90 grados

Cocina Pública, una nueva propuesta gastronómica en Santurce

El espacio cultural: Pública lanza su nuevo restaurante Cocina: Pública, liderado por la chef Yashira Vélez. Cocina: Pública es una celebración de la herencia caribeña a través de colores, texturas y sabores profundos y ricos que se alcanzan con amor y dedicación.

Fotos por Jonathan Galindo


La chef Yashira Vélez trabaja sus creaciones con una perspectiva amplia de la tradición local y confecciona sus platos con matices de tendencias globales. Cocina: Pública es un espacio inclusivo que invita a disfrutar del arte de cocinar alimentos que nutren y deleitan.

Fotos por Jonathan Galindo


“Es importante tener conciencia de que el alimento forma parte de lo que somos. Para mí, cocinar es el arte de cuidarnos, gozar a través de los alimentos y de escoger los ingredientes que te nutren y te formen de adentro hacia afuera”, expresó la chef Yashira Vélez, quien cuenta con un bachillerato en Biología y una maestría en Naturopatía.

Fotos por Jonathan Galindo


Cocina: Pública es un espacio dedicado al desarrollo de nuevas propuestas gastronómicas. “Me honra poder brindar la plataforma de Cocina: Pública a nuevos talentos y que las personas que nos visiten tengan la oportunidad de experimentar nuevos sabores y disfrutar la frescura de los productos locales de forma accesible”, expresó Naíma Rodríguez directora ejecutiva del espacio cultural: Pública.

El restaurante Cocina: Pública está abierto de jueves a sábados de 6:00 pm a 11:00 pm y domingos de 11:00 am a 5:00 pm. Para más información puede comunicarse por correo electrónico a: publicaespacio@gmail.com o Instagram: @cocinapublicapr @publicaespacio

 

Instituto de Cultura Puertorriqueña recibe sus primeras dos nominaciones al Emmy

El Instituto de Cultura Puertorriqueña (ICP) celebró su primeras dos nominaciones a un premio Emmy del capítulo regional Suncoast. El especial musical Mi San Juan con Hermes Croatto, que fue transmitido el año pasado en las redes sociales del ICP y luego en televisión, fue nominado en las categorías Contenido Especial de Arte y Entretenimiento en largo formato y en la de Audio. La Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión (NATAS) hizo el anuncio oficial hoy, en el cual incluyó el especial musical, que fue parte de una transmisión virtual realizada por el ICP para celebrar los 500 años de San Juan.

Carlos Ruiz Hermes Croatto – Suministrada

“Nos llena de orgullo este reconocimiento, ya que es la primera vez que el Instituto de Cultura Puertorriqueña es nominado en los Emmy y lo hemos logrado con una gran producción realizada con un talentoso artista como Hermes Croatto, en la que se presentan los encantos de nuestra isleta y ciudad amurallada, Viejo San Juan, en sus 500 años. Cobra mayor significado al recordar que todo fue grabado, producido y estrenado el año pasado, en pleno apogeo de la pandemia, por lo que tuvimos que enfrentarnos a grandes retos con limitaciones y protocolos que requerían el momento”, expresó Carlos Ruiz, director ejecutivo del ICP.

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Mi San Juan fue producido y estrenado el año pasado, como parte de una transmisión virtual realizada por el ICP para celebrar los 500 años de San Juan. El especial, que fue grabado en las propiedades históricas del ICP en el Viejo San Juan, celebra la belleza y la historia de la ciudad amurallada junto a interpretaciones musicales de Hermes Croatto.


“Estoy sumamente emocionado con esta nominación porque este fue un trabajo cultural que se hizo con mucha pasión y que buscaba hacer un tributo a San Juan. Esta nominación más que verla como un logro personal, la veo como un logro para Puerto Rico. El logro no es solo estar nominados, es que la nominación sea con un trabajo cultural sobre nuestra historia, celebrando nuestro folclor. Agradezco al ICP por su confianza y a mi equipo de trabajo por dar el todo por poner a nuestra cultura en alto”, explicó Croatto, quien fungió como coproductor del proyecto junto a su esposa Viviana Santana para la compañía Somos PR.

El Suncoast Chapter es el capítulo regional de la Academia Nacional de Artes y Ciencias de la Televisión (NATAS) que representa a Florida; Alejandría, Baton Rouge, Lafayette, Lake Charles y Nueva Orleans, Luisiana; Mobile, Alabama; Thomasville, Georgia; y Puerto Rico. NATAS presenta el codiciado Emmy entre sectores de la industria de la televisión en varias ceremonias de premiación. Los ganadores serán anunciados el 11 de diciembre.

Regresa la Noche de Catrinas al Museo de Las Américas

El Museo de Las Américas (MLA) celebrará su tradicional, Noche de Catrinas, el jueves, 28 de octubre, de 6:00 a 9:00 p.m. , en el segundo piso del Cuartel de Ballajá en el Viejo San Juan, anunció María A. López Vilella, directora ejecutiva del Museo.


“La misión del Museo de Las Américas es ofrecer una programación educativa, viva y relevante, que enfatice en la conservación y promoción del patrimonio cultural de Puerto Rico y de Las Américas, con un firme compromiso hacia la comunidad. A tales fines nos complace presentar Noche de Catrinas 2021, ¿Y ahora qué? Esta actividad gira en torno a la celebración del Día de los Muertos que con tanta devoción y folklore se conmemora en el hermano país de México y otros países de América Latina. Los invitamos a celebrar el Día de los Muertos y que nos visiten con sus mascarillas, pa’ que no los coja la huesuda, el jueves, 28 de octubre, desde las 6:00 de la tarde”, señaló López Vilella.

Esta es la sexta edición de Noche de Catrinas en el MLA y para la misma se presentará el tradicional “Altar de Muertos” dedicado a don Ricardo Alegría Gallardo (1921-2021) en conmemoración de su centenario.

 ¿Qué es el altar de muertos? 


El “Altar de Muertos”, es una tradición milenaria de diversas culturas del mundo, que en Mesoamérica alcanzó su máxima expresión, sobre todo en México, antes de la llegada de los españoles. Actualmente se celebran, el 1 y 2 de noviembre, el Día de Todos los Santos y el de Los Fieles Difuntos, respectivamente, tradición que fue declarada Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Según la tradición, con el altar a los difuntos se honra al familiar fallecido, ya que se tiene la firme creencia que una vez al año el difunto visita su tumba o su casa para convivir con sus familiares y estos aprovechan la ocasión para agasajarlo con la comida y la bebida que en vida le gustaba.

 

En la construcción y decoración del altar se utilizan elementos propios de la región y de la temporada agrícola como cañas de maíz o de azúcar, para el arco del altar las famosas y coloridas flores de cempasúchil, frutos como la calabaza en dulce, tejocotes y jícamas; alimentos como el típico pan en forma de muerto o de hueso, las ricas calaveritas de azúcar y sin faltar el clásico mezcal, tequila o pulque, veladoras decoradas, así como el multicolor papel picado.



En esta ocasión el Museo de Las Américas inaugurará, además, la nueva propuesta de la instalación Del dolor y la rabia nace rebeldía y resistencia por la artista Elizabeth Barreto. La instalación pasará a formar parte de la exposición de carácter permanente Las Artes populares en Las Américas, la misma constituye un homenaje a la memoria de las mujeres fallecidas como consecuencia de la violencia de género en Puerto Rico.

Elizabeth Barreto nos comenta acerca de esta nueva propuesta: “La inclusión de esta obra como parte de la exhibición permanente, más que un logro en mi trayectoria artística ha significado la reflexión de cómo se ha ido desarrollando desde el 2019 tanto mi obra plástica como la lucha por erradicar la violencia de género en Puerto Rico. Mi obra ha continuado alineada a esta causa y en ese proceso de aprendizaje, que no es lineal, he tropezado, me he reconocido y he crecido. Me siento sumamente feliz de que el Museo reconozca el valor del contenido que presenta esta instalación brindándome nuevamente la oportunidad de abordar con libertad creativa, de colaborar y accionar sororidad que ha sido fundamental para realizar este proyecto que esperamos beneficie constructivamente a sus visitantes”.

La instalación cuenta con un escrito realizado por la gestora cultural Patricia Alegría quien nos expresa al respecto de la instalación: ”Cobra especial importancia el que este altar inspirado en los altares mexicanos del Día de Muertos haya encontrado su hogar permanente en la sala de Artes Populares del Museo de Las Américas, trazando así un puente de solidaridad y llamado a la lucha a través de tradiciones populares, por lo que se vive en ambos territorios con respecto a la violencia de género”.

Se invita a la comunidad en general a unirse a esta gran tradición en la cual participarán: Agua, Sol y Sereno y los jóvenes del proyecto Crear es Crecer, el grupo de baile típico mexicano Citlali y el Mariachi Son de México. También contaremos con gastronomía mexicana, artesanías, concurso de mascarillas, rifa y venta de productos alusivos a la tradición del Día de los Muertos. Las salas de exposiciones estarán abiertas al público durante la actividad, incluyendo las nuevas exposiciones temporales: Eco-poéticas 25 años de Agua, Sol y Sereno y Entretelas del maestro Antonio Martorell y sus amigos.

La actividad es libre de costo, pero se solicita un donativo discrecional por persona para contribuir con la programación educativa del Museo. Se requiere evidencia de vacunación o prueba negativa de COVID-19 realizada dentro de 72 horas previas al evento. El uso de mascarilla es obligatorio.

El evento cuenta con el patrocinio de la Compañía de Turismo de Puerto Rico, el Consulado General de México en Puerto Rico, Jarritos, Monster Energy Drink y Goya, Puerto Rico.

Naturaleza añade un valor diferencial en el área laboral

La naturaleza y el diseño biofílico ofrecen múltiples claves para crear un espacio de trabajo en armonía que fomente el bienestar y aporte valor, mejorando la inspiración y la productividad. Según el informe de investigación de Espacios Humanos sobre el Impacto Mundial del Diseño Biofílico en el Lugar de Trabajo de Interface, los niveles de productividad y creatividad aumentan un 6% y un 13%, respectivamente, en aquellos entornos que incorporan elementos naturales.

Suministrada


El confinamiento y cambio en los hábitos de vida y trabajo que ha traído consigo la Covid-19 han dejado en evidencia la influencia que los espacios cerrados, donde la población actual pasa entre un 80-90% de su tiempo, tienen sobre la salud. Desde hace años, Actiu trabaja tanto en el diseño y equipamiento de espacios de trabajo saludables a la vez que eficientes.

Conoce seis estrategias de Diseño Biofílico para el hogar en: Diseño biofílico : Trae la naturaleza a tu interior


“Nuestro Parque Tecnológico de Castalla es, desde su creación, hace más de una década, un referente en España de arquitectura sostenible y diseño biofílico, reconocido con las certificaciones LEED y WELL”, señala Soledat Berbegal, consejera y directora de reputación de marca de Actiu. “Nuestra misión -añade- es colaborar con las empresas y ofrecerles soluciones que permitan crear espacios de trabajo saludables que aseguren el bienestar físico y emocional de las personas”.

Suministrada


El diseño biofílico utiliza elementos que hacen referencia al mundo natural: conexiones con la vegetación, el agua y la vida silvestre, para aportar experiencias únicas y valor diferencial a los nuevos espacios de trabajo. Acuñada por el biólogo de Harvard, Edward O. Wilson en 1984, la “biofilia”, hace referencia a la relación que existe entre los humanos y la naturaleza. Su hipótesis se basa en el hecho de que el mundo natural fue la principal influencia en la evolución de nuestro funcionamiento cognitivo y emocional. En un mundo cada vez más urbanizado, el contacto con el entorno natural es cada vez más escaso. Según Naciones Unidas, en 2030, el 60% de la población mundial vivirá en ambientes urbanos. Aspecto que hace más necesario volver la vista hacia el diseño biofílico.


Ambientes naturales

Mediante elementos como el aire fresco, la luz natural, el agua, el confort acústico y los aromas; y conexiones visuales y físicas con el entorno natural, que incluyen plantas, jardines verticales, patios y terrazas ajardinadas, huertos, fuentes o materiales naturales y reciclados, el diseño biofílico convierte los espacios de trabajo en lugares mucho más atractivos.


Poco a poco, la naturaleza ha abandonado su papel de elemento decorativo añadido a espacios ya terminados para convertirse en una herramienta de construcción y diseño. Formas curvas en referencia al mundo natural, una iluminación que reproduce el ciclo circadiano, techos altos que ‘engañan’ espacialmente a la mente y texturas y colores que despiertan determinadas emociones son algunas herramientas con las que el diseño y la arquitectura biofílica buscan devolver a las personas su esencia más natural.

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Adaptación cultural


Con un impacto positivo probado a nivel mundial, el diseño biofílico está, además, condicionado por los factores culturales de cada área o región. Así, mientras en España, la introducción de elementos vegetales está directamente relacionada con la creatividad, el agua aumenta la productividad de los trabajadores en Brasil y, en la India, el color es prioritario. Por ello, resulta fundamental poner especial atención y analizar las diferencias culturales que condicionan la estética y el diseño de cada lugar de trabajo.

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Neuroarquitectura y diseño biofílico


Convertir los espacios de vida, ocio, educativos y de trabajo en aliados de la salud es una necesidad que la Covid-19 ha puesto de manifiesto. Antes de la pandemia, al diseñar un espacio de trabajo no era frecuente plantearse cuestiones como la importancia de la luz, la calidad del aire, la acústica, el color, la naturaleza, la morfología y la interacción con sus ocupantes.


La neuroarquitectura lleva desde los años 60 estudiando cómo los espacios construidos afectan al estado emocional y al comportamiento de las personas. El diseño biofílico forma parte fundamental de esta disciplina, como herramienta de conexión con la naturaleza. Pero no se trata sólo de incorporar colores y elementos, como el agua, la vegetación y la luz natural o siluetas y formas botánicas, sino de crear espacios que transmitan las emociones, visuales, táctiles y auditivas, propias del mundo natural; y que envíen un mensaje saludable y sostenible a sus ocupantes.

www.actiu.com

 

Llega a Puerto Rico “Beyond Van Gogh: The Immersive Experience “

Llega a Puerto Rico la popular exposición “Beyond Van Gogh: The Immersive Experience“, creada por el reconocido estudio canadiense “Normal Studios” y que por primera vez se presentará en la isla. La experiencia de inmersión inspirada en la vida y obra del pintor Vincent Van Gogh estará localizada en el Coliseito Pedrín Zorilla en Hato Rey, desde el 13 de noviembre y la venta de boletos comienza el viernes, 15 de octubre a las 10:00 a.m. a través de Ticketera.com.



Tras presentarse con gran éxito en Europa, las exhibiciones cinematográficas de Van Gogh cruzaron el océano y han sido reconocidas exitosamente en los Estados Unidos durante los últimos años. “Beyond Van Gogh: The Immersive Experience”, es una experiencia multimedia, rica y única, que utiliza tecnología de proyección de vanguardia desarrollada por algunos de los mejores diseñadores audiovisuales del mundo y que se presentó en la exitosa serie de Netflix, “Emily in Paris”.

Suministrada


Asimismo, presenta el desafío de darle una nueva vida al grandioso trabajo de Vincent Van Gogh, utilizando los propios sueños, pensamientos y palabras del artista para impulsar la experiencia como una narrativa. En la exhibición, los invitados se mueven a lo largo de paredes y proyecciones envueltas en luz y color, que se arremolinan, bailan y se reenfocan en flores, cafés y paisajes presentes en las obras del artista holandés.

Suministrada

“Estamos muy entusiasmados y orgullosos de poder presentar esta espectacular exhibición en Puerto Rico. La exhibición está conformada por obras de arte icónicas de Vincent Van Gogh que transportarán a los asistentes a un mundo tridimensional, posicionándolos dentro de las pinturas y estimulando sus sentidos para alcanzar una experiencia inolvidable,” comentó el productor Paco López en representación de la sociedad de productores creada junto a Ariel Rivas Entertainment, Primo Entertainment y Sophisticated Mind para lograr realizar el evento en la isla.

Suministrada

El recorrido de “Beyond Van Gogh: The Immersive Experience”, es una oportunidad para que los visitantes se sumerjan en más de 300 obras, incluyendo clásicos como “La noche estrellada”, “Los girasoles” y “Terraza del café por la noche”. El arte de Van Gogh cobra vida, apareciendo y desapareciendo, fluyendo a través de múltiples superficies y acaparando los sentidos con su inmenso detalle.

Suministrada

Las palabras del pintor, junto con una partitura sinfónica, hilvanan el recorrido en el que los visitantes encontrarán una nueva apreciación del impresionante trabajo de uno de los artistas más grandes y controvertidos de los últimos 250 años. A través de sus obras, podrán experimentar el sentimiento de Van Gogh, sumergiéndose en sus escritos y pensamientos más íntimos para entender las emociones y el dolor detrás de sus pinturas.

Las obras de arte clásicas se proyectan en formas 3D, ofreciendo diferentes ángulos desde donde los invitados pueden experimentar la energía, emoción y belleza del trabajo como nunca antes visto.

40 millones de personas han vivido esta experiencia inigualable en los Estados Unidos y ahora es el turno de Puerto Rico.

Familijangueo: Una guia virtual de turismo interno

A través de “Familijangueo”, la organización El Mundo de los Muñecos, continúa llevando alegría, educación y diversión por medio de entrevistas con títeres y actores alrededor de la Isla.

 

 

“Familijangueo es un programa digital que nace en la pandemia, en cápsulas o episodios de entre 8 a 10 minutos donde buscamos impulsar el turismo interno de una forma segura y divertida. Compartimos con todos nuestros espectadores las actividades que pueden hacer en familia durante nuestros recorridos por los municipios de nuestra Isla”, expresó Javier Ortiz, director ejecutivo y titiretero de El Mundo de los Muñecos.

Con más de cuarenta años de experiencia, trayectoria y gestión cultural, la organización familiar, se ha dedicado a hacer teatro con títeres para niños y adultos, construyendo una familia de marionetas con la misión de educar a niños y jóvenes a reconocer sus capacidades intelectuales y creativas, al igual que fomentar su empoderamiento.


“El programa es transmitido por las redes sociales y plataformas digitales. Queremos llevar a las personas a conocer los rincones de nuestra Isla. Muchas veces vamos a los mismos lugares porque no sabemos a dónde ir, esta iniciativa permite destacar lugares y experiencias que las personas no aún no conocen, además de proyectos extraordinarios que muchos puertorriqueños emprenden y que buscan resaltar los tesoros de nuestro propio País”, añadió Ortiz.

Aquellos interesados en realizar una aportación pueden hacerla a través de PayPal y ATHmóvil Business como elmundodelosmunecos. Además, para contratar sus servicios pueden encontrarlos en la red social de Facebook como El Mundo de Los Muñecos o comunicándose al 787-354-2191.

Cinco equipos creativos que imaginarán la ciudad de València 2050

 El proyecto “València 360”, impulsado por València Capital Mundial del Diseño 2022 en colaboración con el centro de innovación Las Naves del Ayuntamiento de Valencia y dirigido por la organización independiente Non Architecture Studio, ha desvelado los equipos seleccionados para llevar a cabo las cinco imágenes en 360 grados de distintos emplazamientos de la ciudad que reflexionan sobre la València del futuro en una visión distópica y otra utópica.


La huerta, la playa, el centro, el nuevo cauce del Túria y la Torre Miramar son los cinco emplazamientos de la ciudad sobre los que imaginar un futuro en 2050, y hacer de esta manera una reflexión sobre cómo el diseño, el arte y la arquitectura nos pueden ayudar a crear ciudades más sostenibles y de mayor bienestar. Los espacios seleccionados permiten reflexionar sobre cuestiones clave como la sostenibilidad, los recursos naturales, el turismo, el cambio climático, la gentrificación, la movilidad o la economía.

C•LAB Atelier @c.labatelier


Los valencianos Quatre Caps, C•LAB Atelier, y Rarea; el arquitecto de Zimbabwe Lloyd Martin y el joven estudio de diseño Ex Figura, formado por dos arquitectos portugueses e italianos, han sido los equipos seleccionados para desarrollar distintas imágenes de la ciudad de València en el año 2050. Tomando como referencia cinco localizaciones emblemáticas, plasmarán su idea creativa a través de una imagen virtual a 360º en la que se mostrarán las dos caras de una misma moneda: 180 grados de visión utópica y otros 180 de perspectiva distópica.

Ex Figura @Ex.Figura


Los profesionales elegidos, con una media de edad que apenas supera los 30 años y ávidos por aprender sobre innovadoras soluciones de diseño de espacios y visualización arquitectónica, han sido seleccionados por el carácter disruptivo de sus propuestas, todas ellas con el foco en València, y el potente mensaje que quieren lanzar al mundo en cada uno de los contextos: de la necesidad de un crecimiento sostenible a los peligros de una movilidad irresponsable para la vía pública, pasando por la importancia de la producción local, los efectos de la tecnología sobre el entorno construido o la preservación de la huerta.
En palabras de Xavi Calvo, director general de València Capital Mundial del Diseño 2022, “València 360º materializará de forma visualmente impactante nuestra voluntad de convertir la capitalidad y todo lo que conlleva en una oportunidad única para reflexionar sobre la València del futuro. Las nuevas generaciones de diseñadores están capacitadas para participar e incluso liderar un debate sobre las ciudades que queremos habitar en un futuro no muy lejano. València 360º, como otros tantos proyectos e iniciativas impulsadas por València Capital Mundial del Diseño, se proponen construir un discurso y generar un legado que van a ir mucho más allá de 2022.”

Lloyd Martin @lloydmartinarch


El concejal de Innovación y Gestión del Conocimiento del Ayuntamiento de València, Carlos Galiana, ha resaltado la importancia de este proyecto en el que participa Las Naves: “Queremos, desde la innovación, la creación y la reflexión, conseguir una ciudad más saludable, sostenible, compartida y emprendedora, tal y como marcan nuestra estrategia de innovación Missions València 2030. Y que gracias a esta mirada creativa veamos o imaginemos cómo podría ser la ciudad del futuro”.
València en 360º. Una mirada creativa a la ciudad del futuro.

Para cada ubicación, cada equipo seleccionado colaborará con Non Architecture Studio para crear el diseño conceptual de su visión para el tema “València 2050”. Non Architecture Studio, como comisaria, les acompañará durante todo el proceso de investigación, experimentación y diseño.

Quatre Caps @quatrecaps


Las visualizaciones a 360º, a medio camino entre representaciones artísticas, diseño y arquitectura, representarán estos escenarios futuros y los participantes recibirán una compensación económica por su participación, además de su promoción a través de los canales de comunicación de València Capital Mundial del Diseño 2022.
Para el proyecto Valencia en 360, Non Architecture ha usado un método de diseño propio al que han llamado “Gamification”, consistente en desarrollar el proyecto superando un total de 12 niveles que van aumentando en dificultad; en los cuales se pueden ir ganando “bonus points”. Una vez presentadas las imágenes, el público votará por su favorita, y sumado a las bonificaciones anteriores podremos elegir a los ganadores del juego, a quienes corresponderá un premio.

Rarea Studio @rareastudio


El fin principal de este proceso es encontrar un modo alternativo al proceso de diseño convencional, con tal de no sobrecargarse de trabajo al final del proceso creativo, asegurar la calidad y la profundidad conceptual y potenciar la motivación de los diseñadores.


Las mentes tras los ejercicios de diseño que llevarán al límite 5 ideas hasta ahora inexploradas para la València de 2050


La convocatoria “València 360” llamaba a equipos de estudiantes, profesionales, artistas… de hasta 5 personas que estuvieran interesadas en desarrollar, junto a Non Architecture, panorámicas impactantes que exploren València en 2050: gente curiosa sobre el espacio público y el futuro de la ciudad, capaz de generar imágenes que transmitan desde la excelencia, emocionada por el diseño y la arquitectura e interesada en crear conocimiento desde el diseño.

  • Quatre Caps – Es un estudio valenciano de visualización formado por arquitectos y artistas. El estudio se sustenta en tres pilares principales: la producción de visualizaciones arquitectónicas y de producto para estudios como MVRDV o Powerhouse, entre otros; la docencia; y la investigación gráfica y conceptual en trabajos personales donde se exploran técnicas como la fotogrametría, la retopología o la realidad virtual.
  • C·LAB Atelier – Fue concebido con el propósito de abrir debate combinando un enfoque crítico y la expresión arquitectónica. La materialización del proyecto se lleva a cabo desde un espacio de investigación-experimentación colectiva, en el que se entiende el compromiso social como papel clave en la transformación del espacio público a través de la herramienta gráfica como lenguaje común.
  • Lloyd MartinEstá impulsado por la búsqueda de nuevas experiencias en su ámbito creativo y social. Está interesado en nuevas soluciones creativas para los complejos problemas del entorno construido y cree en una arquitectura honesta que pueda comprometerse con su entorno ambiental, político y social.
  • Ex Figura – Es un estudio joven con un enfoque de diseño experimental, “el contexto es siempre la base, el punto de partida de cada decisión. Respetar el medio ambiente y preguntarse por el futuro son parte del proceso. La búsqueda constante de formas alternativas de diseñar, pensar el espacio y la materialidad se convierte en un sinfín de referentes que alimentan sus nuevas creaciones.
  • RAREA – Es una sociedad formada por Patricia Mascarell y Daniel Vera, dos arquitectos valencianos afincados en Londres. En su práctica, buscan y exploran nuevos métodos para presentar la investigación y una visión alternativa de la arquitectura, enfocándose en la verdadera flexibilidad, no linealidad, identidad y distribuciones de poder. 

AIAPR anuncia Convención Anual: “Rebuild/Restore: Crafting for a new normal”

Bajo el título “AIAPR ‘21- Rebuild/Restore: Crafting for a new normal”, el capítulo de Puerto Rico del Instituto Americano de Arquitectos (AIAPR) llevará a cabo su Convención Anual los días 15 y 16 de octubre, en el Centro de Convenciones de Miramar. La misma contará con varios invitados especiales, entre los que se destaca la participación secretario del Departamento de Desarrollo Económico y Comercio, Hon. Manuel Cidre, así como de un grupo de importantes ponentes.



Así lo anunció el presidente de la AIAPR, Arq. Héctor Ralat Sotomayor, quien informó que las actividades comenzarán el viernes 15 de octubre a las 9:00 a.m. con el panel de discusión “Planificación, Diseño y Construcción para la Reconstrucción de Puerto Rico”, el cual contará con la participación del Hon. Manuel Cidre, secretario del Departamento de Desarrollo Económico y Comercio de Puerto Rico; Amanda Silva, directora ejecutiva de Habitat for Humanity; Alfredo Martínez Álvarez, Jr., presidente de la Asociación de Constructores de Puerto Rico, y Deepak Lamba-Nieves, director de investigación y Churchill G. Carey, Jr. Chair del Centro para una Nueva Economía, y Mariangie Rosas, fundadora de co.co.haus.

Los trabajos de la mañana continúan el viernes a las 10:30 a.m., con la participación del Arq. Santiago Gala, de la Oficina Estatal de Conservación Histórica. A la 1:00 p.m., Eric Klinenberg, profesor de sociología pública y director del Institute for Public Knowledge de la Universidad de Nueva York, ofrecerá una charla virtual con el tema “On Social Infrastructure”, seguido a las 2:00 p.m. por la presentación “Design Considerations for the Reconstruction of Mayagüez Industrial Waterfront” a cargo de Manuel Ray PE, de 3GM. Mientras que a las 4:00 p.m., Bloques Carmelo ofrecerá una charla técnica dirigida a todos los participantes.

La noche del viernes cierra a las 6:30 p.m. con un coctel en el Club Lounge Terrace, del Hotel Sheraton del Centro de Convenciones, para celebrar a los pasados presidentes y Fellows AIA de 2020. El mismo es por invitación.

 

Suministrada


La Convención AIAPR ‘21- Rebuild/Restore: Crafting for a new normal” continua el sábado 16 de octubre a las 9:00 a.m. con el panel “Journey to Fellowship”, a cargo de los arquitectos distinguidos en el 2020 como Fellows del AIA: José Toro, FAIA, Jaime Sobrino, FAIA, y Yanel del Ángel, FAIA. El panel estará moderado por la Arq. Beatriz del Cueto, FAIA.

A las 10:30 a.m., será la intervención del Arq. Héctor Berdecía Hernández, AIA, con el tema “Preserving our heritage and building resiliency: traditional trades as a tool for disaster recovery and economic development in Puerto Rico”. Berdecía Hernández es conservador arquitectónico y fundador y director general de Escuela Taller de Conservación del Patrimonio Histórico de Puerto Rico. Además, es profesor conjunto en tecnología de preservación de edificios y materiales de construcción en el Laboratorio de Conservación y Rehabilitación de la Universidad Politécnica de Puerto Rico

Mientras, que a las 12:30 el guest speaker Steve Samesnski PE, CxA, LEED AP BC+C, 3GM, ofrecerá una charla virtual bajo el título “Ready for Anything: Building Response in a Post Covid World.”. La charla explorará las necesidades que debe cubrir un plan de respuesta para ayudar a responder a cualquier circunstancia imprevista. Además, examinará estrategias específicas para salvaguardar la salud de sus ocupantes al momento de reocupar los mismos bajo el concepto de “la nueva normalidad”.

La Asamblea Anual del capítulo de Puerto Rico del AIA se llevará a cabo de 1:00 p.m. a 3:30 p.m., tras lo cual a las 3:30 p.m. habrá una charla técnica a cargo de la marca Dyson, para concluir con un coctel a partir de las 4:30 p.m. en el Q Lounge.

Para información adicional y detalles, los interesados pueden visitar la página del AIAPR

Exitosa edición 38 de Cersaie 2021

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Cersaie contó con un total de más de 62 mil visitantes durante los cinco días que duró la feria, entre ellos más de 24 mil profesionales internacionales. La asistencia ascendió al 56% del total de 2019.


La edición 38 Cersaie, Salón Internacional de Azulejos Cerámicos y Mobiliario de Baño que se celebró en Bolonia del 27 de septiembre al 1 de octubre, estuvo a la altura de las expectativas de las empresas expositoras que habían decidido invertir en la feria como una oportunidad para encontrarse cara a cara con sus clientes. Cara a cara una vez más y presentar sus últimas innovaciones de productos en persona. Un total de 623 empresas estuvieron presentes en un espacio total de exposición de 150 mil metros cuadrados en quince pabellones totalmente ocupados del Recinto Ferial de Bolonia, incluidas 361 empresas del sector de la cerámica, 87 del sector del mobiliario de baño y 175 de la instalación, materias primas , nuevas superficies y sectores de actividades de servicios. El fuerte perfil internacional de la feria fue confirmado por la presencia de 238 expositores no italianos (38% del total) de 28 países.



A Cersaie 2021 asistieron un total de 62,943 visitantes. A pesar de las continuas dificultades provocadas por la pandemia en los mercados internacionales, particularmente en términos de viajes intercontinentales, la feria atrajo a 24,019 visitantes internacionales (38% del total), mientras que el número de asistentes italianos ascendió a 38,924. Estuvieron presentes un total de 464 periodistas, incluidos 150 de fuera de Italia. La asistencia total se situó en el 56% de la cifra de 2019.



La exposición se llevó a cabo cumpliendo con todas las normativas aplicables para garantizar una participación segura en el evento, siendo necesaria la certificación Green Pass no solo para la admisión a la feria en sí, sino también para las fases de montaje y desmontaje del stand, la última de las cuales se encuentra actualmente en curso. La adopción del Green Pass permitió la asistencia de un gran número de clientes de Italia y de los principales mercados europeos, aunque la participación de visitantes de Asia fue más limitada debido a las estrictas regulaciones anti-Covid vigentes para los viajeros que regresan.

 

 

“Estoy convencido de que los 623 expositores que participaron en Cersaie 2021 vieron el mejor retorno posible de su inversión en una feria que confirmó una vez más su importancia nacional e internacional entre distribuidores, arquitectos, instaladores y operadores inmobiliarios”, comentó Giovanni Savorani. Presidente de Confindustria Cerámica. “Las baldosas cerámicas han tenido un buen desempeño durante varios meses en los diversos mercados globales gracias a las cualidades intrínsecas de salubridad, higiene y sostenibilidad ambiental de nuestros productos y su capacidad para satisfacer la creciente demanda de calidad de vida en hogares y otros lugares. Como señalamos a los representantes de las instituciones nacionales y territoriales cuya presencia en la feria indicaba claramente su interés por nuestro sector, esta recuperación no debe verse comprometida por los devastadores niveles actuales de costes energéticos, cuestión que requiere una actuación urgente a nivel de la UE. . “

 


“Cersaie ofreció un extenso programa de eventos muy concurridos y altamente efectivos”, comentó Emilio Mussini, vicepresidente de Confindustria Cerámica responsable de Actividades de Promoción y Ferias. “Lo más destacado de esta edición de la muestra incluyó a las casi 600 personas que asistieron a la conferencia magistral impartida por el premio Pritzker Shigeru Ban, la presencia de diez firmas de arquitectura italianas y europeas líderes en el Contract Hall, la exposición del proyecto G124 lanzado por Renzo Piano para remodelar los suburbios en colaboración con jóvenes arquitectos, los dieciocho Press Cafés celebrados durante los cinco días de la exposición, los seminarios sobre baldosas cerámicas organizados en Tiling Town y los 180 delegados de Cersaie Business de algunos de los principales mercados de Italia, entre ellos Alemania, Norteamérica y los estados del Golfo, que estuvieron presentes gracias a la valiosa colaboración con la Agencia de Comercio Italiana ITA. Cersaie continuará hasta el 8 de octubre a través de Cersaie Digital, una exhibición de productos en línea y un servicio de búsqueda de negocios para expositores y visitantes que brinda un valioso apoyo a la participación de los visitantes personales y que se desarrollará en futuras ediciones de la feria “.



La Cersaie del próximo año se celebrará en Bolonia del 26 al 30 de septiembre del 2022.

Da’ Vinci y la copia de Mona Lisa

Hubo momentos en los que Leonardo tuvo dificultades para pintar debido a su perfeccionismo y a sus numerosas ocupaciones, y sus discípulos lo hicieron por él.

Las reflectografías de las dos principales versiones de la Virgen del huso confirman que fueron ejecutadas simultáneamente por alumnos tanteando diversas opciones de composición y siguiendo instrucciones del maestro, que podía ver así cómo funcionaban sus ideas cuando eran ejecutadas por otros. Los discípulos no siempre partieron de prototipos pintados.

El Niño Jesús abrazado a un cordero Pintor Lombardo (¿Taller de Leonardo da Vinci?) Óleo sobre tabla, 72 x 56 cm 1520-30 Madrid, Fundación Casa de Alba

Uno de los objetivos de Leonardo fue simular el volumen y la sensación de difuminado de los cuerpos al interactuar con el entorno. El relieve escultórico que dio a sus figuras, ayudándose de una base terrosa para modelar las transiciones de la sombra a la luz, lo ejemplifican el cartón de Santa Ana y, de un modo más sumario, algunas obras de sus seguidores, como el Niño Jesús abrazado a un cordero o el Salvador adolescente. Solo un discípulo indirecto, Andrea del Sarto, supo llevar a la práctica sus complejas observaciones sobre estos asuntos.

El Salvador adolescente Atribuido a Giovanni Antonio Boltraffio (1466/67-1516) Óleo sobre tabla, 25,3 x 18,5 cm h. 1490-95 Madrid, Museo Lázaro Galdiano


Los estudios técnicos han confirmado que las copias de las obras más apreciadas por Leonardo –las de Mona Lisa, Santa Ana y Salvator Mundi- se hicieron junto a él y bajo su supervisión. La elaboración de todas ellas es muy cuidada, los materiales son costosos y conservan la personalidad de quien las hizo, un autor aún no identificado. Dos de ellas reproducen estados intermedios de la lenta ejecución de los originales, lo que las convierte en testimonios excepcionales
de las reflexiones y correcciones del maestro durante su creación.

Mona Lisa (antes de la restauración) Taller de Leonardo da Vinci, autorizado y supervisado por él Óleo sobre tabla, 76,3 x 57 cm 1507/8-1513/16 Madrid, Museo Nacional del Prado
Mona Lisa (después de la restauración) Taller de Leonardo da Vinci, autorizado y supervisado por él Óleo sobre tabla, 76,3 x 57 cm 1507/8-1513/16 Madrid, Museo Nacional del Prado

El examen de las pinturas salidas del taller vinciano descubre aspectos de la personalidad artística de sus integrantes. Informa también sobre su aprendizaje junto a Leonardo, centrado en la observación y comprensión de los fenómenos lumínicos y cromáticos que este tanto se esforzó en reproducir. Siempre que las obras de sus alumnos respondieran a los objetivos que él había definido para el arte, estuvo dispuesto a cederles ideas para que experimentaran diversas formas de pintar.

Leda A partir de Leonardo da Vinci Temple sobre tabla, 115 x 86 cm 1510-20 Roma, Galleria Borghese

El análisis comparativo de las reflectografías infrarrojas de la Mona Lisa del Louvre y su copia del Prado revelan idénticos detalles ocultos bajos sus superficies, lo que confirma que sus autores trabajaron en paralelo y que el copista reprodujo gran parte del proceso de elaboración del original, sin tratar de suplantarlo. Muchas modificaciones invisibles en la Mona Lisa de París se repiten en la tabla de Madrid. En esta también se observan correcciones y líneas de dibujo libre, sin relación con el original, que reflejan las dudas de nuestro pintor y nos hablan de un proceso más complejo que el de una simple copia. Los estudios llevados a cabo sobre las pinturas salidas del taller de Leonardo desvelan prácticas gráficas y pictóricas comunes que demuestran que, aunque este supervisó a sus discípulos, dejó que mantuvieran su propio estilo. Sin embargo, la idea vinciana de que la reproducción de la naturaleza no debía estar mediada por la mano del artista los incitaba a disimular las pinceladas y los trazos en la superficie de las obras. El modo de difuminar la materia de cada alumno fue muy personal. Algunos utilizaron los dedos y otros, emulando la técnica gráfica de su maestro, crearon diminutas redes de trazos blancos y rojos sobre bases grises, perceptibles
solo en macrofotografías.


La importancia que dio Da Vinci a sus ideas se confirma en los cuadros ejecutados por sus discípulos a partir de su obra gráfica, entre ellos lo de Leda y el cisne, una composición solo pintada por ellos y de la que existen diversas variantes. Se conservan bocetos de Leonardo para el peinado y la postura de la reina, semiarrodillada y en pie. Las pinturas conservadas, excepto una, obra de Giampietrino, muestran así a la figura. El reto que se les planteó a sus autores al representar el asunto fue aunar el cuerpo y el paisaje ayudándose del cabello y la vegetación como elementos transmisores de movimiento, efecto que Da Vinci reprodujo de manera ejemplar en los dibujos. Las versiones pintadas de Leda son una clara muestra de cómo los seguidores del maestro aprovecharon sus ideas y material de trabajo. Así se descubre en la Leda de Giampietrino, cuya reflectografía revela un sistema mecánico de traspaso de la composición al soporte a partir de un cartón, quizás original de Da Vinci, y bajo ella otra composición del maestro trasferida previamente, la de Santa Ana.