Kasthall y Acne Studios: colaboración que resulta en obras de arte

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Una estrecha y creativa colaboración entre Acne Studios y Kasthall resultó en alfombras empechadas a mano en patrones innovadores en distintos tonos de azul diseñadas por el diseñador británico Max Lamb.

A través de los años, Kasthal ha desarrollado productos a la medida para algunas de las casas de moda más prestigiosas del mundo: Chanel, Dior, Yves Saint Laurent, etc. Cuando Acne Studios decide abrir su tienda en la Avenida Madison de Nueva York, el diseñador británico Max Lamb estuvo a cargo de diseñar las alfombras. Las mismas fueron empechadas en el estudio de diseño de Kasthall, creando en un número de piezas innovadoras del arte del textil en distintos tonos de azul.

Foto suministrada

La colaboración comenzó en 2016 cuando Max Lamb y el equipo de Acne Studios visitaron el estudio de diseño y atelier de Kasthall en Kinna para un taller, en donde Kasthall presentó distintos tipos de hilos y técnicas. Los cambios de color en las alfombras fue creado usando una técnica de color en las alfombras. Las alfombras fueron tejidas a mano en el estudio.

“Para mí es importante elevar el diseño de la tienda, ya que abrir una tienda en la Avenida Madison es un logro para Acne Studios. Así que escogí el dorado, el cual necesitaba un elemento suave y así llegó Kastall al proyecto. Fue un proceso placentero y ambas compañías comparten su herencia sueca. Y las alfombras se ven cool“, dice Jony Johansson, director creativo de Acne Studios.

www.kasthall.com

Foto suministrada

Confetti: una prótesis 80% más económica y 100% más atractiva

Furf Design Studio de Brasil creó una cubierta para prótesis colorida y extremadamente económica.

Confetti es el nombre de una cubierta para prótesis de piernas adaptable, colorida y producida en masa. Mauricio Noronha y Rodrigo Brenner, son dos diseñadores jóvenes de Curitiba Brasil comprometidos con el buen diseño y la responsabilidad social. Su trabajo en Furf Design Studio ha sido destacado por su «especial habilidad para imbuir un objeto con poesía y romance», según la curadora del Milan Design Week, Paola Noe. Para Confetti, querían crear un producto funcional y emocional que le subiera el autoestima al amputado en su proceso de rehabilitación y que fuera altamente accesible.

Confetti fue galardonado con el Red Dot Product Design Award: Best of the Best.

Un producto extremadamente costoefectivo puede transformar la forma en que la sociedad ve a las personas con impedimentos.



Las propuestas existentes imitan la piel, son estéticamente aburridas, compromete el movimiento de la prótesis y, a veces, es muy costoso para producir en masa.

Confetti es fabricado por IDETHNOS en poliuretano, lo que hace que sea económico, adaptable y duradero.

Foto: Furf Design Studio

El diseño de Confetti le sirve a casi todos. Infinitos estudios anatómicos resultaron en una forma definida que se adapta a casi todos los usuarios.

Foto: Furf Design Studio

Se puede cortar fácilmente para ajustarlo a la estatura del usuario y le sirve a la gran mayoría de combinaciones de prótesis de rodillas y pies.

Los agujeros pueden usarse para personalizar la prótesis, que está disponible en varios colores para fomentar la autoexpresión del usuario.

Foto: Furf Design Studio

Confetti cuesta 80% menos comparado con las prótesis promedio existentes.

Este proyecto democratiza el costo y la autoestima de los amputados. Cientos de ellos han compartido sus fotos en los medios sociales usando Confetti.

www.furf.com.br/en

Una lluvia de estrellas en Meteor Cinema

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El Meteor Cinema, localizado en un centro comercial en Guangzhou, rinde tributo a los cineastas, quienes pasan largos meses o años para crear una película que puede disfrutarse en un corto periodo de tiempo. Para capturar este concepto, los diseñadores de One Plus Partnership Limited construyeron escenas inspiradas en una lluvia de estrellas en distintos estilos alrededor de todo el cine.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud

En el vestíbulo, decoraciones largas y rectangulares se extienden del techo, imitando el movimiento de una lluvia de meteoros. Para resaltar la vibrante atmósfera tridimensional, Los cuboides rectangulares apuntan en dos direcciones. Los diseñadores ajustaron una y otra vez el largo y la dirección de estos cuboides en el diseño y en la construcción para asegurarse de que cada pieza estuviera expuesta en el ángulo correcto para el mejor efecto. Para crear un sentido de movimiento, los bordes de los cuboides están ligeramente sesgado.

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

Se seleccionó una paleta de colores de tonos tierra para crear elegancia. En lugar de usar madera, lo cual conflige con regulaciones de fuego, se utilizó aluminio para crear el efecto del techo. Estas planchas de aluminio están cubiertas con patrones de madera en dos tonos de marrón.

 

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

Además de la instalación del techo, otras decoraciones en el cinema, como los letreros y las losas en la pared, son lineales y oblicuos para continuar el efecto en el techo. Los letreros en acero inoxidable que muestran los números del auditorio parecen volar sobre la audiencia.

Foto por:  Jonathan Leijonhufvud

La lluvia de meteoros se transforma en piedras rectangulares planas en el pasillo que parecen crecer del suelo.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud

El concepto de la lluvia de meteoros continúa alrededor del auditorio. Para sorprender a la audiencia, cada sala tiene una versión distinta de la lluvia de meteoros, como por ejemplo, el uso de distintas decoraciones en la pared, los asientos se remplazan por camas para que los visitantes puedan acostarse y disfrutar de la lluvia de estrellas antes de que la película comience.

Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud
Foto por: Jonathan Leijonhufvud

www.onepluspartnership.com

Poncili Creación mantiene vivo el niño interior

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Pablo del Hierro me recibió con un peluche en la mano. Adentro tenía su celular. «Este es Telefonito» y nos presentó. Me condujo por un laberinto de pasillos, salones enormes, escaleras, techos bajos y espacios escondidos en su taller en la Calle Cerra en Santurce, Puerto Rico. En un área guardan material rescatado para crear sus obras y en otra área pequeña crean sus fantásticas criaturas y personajes que ahora cuelgan de la pared, pero otras veces cobran vida en sus puestas en escena. Los hermanos Pablo y Efraín del Hierro de Poncili Creación nunca dejaron morir a su niño interior. Ahora lo dejan vivir, crear y expresarse con más fuerza que nunca contando historias de la vida, la muerte, la alegría, la tristeza y toda experiencia humana imaginable.

Nos sentamos Pablo, Telefonito y yo en el rincón de trabajo para conversar. Miro al peluche aún sin pintar muerta de la risa y le inquiero.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación
Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

Explícame. 

Este es Telefonito. Es el cover de mi celular. Lo proteje, pero también puede tomar fotos y grabar videos de aquellas personas con las que interactúa. ¿Ves? Por aquí, por el ojo está el lente de la cámara. Tiene su propia cuenta de Instagram, @telefonito12, y ahí documenta todo lo que ve. Es un conversation piece. Yo ando con él por ahí y hablo con la gente: niños, adultos, con quien sea. Lo aprieto, lo muevo y hace expresiones. Me gustaría reproducirlo y que la gente tenga sus Telefonitos por ahí con su propia cuenta de Instagram documentando su vida.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Es la primera vez que haces algo así?

No. Todo comenzó con un sombrero. Hicimos una cámara-sombrero y nos íbamos por las calles de Nueva York a “grabar” todo lo que veíamos. La gente pensaba que estábamos locos, pero no nos importa.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Cómo inició esta inquietud de ustedes por el performance y crear criaturas fantásticas?

Nuestros padres eran bailarines en Nueva York. Así que crecimos en el ambiente del teatro, la danza y el performance. Nos llevaban mucho a obras y conciertos. Crecimos viendo a Deborah Hunt y todo tipo de artes escénicas. Nos gusta esta idea de DIY (Do it yourself) sobre hacer tú mismo todas tus propias cosas: hacer el booking, hacer las obras, y eso viene con lo de ser un puppeteer (titiritero). Tú eres el director, tú eres el escultor, tú eres el coreógrafo, eres la persona que hace el diálogo y quien interpreta todas esas cosas en escena.

Poncili Creación. Foto: Walter Wlodarczyk

Veo que usan mucho material rescatado.

Sí. Usamos mucho el foam (planchas de espuma) y lo esculpimos. Es liviano, portátil, flexible, se puede mover, lo que transforma y da vida a los personajes. Luego lo pintamos. A veces terminamos de usar uno y usamos las piezas para armar otro. No duran para siempre.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿Y qué historias les gusta contar?

Nosotros nos basamos en crear experiencias trascendentales que hablen sobre la vida, la muerte, lo cómico, lo serio. Interactuar con el público y que ellos jueguen también. No se puede tomar la vida tan en serio. Hay que llorar y hay que reír. A veces la gente no nos entiende. ¿Qué es Poncili? Poncili es arte, es escultura, es performance, es muchas cosas.

Poncili Creación en Miami Art Basel. Foto: Walter Wlodarczyk

¿En dónde se presentan?

Pues, mira, nosotros empezamos con nuestras novias de aquel tiempo. Nos íbamos por ahí y empezaron a invitarnos a festivales, escuelas, actividades… Luego hicimos un tour por Estados Unidos y nos fue muy bien. “Wow! ¿Podemos vivir de esto?” Y sí, sí se puede. Llegamos hasta Art Basel de Miami. Ya llevamos cinco años.

Exhibición de Poncili Creación en Roberto Paradise en Estados Unidos y Puerto Rico, 2012. Foto: www.robertoparadise.com

¿Qué quieren explorar que aún no han hecho?

Nos gustaría hacer videos. Hemos explorado un poco con la idea y tenemos unos videos cortos en YouTube e Instagram. Las grabamos en el baño, que es todo blanco. En Pedazo a pedazo exploramos el stop motion para ver cómo quedaba la cosa. Hicimos Deja la paja como un statement político. Pero el video sería un buen medio para difundir nuestro trabajo porque no todo el mundo puede estar presente en un performance. Eso nos abriría un campo enorme por descubrir y experimentar.

Instagram: @telefonito12. Poncili Creación

www.instagram.com/poncilicreacion

www.facebook.com/Poncili500

 

Cómo diseñar el silencio según Elizabeth Lerich, escenógrafa de Maison & Objet Paris

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La escenógrafa del Espacio de Inspiraciones de Maison & Objet Paris 2017 nos habla sobre cómo diseñó Silence (Silencio), el tema de la expo de este año.

En París el silencio es el rey. Elizabeth Lerich diseñó el escenario para el Inspirations Space en el Salón 7 del Foro Inspiraciones en el Maison & Objet Paris 2017. En este lugar se presenta el libro Silence (Silencio), el tema de este año de la más prestigiosa expo del hogar y los objetos en Europa. Marie-Jo Malait, Jefa de Redacción del libro Silence, asevera: «Un refugio del rugiente choque de palabras e imágenes, el silencio disminuye el impacto de la era alocada, ocupada y ruidosa. El hogar es donde encontramos la tranquilidad que anhelamos, donde saciamos nuestra creciente sed de serenidad. El estilo de vida y las tendencias se dirigen hacia el tratamiento del silencio.» Con esta premisa, encontramos muebles y objetos de líneas minimalistas, limpias y prístinas, libres de ornamentos innecesarios, que inducen a la paz y la tranquilidad en el hogar. Mailait le hace cinco preguntas a Leriche sobre cómo diseñar el silencio.

Libro “Silence” sobre el tema de Maison & Objet Paris 2017, el silencio.

¿Cómo Silence llegó a ser el tema de esta temporada?

Este nuevo tema puede venir como una sorpresa: está más relacionado a los retos sociales que otros temas que el Observatorio Maison & Objet usualmente selecciona para explorar. Pero rápido se convirtió en una elección obvia. En una sociedad en donde el impacto de las imágenes y las conexiones son cada vez más abrumadores, hay una necesidad indiscutible de romper con todo eso. No obstante, no es fácil materializarlo. Esta tendencia ya estaba latente, como se evidencia en el alza de materiales más livianos y el minimalismo que hemos notado por las pasadas temporadas. Estas tendencias eran las señales iniciales que proclamaron esta necesidad vital por la simplicidad y el resurgimiento de valores fundamentales, que ahora constituyen el verdadero lujo de nuestra paradójica era. Para delinear los contenidos del tema, investigamos esta necesidad: Los europeos dicen que cada vez buscan más el silencio.

Secret Collection para Blanche Service de Jules Julien Manufacture. por Francis Amiand. Cortesía de Maison & Objet

En los inicios de nuestra investigación, leímos muchos libros sobre este tema, incluyendo, por ejemplo, el maravilloso Histoire du Silence (Historia del Silencio) de Alain Corbin. «El silencio no es meramente la ausencia del ruido», escribe. «Hoy en día es una noción olvidada. Nuestras marcas auditivas han sido distorsionadas, disminuidas, ya no son sagradas (…). La intimidad de un lugar — un dormitorio y los objetos que lo habitan, o un hogar — solían ser definidos por el silencio que prevalecía ahí.» ¡Es hora de perderle el miedo al silencio!

Moon, un proyecto por Oscar Lhermitte y Kudu. Foto: Sidekick Creatives. Cortesía de Maison & Objet

¿Qué escogiste exponer para ilustrar el tema de Silence?

En un dormitorio, los visitantes verán una pintura de Georges de La Tour. Verán el vídeo claroscuro de una vela centelleante en la oscuridad en un iPad por el diseñador coreano Heewon Kim. Este ejemplo combina consideraciones históricas y digitales. La noche pide silencio. Pero el silencio no debe provocar el miedo, nunca debe ser visto como una fuente de ansiedad. Al contrario, los visitantes encontrarán confort en la contemplación silenciosa de objetos arquetípicos, lisos y simples tallados en mármol blanco: una manera perfecta de relajarse, de desprenderse de las congojas del diario vivir. No obstante, nuestra intención aquí no es tocar la alarma; el mensaje es uno muy positivo. El silencio y el balance son producto de las soluciones que concebimos para nosotros mismos. El silencio es crucial, por la meditación que permite, la perspectiva que obtenemos. El tiempo que tomamos para nosotros mismos es el secreto para nuestro propio balance. Es el estado donde dos fuerzas, a veces contradictorias, se cancelan entre sí y alcanzamos un punto de armonía que todos anhelamos, donde estamos en paz con nosotros mismos.

Meditation Stool por Michael Anastassiades. Cortesía de Maison & Objet

Redescubrirse a sí mismo mientras se contempla la belleza es una experiencia reconfortante. La instalación es una oda al bienestar, un lugar de paz y serenidad, un viaje relajante a la felicidad que nos trae el balance y la conciencia de sí mismo nos traen. Un paraíso develado por el silencio.

Modern Human Tools por Elementary dKotaro Kanai. Cortesía de Maison & Objet

¿Podrías elaborar sobre el itinerario que imaginaste para ilustrar el tema dentro del Espacio de Inspiraciones?
Para nosotros fue obvio que el comienzo de nuestra historia tenía que darse en una habitación que ejemplificara esta sensación de estar saturado con imágenes. Al entrar a un salón cubierto con vídeos y pantallas de televisión, los visitantes se confrontan inmediatamente con el formidable choque de sonido antes de moverse y estar inmersos en silencio y descubrir cuán valioso es. Así que, al principio, estamos rodeados por sonidos de todos los rincones del mundo, el clamor de los cláxones, una explosión de objetos que colisionan con un ruido estruendoso. Un mosaico caótico representa la vida a la que estamos sujetos día a día; una existencia casi insoportable.

«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

Luego, los visitantes salen por un pasillo y escapan a otro salón. Ante sus ojos, la palabra silencio se despliega a lo largo del muro. Para añadir al elemento de humor y anclar la instalación en la realidad, hay tapones para los oídos disponibles. Traumas, una instalación por el artista plástico Dominique Blais, explora una condición médica: tinnitus, un zumbido desagradable en uno o ambos oídos, una patología que se manifiesta en el silencio. Una sucesión de salones y recesos ayuda a los visitantes a alcanzar un estado en donde pueden fantasear, hacer introspección y sentir el lujo del silencio, en donde encuentran una oportunidad para escucharse a sí mismos.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

El itinerario termina en la biblioteca — el ejemplo perfecto de un lugar silencioso — lleno de libros blancos, cada uno con un objeto blanco entre sus páginas, todos hechos a mano por maestros ceramistas.

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Celebras el silencio. ¿Tiene el silencio su propio lenguaje?

El silencio formal se puede manifestar de distintas maneras. En un salón cubierto con poliestireno acústico, los visitantes pueden descubrir un vídeo por la artista Cécile Le Talec. Muestra un pianista mudo tocando una pieza musical en perfecto silencio. La historia se cuenta a través del movimiento, con la cámara enfocada en la expresividad de las manos, que hablan de su propio lenguaje silente. Los visitantes se mueven a otro salón en donde pueden ponerse audífonos y escuchar a sonidos que ya no estamos acostumbrados a escuchar. El silencio además expresa la idea de la serenidad. Un vídeo por el artista danés Grethe Sørensen (Maria Wettergren Gallery) nos adentra a un mundo interior. La noción del tiempo y nuestra percepción de lentitud son cuestionadas por un librero hecho de cristal colorido transparente — Deep Sea por Nendo para Glas Italia — que consiste en estantes de cristal creando una gradación de azules. Los visitantes también encuentran objetos misteriosos, como la selección de vasos de cristal soplado.

Deep Sea por Nendo para Glas Italia. Cortesía de Maison & Objet

El lugar completo es una invitación a pausar y observar la escenografía y permitirse sentir el paso del tiempo. Alrededor del espacio central, ocho recovecos, cada uno alojando una pieza, le da a los visitantes la oportunidad de estar cerca de los objetos en exhibición. El artista Matteo Gonet es un mago: encontró la forma de atrapar nubes. Una jarra de luna tradicional coreana, diseñada solo para el placer de contemplación, emite perfección. Otro recoveco muestra utensilios de madera que se usan en la tradicional ceremonia del té en Japón. En otro, un halo borroso evoca la idea de desaparecerse, nieve y hielo. Las sensaciones traídas por el silencio son fuertes y profundas; encuentran sus raíces en lo más profundo del ser. Son simplemente el portal a la serenidad y la felicidad.

De este viaje a través de la tierra del silencio, ¿qué objetos debemos tener en mente para mejorar nuestras vidas?El pabellón Nascondino por el diseñador Pierre-Emmanuel Vandeputte, una estructura de madera de color claro con un taburete, donde los usuarios se sientan envueltos en una cobija fieltro. Es una solución maravillosa para encontrar algo de privacidad dentro de tu propio hogar o alrededor de otros. Lo mismo sucede con las piezas Alain Gilles creadas para Buzzispace.

Nascondino por Pierre Emmanuel Vandeputte. Foto: Miko Miko Studio. Cortesía de Maison & Objet
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris
«Silence» por Govin Sorel. Cortesía de Maison & Objet Paris

 

«Silence» por Fillioux&Fillioux. Cortesía de Maison & Objet Paris

Hay una abundancia de soluciones de aislamiento disponible actualmente, la mayoría hechos de materiales compuestos, para mayor versatilidad.

www.maison-objet.com

BMW Projection Mapping: Donde se unen el arte, la ciencia y la tecnología de innovación

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El BMW Serie 7 es la última incorporación física de la marca BMW en términos de su artesanía de precisión, innovación tecnológica y diseño visionario. Holition es una agencia de tecnología creativa impulsada a reinventar el futuro a través del lente de antropología digital. BMW colaboró con Holition para explorar maneras en que una instalación experiencial podría comunicar la mezcla única de arte y ciencia ejemplificado por la Serie 7.

La humanización de la tecnología es un valor fundamental de Holition y también se convirtió en el
objetivo clave de este proyecto a través de la cartografía de proyección a medida y la aplicación de rastreo de rostro que surgió.

Lanzado el pasado 9 de noviembre dentro del epicentro de la marca BMW, BMW Welt en Munich, los visitantes quedaron hipnotizados por una proyección de 27 segundos di una instalación de mapping que cuenta maravillosamente la historia del proceso creativo de la Serie 7. Holition creó y programó una innovadora secuencia visual que ilustra su intrincada evolución desde el inicio del diseño hasta la fabricación. Lleva a los visitantes a un viaje educativo mostrando el arte humano involucrado en la creación de los planos técnicos y los moldes de arcilla hasta el trabajo de maquinaria envuelto en la ingeniería y construcción de este lujoso y avanzado automóvil.

Cortesía de BMW Group

No conformes con solo diseñar una fuerte declaración creativa, Holition quiso entrar en nuevos territorios con esta colaboración y cuando les dijeron que nadie en el mundo había proyectado con éxito sobre un automóvil de día, aceptaron el reto. Esto es significativo, ya que tradicionalmente la cartografía de proyección (projection mapping) se realiza en un ambiente oscuro, lo que limita dónde la proyección puede mostrarse. El equipo creativo y de desarrollo de Holition trabajó incansablemente para probar la proyección para que en su encarnación final el visitante esté atraído y asombrado cuando comienza la secuencia visual a aparecer sobre el exterior del auto. La proyección da vida efectivamente al carro.

Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group

La segunda parte de la instalación creativa constó de la personalización de la tecnología de rastreo de rostro por Holition para diseñar una experiencia interactiva de augmented reality. El equipo creativo se inspiró en los elementos futurísticos de los materiales y las curvas naturales del BMW 7 Series y eso es lo que aparece en la cara del visitante, resultando en una imagen híbrida humana intrigante que es tanto juguetona como memorable.

Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group
Cortesía de BMW Group

www.bmwgroup.com

Spiral Stool pone a prueba la fuerza del cartón

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El estudio de diseño de Taipei, MisoSoupDesign, compuesto por Daisuke Nagatomo y Minnie Jan, reimaginaron un sistema estructural hecho completamente de planchas de cartón reciclable que se pueden ensamblar sin pegamento ni herramientas. El Spiral Stool fue premiado con el Premio Platino de A’Design Award en la categoría de Diseño de Muebles, Artículos Decorativos y Electrodomésticos.

El Spiral Stool se desarrolló con la idea de crear un módulo estructural que pudiera sostener unos 100 kg (220 lbs) de peso y que se use como asiento usando solamente cartón. Con detalles refinados y piezas fabricadas con precisión, el taburete se puede ensamblar sin pegamento ni herramientas en unos quince minutos. El mismo es una estructura de cartón doblada. Los cuadrados rotados arriba y abajo crean una elevación fractal única que reflejan la luz en distintos ángulos. El taburete puede también usarse como unidades modulares y configurarse como una mesa de centro.

Foto: Daisuke Nagatomo

El Spiral Stool se diseñó en 2014 para instalarlo en el Pabellón de Cartón, también diseñado por MisoSoupDesign. Luego de varios desarrollos de diseño y pruebas al sistema estructural, se exhibió en el Taipei Creative Expo en mayo de 2015.

El taburete es parte de una investigación del sistema estructural de cartón que se crea con las propiedades del material y la fricción de la superficie. Debido a que el cartón es altamente reciclable, los muebles o estructuras independientes pueden disminuir el impacto ambiental. El objetivo de la investigación es probar y desarrollar más aplicaciones para el cartón, así como crear diseños interesantes y únicos.

Foto: Daisuke Nagatomo
El Spiral Stool puede sostener unos 100 kg (220 lbs) de peso. Foto: Daisuke Nagatomo

Como el sistema estructural no usa pegamentos ni clavos ni tornillos ni herramientas, el aspecto más retante de diseñar el Spiral Stool es la precisión en las dimensiones y la fabricación. Se crearon algunos prototipos para poner a prueba las juntas y analizar la tolerancia del cartón. Las estructuras se debilitaban cuando el espacio entre juntas excedía un milímetro. Poco a poco se hicieron cambios en las dimensiones y el diseño hasta alcanzar el resultado perfecto

Foto: Daisuke Nagatomo
El Spiral Stool puede también usarse como unidades modulares y configurarse como una mesa de centro. Foto: Daisuke Nagatomo

 

www.misosoupdesign.com

El artista Sebastián Vallejo muestra ocho años de su carrera en “Paramnesia”

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) y su Programa de Artes Plásticas inauguraron la exhibición individual del artista puertorriqueño Sebastián Vallejo, Paramnesia.

Sebastián Vallejo. light ballast, 2010, oleo, acrilico, aerosol, pigmento tranferido, plastico, plastico,brillantina sobre lienzo lienco, 20 x24
Sebastián Vallejo. light ballast, 2010, oleo, acrilico, aerosol, pigmento tranferido, plastico, plastico,brillantina sobre lienzo lienco, 20 x24

Paramnesia reseña la prolífica y joven carrera de Vallejo, quien se ha destacado por sus nuevos acercamientos a la pintura abstracta, incorporando la fotografía y materiales diversos al ejercicio de la pintura. Las obras a presentarse en Paramnesia poseen como concepto unificador la relación entre la belleza y el caos, el desorden y lo sistemático, la ansiedad, la nostalgia y la memoria.

Paramnesia, es la primera exhibición individual de Sebastián Vallejo en un espacio institucional. La muestra abarca ocho años de su carrera, incluyendo obras pertenecientes a las series: Caribbean Beat, Methodic Chaos, Dirge & Rivulets, Lüx, Salvoconducto, Taquicardia y Malegría. Paramnesia es un trastorno mental que consiste en tener recuerdos no fidedignos y alterados. Vallejo explora esta condición de realidad e imaginación de una forma metafórica, fantástica y poética, a través de la cual nos invita a revisar su trabajo desde una paramnesia cultural, un fenómeno por el cual la percepción de las realidades tanto observadas, vividas, imaginadas o soñadas, están totalmente ligadas,” nos dice Sofía Reeser, curadora, sobre esta exhibición.

Sebastián Vallejo. Despertar en Enero II, 2013, pigmento transferido, aerosol, textiles y brillantina sobre lienzo, 50x60
Sebastián Vallejo. Despertar en Enero II, 2013, pigmento transferido, aerosol, textiles y brillantina sobre lienzo, 50×60

 

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40
Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

“Las salas del Arsenal de la Marina se han destacado en los últimos años por ofrecer un espacio importante para la exposición del talento local. Exhibiciones tales como la Muestra Nacional y la Trienal Poli/Gráfica de América Latina, el Caribe y San Juan entre otras, han hecho de las salas del ICP un lugar para la reflexión de nuestra tradición plástica y la creación contemporánea. Con Paramnesia continuamos la labor de que estas salas sean una plataforma de intercambio constante para la comunidad de artistas, estudiantes y amantes del arte y la cultura,” dijo Abdiel Segarra, director del Programa de Artes Plásticas del ICP.

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

Sebastián Vallejo. Loiěza, 2012, C-print, 30 x 40

www.zawahra-alejandro.com/#/sebastian/

 

Este bartender es un robot

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El primer sistema de bartending robótico en el mundo, Makr Shakr, debutó en el Bionic Bar a bordo del nuevo crucero “inteligente”, Anthem of the Seas de Royal Caribbean este pasado año. Este innovador sistema de mixología permite a los usuarios crear cocteles personalizados en tiempo real a través de una aplicación de teléfono inteligente. “Makr Shakr es un gran ejemplo de cómo las tecnologías robóticas están cambiando la interacción entre las personas y los productos — un tema que hemos explorado a profundidad”, dice Carlo Ratti, arquitecto, ingeniero e inventor del Massachusetts Institute of Technology (MIT) que diseñó y co-fundó el Makr Shakr. “El sistema explora las nuevas dinámicas de creación social y consumo — “diseña, crea y disfruta” — permitiendo a los usuarios diseñar sus propias bebidas mientras máquinas controladas digitalmente convierten estos diseños en realidad”.

Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi

Para usar el Makr Shakr, los usuarios acceden una simple aplicación en una tableta que les permiten crear un sinnúmero de combinaciones de bebidas alcohólicas y no-alcohólicas. Los cocteles se crean por dos brazos robóticos cuyos movimientos asemejan los de un bartender, desde agitar un martini hasta cortar un pedazo de limón. Los invitados pueden nombrar sus propias recetas, acceder su historial de órdenes y reordenar sus favoritos mientras evalúan y comentan entre sí. “Makr Shakr no pretende remplazar el barrendero con un robot, sino que se concibió como un experimento social que  observa cómo la gente puede aceptar nuevas posibilidades ofrecidas por la manufactura digital y robótica”, comenta Saverio Panata, COO de Makr Shakr.

Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi

En Makr Shakr, las conexiones sociales surgen de la co-creación y mezcla de ingredientes que luego se envían de vuelta al usuario por medio de la aplicación. Con esta tecnología, los consumidores pueden aprender de otros, compartir conexiones, recetas y fotos en las redes sociales. “La conexión digital no remplaza las interacciones físicas, sino que las refuerza”, añade Panata. Para crear una experiencia cautivadora, los movimientos de los robots fueron modelados sobre gestos del coreógrafo italiano Marco Pelle del Ballet Teatro de Nueva York. Los movimientos de Pelle fueron filmados y utilizados como guía en la programación de la animación de los robots. Makr Shakr colaboró además con Automation Company CIA, la fábrica de robots alemana Kuka, los consultores de IT Seaco2 y la compañía de construcción de instalaciones Kibox. Con los supermercados italianos COOP, Makr Shakr creó un contenedor que instala la barra robótica en cualquier lugar o evento, siendo EXPO Milán y Autodesk University 2015 en Las Vegas sus más recientes apariciones.

Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi
Makr Shakr. Foto: Nicholas Marchesi

 

www.makrshkr.com

Le Royer evoca la luz de la luna

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Larose Guyon lanza su segunda colección de luminarias, Le Royer.

Para Larose Guyon, crear una luminaria no se trata solo sobre el estilo, sino de la luz misma. La magia y calor que crea la luz y las sombras que proyecta son tan importantes como el objeto mismo en el proceso creativo. La luminaria es tan atractiva como la atmósfera que crea. Esta nueva colección consta de 7 nuevas y esculturales lámparas siguiendo el mundo de poesía, romance, elegancia y belleza que crearon sus diseñadores.

Luego de su debut en el International Contemporary Furniture Fair (ICFF) 2016 de Nueva York, Larose Guyon logró un acuerdo con CTO Lighting en Londres para distribución y representación de la marca en Europa comenzando el próxima año.

Le Royer - Large01 Foto: Larose Guyon
Le Royer – Large01
Foto: Larose Guyon

Para esta segunda colección, los diseñadores Audrée L. Larose y Félix Guyon quisieron crear un producto elegante y distintivo como las luminarias de su primera colección, La Belle Époque, pero con un lado más versátil; productos que pudieran adaptarse a una amplia gama de usos y proyectos a la medida.

Le Royer estuvo inspirada en el mismo periodo histórico que La Belle Époque — La Edad de Oro — pero en un lugar totalmente distinto, la Nueva Francia con coureurs des bois destacados como Pierre Le Royer, quien todavía es una legendaria figura del folclor francocanadiense.

Le Royer - Chandelier Foto: Larose Guyon
Le Royer – Chandelier
Foto: Larose Guyon

Mientras Caroline Otero bailaba en Folies Bergères, Pierre Le Royer seguía el juego en el desierto de su frontera natal para que la nobleza europea pudiera vestirse con las mejores pieles.

A pesar de que esta nueva colección es una declinación de la primera, sus características son tan aerodinámicas y puras como la vida en la Nueva Francia, con orgullo en la franqueza y la fuerza que aún puede verse en el estilo de vida francocanadiense. Todos los adornos han dado paso a la pureza y elegancia de una estructura desnuda, dejando ver su esencia ante los ojos de todos.

Le Royer - Large02 Photo credit: Larose Guyon
Le Royer – Large02
Foto: Larose Guyon

Hay un marcado contraste en las eras, las formas, pero también en la representación. Con Le Royer, nos transportamos a una cabaña en el bosque, un lugar en donde reina la austeridad pero contrasta con su rusticidad la elegancia y líneas rectas de esta colección. Mientras en Europa el hombre era capaz de subyugar a la naturaleza, en el otro lado del Atlántico, la gente vivía aún bajo el yugo de sus fuerzas implacables.

Estas luminarias complementan estéticamente la primera colección y glorifican el salvaje y duro Norte Verdadero con sus largas noches de invierno alumbradas por la suave luz de la luna. Su diseño emula las fases lunares, brindándoles un encanto y poesía propios.

Versatilidad

“Nuestro deseo es expandir nuestro inventario con una colección que es cada vez más personalizable y versátil”, expresan los diseñadores. Con estos 7 nuevos productos, es posible usar estas creaciones en la pared, sobre la isla de la cocina o la mesa del comedor, como un candelabro, alrededor del espejo del baño, sobre la mesa de noche, sobre la bañera o poltrona.

Le Royer - Wall Simple Foto: Larose Guyon
Le Royer – Wall Simple
Foto: Larose Guyon
Le Royer - Simple Foto: Larose Guyon
Le Royer – Simple
Foto: Larose Guyon
Le Royer - Wall Double Foto: Larose Guyon
Le Royer – Wall Double
Foto: Larose Guyon

Se pueden crear luminarias únicas al añadir o remover elementos. Los acabados disponibles estándares son negro mate o blanco y cobre satinado o brass.

www.laroseguyon.com