actualmente dentro de las puertas de Ackland. El diseño muestra cómo el juego puede utilizarse como una herramienta en la democratización de las instituciones artísticas, eliminando efectivamente el arte del pedestal para permitir que las personas se apropien del trabajo y el espacio. Invita a la gente de la calle al museo, atrayendo a personas que antes se sentían incómodas al ingresar al espacio. La instalación se convierte en una plataforma comunal transformadora, que permite a todos los usuarios interactuar con el museo, la universidad y entre ellos de nuevas maneras.

El Museo de Arte de Ackland alberga una serie de lecturas de libros en el espacio como un componente de la programación inicial dentro del espacio. – Foto por Tom Waldenberg

pARC se convierte en un hito transformador para todo tipo de juegos, desde los físicos hasta los de fantasía, y destaca cómo se puede utilizar el juego como una herramienta fundamental para evocar espacios comunitarios más inclusivos y equitativos.

Conoce más sobre la instalación en ackland.org 

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